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Quando Adolphe Sax brevettò il sassofono nel 1846, il jazz, il pop e la musica elettronica non esistevano ancora. Il suo strumento, concepito per colmare la distanza sonora tra legni e ottoni, avrebbe trovato la propria identità proprio nei linguaggi musicali che sarebbero nati molti anni più tardi, attraversando epoche, continenti e culture fino a diventare una delle presenze più inconfondibili della storia della musica.

A centottant’anni da quel brevetto, il ventisettenne musicista romano Daniele Dominici, in arte Albasax riparte proprio dalla natura ibrida dello strumento, riunendo sei differenti sassofoni e rendendoli protagonisti di “ACTVS PRIMVS”, un progetto pop ed elettronico concepito come un’opera cinematografica divisa in atti, saghe e capitoli, nella quale la musica genera le scene anziché accompagnarle.

Il primo capitolo è “Follie di Joker”, il nuovo singolo disponibile dal 15 settembre, accompagnato dal videoclip ufficiale.

Sei sax, una voce e un corpo di ballo: Albasax canta, danza, produce, cura personalmente i visual e la direzione musicale e affida al sassofono una funzione che nel pop gli viene riconosciuta raramente, trasformandolo nel perno sonoro e visivo attorno al quale si articola l’intero progetto.

È uno dei pochi giovani performer italiani a riunire in un’unica produzione pop le sei tipologie maggiormente diffuse della famiglia del sassofono, utilizzandole come differenti estensioni della voce, del corpo e del personaggio.

Adolphe Sax aveva immaginato una famiglia composta originariamente da quattordici strumenti, progettati in dimensioni e registri diversi. Nel tempo, sei tipologie si sono imposte nella pratica musicale: sopranino, soprano, contralto, tenore, baritono e basso.

Cambiano l’estensione, il timbro, le proporzioni e la quantità di respiro richiesta, ma resta comune l’intuizione dalla quale nacquero: ottenere la potenza degli ottoni conservando la duttilità dei legni, creando un suono capace di occupare una posizione che, fino a quel momento, nessun’altra famiglia strumentale riusciva a coprire interamente.

Il sassofono appartiene infatti alla famiglia dei legni perché il suono viene generato attraverso l’ancia, nonostante il corpo sia realizzato in ottone. La sua stessa struttura contiene quindi una contraddizione apparente, una natura intermedia che gli ha permesso di trovare casa in territori musicali lontanissimi tra loro. Nato per colmare un vuoto nell’organico bandistico e orchestrale, avrebbe raggiunto la piena popolarità attraverso il jazz e, successivamente, il pop: linguaggi che si sarebbero sviluppati pienamente soltanto dopo la morte del suo inventore, avvenuta nel 1894.

Lo strumento nato per unire mondi diversi torna così a farlo centottant’anni dopo. Nel lavoro di Albasax collega il Conservatorio al club, l’acustica all’elettronica, la disciplina del jazz all’immaginario pop, il musicista al performer, il suono alla coreografia e il concerto alla drammaturgia.

Quella stessa natura irregolare attraversa tutta l’identità di “ACTVS PRIMVS”, il nuovo capitolo artistico con il quale Daniele Dominici sceglie di superare le classificazioni che tradizionalmente separano strumentisti, cantanti, autori, produttori e interpreti. La sua formazione non viene abbandonata per avvicinarsi al pop, ma diventa il fondamento tecnico di un linguaggio nel quale ogni elemento, dalla scrittura musicale alle luci, concorre alla costruzione di una narrazione complessiva.

Nato a Roma l’8 maggio 1999, Albasax studia musica dall’età di otto anni. Dopo un lungo percorso nelle orchestre jazz italiane, si diploma in sassofono jazz al Conservatorio di Santa Cecilia di Roma e prosegue la propria formazione con gli studi magistrali in Scritture e produzioni per lo spettacolo, scelti per approfondire la drammaturgia teatrale e trasferirne i codici all’interno della propria musica.

Il suo percorso si sviluppa tra Roma, Londra e Ibiza, tre città che hanno contribuito in maniera differente alla definizione del progetto: Roma rappresenta la formazione accademica e teatrale, Londra il confronto con un mercato musicale internazionale, Ibiza la relazione con l’elettronica e con una concezione dello spettacolo fondata sul dialogo tra musica, movimento e dimensione visiva.

“ACTVS PRIMVS” nasce da questo incontro e adotta la struttura di un’opera per capitoli. Ogni uscita è pensata come la prosecuzione di una storia più ampia, dotata di personaggi, ambientazioni, coreografie e un impianto sonoro identitario. La scelta del latino nel titolo richiama la scansione teatrale degli atti, ma introduce anche una scelta: ciò che viene presentato con “Follie di Joker” non è un episodio isolato, bensì l’apertura formale di un racconto destinato a proseguire.

Nel videoclip ufficiale di “Follie di Joker”, presentato in anteprima nazionale su Sky TG24, Albasax interpreta il Joker, mentre la ballerina Nicole Vinci assume il ruolo di Harley Quinn. Le coreografie e la direzione artistica sono curate nei minimi dettagli dallo stesso Albasax insieme al coreografo Daniele Ingrassia, con il quale l’artista ha lavorato quotidianamente per mesi alla preparazione dello show e dell’intero impianto visivo.

Anche il personaggio del Joker viene sottratto alla sua raffigurazione più prevedibile, non rappresentando semplicemente la follia, il disordine o il richiamo cinematografico attorno al quale generare un certo tipo di estetica, ma diventando il volto della parte più complessa e ferita di sé, quella con cui spesso si rifiuta di dialogare e che si tenta di nascondere dietro risposte rassicuranti.

Nel testo tornano ossessivamente le domande «Come stai?», «Cosa fai?», «Dove vai?», «Sei nei guai?», espressioni che, invece di aprire uno spazio di ascolto, possono ridursi a formule di circostanza alle quali ci si sente comunque obbligati a rispondere, anche quando raccontare la verità richiederebbe un tempo, un’attenzione e una disponibilità che non sempre si è certi di trovare.

Il protagonista si osserva allo specchio e incontra un abisso, trascina le ossa durante notti nelle quali il senso sembra perduto, attraversa pareti sature di segreti e discorsi mai pronunciati. Il Joker assume così la funzione di un alter ego al quale attribuire ciò che non si riesce a mostrare, fino al passaggio conclusivo in cui la prospettiva cambia radicalmente: quella presenza non viene sconfitta né cancellata, ma riconosciuta e abbracciata.

«Per anni la parola “folle” mi è stata rivolta come se credere fino in fondo nella musica fosse qualcosa da ridimensionare – racconta Albasax –. Con questo brano ho voluto riprendere quella definizione e darle un significato differente. Il Joker non rappresenta soltanto il caos: è la parte di noi che nascondiamo quando fingiamo di stare bene, quella che allontaniamo perché ci mette a disagio. Alla fine del brano non provo a eliminarla, ma scelgo di stringerla a me. Per me è da lì che comincia “ACTVS PRIMVS”.»

La maschera, elemento centrale della tradizione teatrale, consente ad Albasax di parlare di sé senza ricorrere a una rappresentazione strettamente autobiografica. Il personaggio diventa uno spazio scenico nel quale far convivere il timore di non riuscire e l’ambizione, la disciplina e il caos, il bisogno di mantenere il controllo e la scelta di affidarsi, restituendo al termine “follia” il significato di una decisione compiuta contro ciò che gli altri considerano ragionevole o possibile.

«Ho sempre messo la musica davanti a ogni altra cosa e spesso mi è stato detto che avrei dovuto seguire regole già stabilite – conclude –. Ho preferito studiarle, comprenderle e poi trovare la mia strada. “Follie di Joker” rappresenta una rivalsa nei confronti di chi, negli anni, ha considerato folle la dedizione con cui ho costruito questo percorso. Non mi interessa piacere indistintamente a tutti; mi interessa che una persona possa riconoscersi in queste parole e smettere di provare vergogna per una parte di sé che merita invece di essere ascoltata.»

Il progetto regala così anche nuova centralità alla dimensione fisica della musica. Nel sax il suono nasce dal respiro, viene modellato dall’imboccatura, dalla pressione, dalla postura e dal movimento del corpo. Albasax trasferisce questa componente sul piano della performance, scegliendo di non rimanere fermo dietro lo strumento, ma cantando, danzando e attraversando la scena insieme al corpo di ballo, lasciando che musica e coreografia diventino parti della stessa interpretazione.

La preparazione vocale è affidata alla vocal coach Monica Magnani, presente anche nei cori del brano, mentre la produzione è curata da Ainoo Joel insieme allo stesso Albasax, autore, compositore, coproduttore e polistrumentista. L’intero progetto è sviluppato con Drama World Records, l’etichetta discografica fondata dall’artista per riunire all’interno di una struttura indipendente la produzione musicale, l’elaborazione visiva e la futura costruzione dello spettacolo.

“ACTVS PRIMVS” è stato pensato fin dalle fondamenta per avere un respiro internazionale; una decisione che assume un significato particolare in una fase nella quale la musica italiana sta ampliando la propria presenza fuori dai confini nazionali.

Secondo i dati diffusi da FIMI, nel 2025 le royalties generate all’estero dal repertorio italiano hanno superato i 32 milioni di euro, registrando una crescita del 13,9% rispetto all’anno precedente e del 180% in confronto al 2020. Il digitale rappresenta l’88% dei ricavi prodotti dall’export musicale italiano.

È all’interno di un mercato sempre più aperto alla diffusione internazionale che Albasax ha scelto di sviluppare il progetto tra Italia, Regno Unito e Spagna, con l’obiettivo di proseguirlo anche attraverso brani in altre lingue e di portarlo sui palchi e nei festival elettronici internazionali.

La dimensione live seguirà infatti due direzioni parallele: da una parte, uno show strutturato in atti, con visual realizzati personalmente dall’artista, scenografie, corpo di ballo e una direzione musicale concepita per condurre lo spettatore all’interno dell’intera storia; dall’altra, una formazione destinata ai festival di musica elettronica, nella quale Albasax unirà canto, sax suonati dal vivo e console da DJ, accompagnato da due ballerini impegnati in coreografie originali costruite sui remix dei brani.

A centottant’anni dalla sua invenzione, il sassofono continua dunque a occupare uno spazio difficile da delimitare. È nato tra legni e ottoni, ha trovato nel jazz una voce che il suo inventore non avrebbe potuto prevedere e oggi entra nell’elettronica conservando il respiro che lo genera.

Albasax riparte da questa natura irregolare, non utilizzando lo strumento per accompagnare il progetto, ma costruendo il progetto intorno allo strumento.

Dal 18 settembre 2026 sarà disponibile sulle piattaforme digitali di streaming “Elettrica”, il nuovo album di Elena Camo per Red&Blue Music Relations distribuito da ADA Music Italy dal quale è estratto l’omonimo singolo in radio.

“Elettrica”, focus track dell’album, è il cuore pulsante dell’intero progetto discografico e la canzone che ne definisce l’identità. Con un linguaggio pop moderno e un’estetica sospesa tra memoria e contemporaneità, Elena Camo costruisce un racconto in cui ricordi, simboli della cultura pop e nuove emozioni convivono in perfetto equilibrio. La title track diventa così il manifesto di un album che invita a guardare avanti senza perdere il valore di ciò che ci ha resi ciò che siamo.

“Elettrica è il racconto di una generazione che cerca connessioni autentiche in un mondo sempre più veloce.”

Con “Elettrica”, Elena Camo firma il lavoro più maturo e personale della sua carriera, trasformando la musica in uno spazio in cui emozioni, memoria e contemporaneità si incontrano senza confini.

Più che un album, “Elettrica” è un viaggio dentro il presente. Un racconto che attraversa l’amore, la disillusione, la ricerca della propria identità e il bisogno, sempre più urgente, di restare autentici in un mondo dominato dall’apparenza. I brani si muovono tra relazioni che cambiano, fragilità che diventano forza, nostalgia che dialoga con il futuro e quella costante tensione verso qualcosa che ancora non conosciamo, ma continuiamo a cercare.

Il titolo racchiude il significato dell’intero progetto: “Elettrica” è l’energia invisibile che attraversa ogni scelta, ogni incontro e ogni cambiamento. È quella scintilla che accende i ricordi, alimenta i sogni e accompagna il coraggio di reinventarsi, trasformando ogni esperienza in movimento.

Musicalmente l’album abbraccia un pop moderno e dinamico, contaminato da richiami elettronici e da un immaginario che guarda agli anni Ottanta e Novanta senza cedere alla semplice nostalgia. Quei riferimenti diventano simboli emotivi, capaci di parlare anche a chi quel periodo non lo ha vissuto, fondendo passato e presente in un linguaggio profondamente contemporaneo.

La scrittura di Elena Camo sceglie immagini quotidiane e riferimenti della cultura digitale per raccontare emozioni universali. Dietro ogni canzone convivono leggerezza e profondità, ironia e vulnerabilità, desiderio di evasione e bisogno di verità. L’intimità personale si trasforma così in una narrazione collettiva, in cui ciascuno può riconoscere una parte della propria storia.

Con “Elettrica”, Elena Camo compie un passo deciso verso una dimensione artistica più consapevole, costruendo un’identità musicale riconoscibile e attuale. Un album che non cerca di seguire il tempo, ma di raccontarlo, lasciando che siano le emozioni a fare da filo conduttore.

Perché, in fondo, la vera elettricità non è quella che attraversa i cavi, ma quella che attraversa le persone.

Testi e musiche: Elena Camocardi, Graziano Fanelli 

TRACK-LIST:

Elettrica

Quando

Niente Prove

Adulto, Sì

Amore Zero

American Express

Tutti Professori

Snake Eyes

Vola

Una Giornata No

Va Bene Anche Così

Vuoto in Mano

Spiega l’artista a proposito dell’album: “Con Elettrica ho smesso di cercare risposte e ho iniziato a raccontare domande. È un album che parla del tempo in cui viviamo: un tempo in cui siamo sempre connessi, ma spesso facciamo fatica a connetterci davvero con noi stessi e con gli altri. Ho voluto trasformare emozioni, paure, ironia, nostalgia e desiderio di libertà in musica, senza filtri e senza maschere. Ogni brano rappresenta una parte di me, ma spero possa diventare anche una parte di chi lo ascolta. Perché credo che le canzoni più belle siano quelle in cui, a un certo punto, smetti di sentire la voce dell’artista e inizi a sentire la tua.” 

Biografia

Elena Camocardi, in arte ELENA CAMO (classe 1991), è una cantautrice e performer veronese dalla solida formazione accademica. Laureata in pianoforte e canto al Conservatorio di Trento, ha perfezionato il proprio stile moderno tra Bari, Penne e Milano, ottenendo prestigiosi riconoscimenti in concorsi nazionali come Castrocaro e Saint Vincent. La sua carriera spazia dai palchi del Nord Italia, tra opera lirica e musical, fino alle apparizioni su Rai 1.

Dopo il debutto nel 2023 con l’album Contromano, ha intrapreso tra il 2024 e il 2025 un tour teatrale con orchestra sinfonica, pubblicando parallelamente i singoli Colombia e Big Babol. Il brano Sola, uscito a fine 2025, ha anticipato il nuovo progetto discografico previsto per il 2026. Dotata di una vocalità intensa e riconoscibile, l’artista si distingue per la capacità di fondere tecnica, sensibilità e un’estetica profondamente contemporanea.

Il mondo sonoro di ELENA CAMO è un crocevia tra pop italiano e internazionale, musica orchestrale e teatro. Se da un lato l’interpretazione vocale guarda a icone come Giorgia, Elisa, Adele e Lady Gaga, dall’altro la sua scrittura è profondamente influenzata dalle grandi colonne sonore e dagli arrangiamenti sinfonici. A questa base classica si innestano sonorità pop-elettroniche e atmosfere synth anni ’80, caratterizzate da melodie evocative e aperture armoniche di forte impatto emotivo.

Tra le tracce più significative spiccano Contromano, manifesto del suo esordio, e Colombia, dal carattere coinvolgente. Sola rappresenta l’anima più intima e preludio al lavoro del 2026, mentre Basta ne sottolinea la forza interpretativa. Completa il quadro Big Babol, brano sperimentale distribuito anche in lingua spagnola, che ne evidenzia il lato più fresco e moderno.

La capacità di unire l’immediatezza del pop contemporaneo alla raffinatezza della formazione lirica permette di intercettare sia le nuove generazioni, attratte dall’elettronica e dal revival anni ’80, sia ascoltatori adulti che ricercano profondità testuale e qualità performativa.

Le sue canzoni danno voce a fragilità, rinascite e sfumature emotive universali. Trasformando esperienze personali e relazioni in musica, l’artista crea un ponte empatico con l’ascoltatore, permettendo a chiunque di rispecchiarsi nelle sue storie di cambiamento e forza interiore.

L’obiettivo nel medio termine è consolidare la propria presenza nel panorama pop italiano attraverso produzioni di qualità e performance live di alto livello. Nei prossimi anni, ELENA CAMO punta a una crescita costante sulle piattaforme digitali e alla partecipazione a festival di rilievo nazionale, con l’ambizione di affermarsi come una realtà artistica solida, elegante e capace di unire musica e teatro in un’unica esperienza scenica.

A maggio 2026 ha pubblicato il brano “Quando” e a luglio “Niente prove”.

“Elettrica” è il nuovo album di Elena CAMO disponibile sulle piattaforme digitali di streaming dal 18 settembre e dal quale è estratto l’omonimo singolo in radio.

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Dal 15 settembre 2026 sarà disponibile su tutte le piattaforme di streaming digitale, in CD e in vinile “solchi” (Overdub Recordings), il primo album dei CALANCO. 

“solchi” è un album che racconta il tormento interiore attraverso un linguaggio diretto e una scrittura intensa. Ogni brano affronta emozioni come odio, amore, senso di colpa e desiderio di fuga, delineando un itinerario in cui fragilità e consapevolezza convivono. Il nome della band e il titolo del disco diventano così due prospettive dello stesso immaginario: una materia viva che si trasforma nel tempo lasciando segni profondi. I “solchi” non rappresentano la fine di un cammino, ma la testimonianza concreta delle esperienze vissute, come rughe lasciate dal tempo e impresse sulla pelle.

L’album attraversa temi quali alienazione, inquietudine e ricerca di un altrove, restituendo il ritratto di una generazione alle prese con le proprie contraddizioni. Il percorso narrativo si sviluppa come una discesa nei pensieri più reconditi, dove l’inquietudine si trasforma in ossessione e trova espressione anche nella ripetizione di parole e immagini.

Nato da una forte urgenza espressiva, “solchi” si caratterizza per una produzione dai contrasti marcati e da sonorità sporche, che valorizzano l’intensità dei brani. Il risultato è un lavoro dalla forte identità artistica, in cui musica e immaginario visivo si fondono in una narrazione coerente, capace di dare forma a fragilità, tensioni e consapevolezza. 

Spiega la band a proposito del nuovo lavoro discografico: «”solchi” nasce dall’urgenza viscerale di dare un nome a quei segni permanenti che le emozioni e le inquietudini scavano inevitabilmente nella nostra anima. Per noi, il “solco” è la cicatrice del vissuto, un punto di contatto dove l’erosione sulla nostra pelle diventa identica a quella geologica che modella i paesaggi della terra da cui veniamo. Il nostro stesso nome, CALANCO, è la metafora perfetta di questo processo: una materia che muta, si spacca e si definisce attraverso il proprio tormento. Musicalmente e visivamente volevamo esprimere una verità cruda e materica, fatta di contrasti netti e sonorità viscerali, per rendere visibile quel processo di trasformazione che ci consuma e ci definisce come esseri umani. C’è molta polvere e molto sudore in queste tracce. Abbiamo messo a nudo la fragilità che spesso nascondiamo dietro l’arroganza del volume e del palco. È un viaggio emotivo attraverso rimorsi paralizzanti e la consapevolezza che ogni nostra trasformazione, per quanto dolorosa, è ciò che ci rende reali. Non ci interessa lo streaming fine a se stesso; vogliamo portare questo rumore nei club affollati, dove il sudore e le sensazioni valgono più di ogni numero». 

“solchi” TRACKLIST

1 – sbaglio spesso

2 – bruges

3 – domenike

4 – caffè corretto

5 – persei

6 – verme

7 – come fare non lo so

8 – adieu

9 – rocciasangue

10 – RnR serena 

CALANCO | BIOGRAFIA

I CALANCO nascono nella primavera del 2023 dall’amicizia di Edoardo Marcelli (basso e voce), Francesco Menghini (chitarra) e Federico Rampa (batteria), tutti originari dell’entroterra di Rimini. Fatto tesoro dei loro vari precedenti progetti in cui hanno sperimentato post rock, cantautorato, grunge ed elettronica, decidono di unirsi in jam session per tornare a esplorare le radici minimaliste del rock. Dopo pochi mesi, presentano i primi 9 inediti in una data zero al Maledette Malelingue Festival a Novafeltria (festival in onore di Ivan Graziani al quale hanno partecipato fra gli altri Cristina Donà, Lucio Corsi, Fede Poggipollini, Andy dei Bluvertigo, etc), raccogliendo molti consensi.

A Giugno 2024 vincono il Rock è Tratto contest, guadagnandosi un posto sul palco di “Rock è Tratto” insieme a Emma Nolde e Tropea.

Durante il 2025, tra un concerto e l’altro, incidono il disco “solchi” che uscirà per Overdub Recordings il 15 Settembre 2026. Ad anticipare l’uscita del disco sono già disponibili i due singoli “domenike” e “sbaglio spesso”, usciti rispettivamente a Maggio e Giugno 2026, un piccolo assaggio prima della portata principale in autunno. Con questo primo lavoro in studio i CALANCO vogliono portare la propria musica sui palchi e arrivare a quante più persone possibile nella dimensione live, quella per cui credono valga la pena esistere.

“solchi” è il disco d’esordio dei CALANCO pubblicato da Overdub Recordings disponibile su tutte le piattaforme di streaming digitale, in CD e in vinile dal 15 settembre 2026.

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Per quasi vent’anni ha fatto quello che pensava di dover fare. Ha studiato, consolidato una carriera nel Tech, lavorato tra Roma e Milano, è diventato manager e padre. Nel frattempo, un album registrato da ragazzo è rimasto chiuso in un cassetto. Poi, a 38 anni, ha deciso che una vita adulta non deve necessariamente coincidere con una vita già decisa.

Oggi, Tommaso Bebi, pubblica “Che fregatura!”, il suo nuovo singolo disponibile su tutti i digital store.

Il titolo sembra annunciare una lamentela, ma la canzone fa esattamente il contrario.

La storia di Tommaso Bebi è quella di un uomo che la ripartenza l’ha scelta davvero: per questo, settembre, nel brano non collima semplicemente con il ritorno dalle vacanze: diventa il momento in cui ci si accorge che qualcosa è finito e bisogna decidere se limitarsi a rimpiangerlo oppure usare quello spazio per cambiare direzione.

Ci sono l’odore di salsedine che si impregna nei ricordi mentre si torna in ufficio, la campanella della scuola che nel testo finisce per suonare anche sul luogo di lavoro, i propositi che ricominciano puntualmente insieme alle abitudini che avevamo promesso di cambiare. Ma soprattutto, c’è quel particolare fastidio che si prova nel sentirsi con «metà corpo ancora in mare» e l resto perso tra la gente, riconsegnato senza preavviso alla quotidianità.

Ma settembre riguarda un passaggio ben più ampio del calendario; perché non arriva soltanto dopo la fine di agosto, ma è la misura di tutte quelle volte in cui una stagione della nostra vita si chiude mentre non abbiamo ancora ben capito come entrare in quella successiva. Succede con un’estate, ma anche con un lavoro, un’età, una versione di noi stessi che fino a poco prima sembrava definitiva.

Ed è proprio in questa terra di mezzo che “Che fregatura!” trova il suo habitat naturale: ciò che finisce lascia inevitabilmente qualcosa dietro di sé, ma apre anche uno spazio che prima non c’era.

Uno spazio che troppo spesso ci affrettiamo a riempire, come se trovarsi davanti ad una pagina nuovamente bianca fosse qualcosa da temere. E invece, prima di intingere ancora una volta la penna nel calamaio della vita e ricominciare a scrivere frettolosamente nuovi capitoli, forse dovremmo concederci il tempo di capire quale storia vogliamo davvero mettere su quella pagina.

E per Tommaso Bebi, figlio della generazione che ha fatto tutto “come si doveva”, quella cresciuta con l’idea che certe tappe andassero rispettate, quella pagina bianca è arrivata dopo anni trascorsi a scrivere soprattutto ciò che sembrava giusto scrivere: studio, lavoro, carriera, famiglia, responsabilità. La musica, invece, è rimasta a margine, come una frase iniziata e mai davvero conclusa.

Classe 1988, nato a Poggibonsi (SI) e cresciuto ad Arezzo, conosce bene la distanza che può crearsi tra ciò che si desidera e ciò che, crescendo, si finisce per considerare prioritario. Durante gli anni universitari registra un intero album, “Solo un’utopia”. Non lo pubblicherà. Rimarrà lì, tra quei progetti che si rimandano prima a un momento migliore, poi a un’età diversa, infine a un futuro che rischia di non arrivare mai. Nel frattempo la sua vita prende un’altra direzione. Roma, Milano, il lavoro, una carriera manageriale nel settore tecnologico e i ritmi di un percorso professionale tracciato con continuità. Oggi Tommaso è direttore di una realtà Tech che integra intelligenza artificiale e componente umana nella gestione della comunicazione e dei processi aziendali. Un osservatorio professionale privilegiato su una tecnologia che sta ridisegnando il modo in cui lavoriamo, comunichiamo e produciamo contenuti.

Eppure, proprio mentre l’intelligenza artificiale entra sempre più profondamente nel suo lavoro quotidiano, c’è qualcosa che Tommaso continua a tenere fuori da qualsiasi automatismo: la musica. Per anni, però, l’ha lasciata fuori anche dall’agenda.

A cambiare qualcosa è stata la nascita della sua prima figlia.

È in quel momento che la domanda “ho ancora tempo per farlo?” è diventata, nella sua mente, “perché continuo a non farlo?”.

Da lì, il ritorno alla scrittura; un ritorno consapevole e lontano dal desiderio adolescenziale recuperato fuori tempo massimo, dal rifiuto della vita costruita fino a quel momento e dall’ennesima storia in cui qualcuno decide di abbandonare tutto per inseguire una promessa di successo.

Tommaso non lascia il proprio lavoro, non rinnega la carriera e non cancella ciò che ha creato con tanta dedizione. Smette, semplicemente, di accettare che una sola parte della propria identità debba occupare tutto lo spazio disponibile.

Perché esiste una generazione adulta che ha imparato molto bene a studiare, lavorare, produrre, assumersi responsabilità e rispettare scadenze, ma che a un certo punto comincia a interrogarsi sul prezzo pagato per mantenere in ordine ogni cosa.

Ecco, Tommaso Bebi è l’uomo che a 38 anni ha cominciato a interrogarsi su quante versioni di sé aveva sacrificato alla vita adulta, e che sta raccontando musicalmente cosa succede quando si decide di recuperarle.

Prima il singolo “37 e mezzo” – il cui titolo giocava sulla doppia lettura dell’età e dello stato febbrile, una sorta di temperatura simbolica capace di alterare per un momento la disciplina con cui un adulto impara a gestire e tenere insieme tutto -, poi una nuova partenza. Una presa di coscienza scaturita proprio dall’istante in cui il senso del dovere rischiava di trasformarsi in automatismo.

Se il brano precedente rifletteva sulla necessità di rompere uno schema, con “Che fregatura!” Tommaso osserva ciò che accade dopo, perché ricominciare non significa necessariamente compiere un’azione clamorosa. Molto più spesso significa tornare nella stessa vita con uno sguardo completamente rinnovato.

“Che fregatura!”, da questo punto di vista, infatti non è una canzone nostalgica sugli ultimi giorni di agosto, ma un brano che guarda alla fine come a un punto di ripartenza.

La spiaggia, gli amori estivi, le amicizie nate tra gli ombrelloni, i falò, le feste in riva al mare e la libertà di giornate in cui il tempo non è scandito da cartellini da timbrare, riunioni e videocall, lasciano d’improvviso spazio al freddo, al cappotto sopra l’abbronzatura sbiadita, alla palestra che avremmo dovuto ricominciare, ai propositi e a un diario ancora bianco. Ma in mezzo a questo ritorno alla realtà, l’artista ci ricorda che «A cambiare è la tua vita, non la musica che hai in testa», ed è lì che la fregatura diventa “bella”.

Perché quello che sembra soltanto un ritorno alla normalità contiene anche la possibilità di modificare qualcosa.

Un nuovo incontro, un progetto rimandato, una decisione. Persino un altro errore. Perché non si tratta di riuscire sempre, ma di concedersi ancora la possibilità di tentare. Avendo più coraggio, e tenendo sempre a mente che crescere non significa smettere di cambiare.

Forse è proprio questa porta sul cambiamento che “Che fregatura!” lascia aperta: non la promessa che ogni nuovo inizio andrà bene, ma la possibilità di non considerare definitiva una vita soltanto perché, fino a quel momento, in qualche modo, ha funzionato.

Tommaso Bebi lo ha sperimentato a 38 anni, tornando a una passione, quella per la musica, che aveva lasciato in sospeso quasi vent’anni prima. E allora resta una domanda, forse la stessa che prima o poi dovremmo rivolgere anche a noi stessi: se oggi incontrasse il ragazzo che registrò l’album “Solo un’utopia” e poi decise di chiuderlo in un cassetto, che cosa gli direbbe?

E soprattutto: che cosa diremmo noi alla versione di noi stessi che, anni fa, ha smesso di aspettarci?

ANIMA NERA

“La monotonia dei giorni comuni” 

SEI SINGOLI E DUE INEDITI PER RACCONTARE UN NUOVO PERCORSO

https://benext.lnk.to/monotonia

Il nuovo album degli Anima Nera, intitolato “La monotonia dei giorni comuni”, rappresenta un punto di arrivo e, al tempo stesso, un nuovo inizio per la band.

Il disco raccoglie sei singoli pubblicati negli ultimi anni, brani che hanno contribuito a definire e consolidare l’identità sonora del gruppo, affiancati da due tracce completamente inedite. Questi nuovi brani offrono uno sguardo più intimo sull’evoluzione artistica della band, ampliandone il percorso musicale senza tradirne l’essenza.

Questo lavoro segna una tappa importante: da un lato riassume un periodo di intensa attività creativa, dall’altro apre la strada a nuove sonorità e prospettive, mantenendo intatto il carattere distintivo degli Anima Nera, fatto di atmosfere evocative, energia rock e influenze contemporanee.

“La monotonia dei giorni comuni” si presenta così come un’opera che unisce passato e presente, offrendo un’esperienza d’ascolto coerente e completa: un album pensato sia per chi segue gli Anima Nera fin dagli esordi, sia per chi si avvicina per la prima volta al loro universo musicale.

TRACKLIST

MUSICA

Uscito nel 2022 come singolo, la band ha scelto come brano di apertura questa versione radiofonica caratterizzata da un mixaggio diverso e più breve. Il brano si ispira a due delle gioie della vita: la musica e la femminilità. L’eclettismo distintivo degli Anima Nera appare anche in questo brano combinando sonorità genuinamente rock e istinti ritmici funk con accenni legati alla disco, con l’obiettivo di cantare tutta la sensualità che la musica sa regalare.

 

DORIAN GRAY

Uscito nel 2023, il pezzo  si pone come critica ad una tendenza ormai consolidata in questo secolo: la ricerca spasmodica di un ideale di bellezza che si rivela spesso irreale e soprattutto irraggiungibile. Come Dorian Gray nel capolavoro di Oscar Wilde che non voleva invecchiare, così l’uomo contemporaneo non solo cerca di combattere i segni del tempo sul proprio volto, ma anche e soprattutto sui social, luogo in cui la bellezza è imperativa. Filtri, trucchi e posizioni azzeccate cercano di nascondere chi siamo veramente, ma chi siamo dentro non cambierà mai.

SE NON ADESSO QUANDO

Inedito della band, il pezzo esce come accompagnamento all’uscita del disco. E’ una pop ballad con un ritornello che ci invita a non aspettare troppo nel prendere delle decisioni perché il tempo passa ed è necessario cogliere l’attimo. Nata pensando all’idea di “persona di cuore o di testa”,  il testo gioca su una discussione che non da frutti e rimanda le decisioni per la testardaggine di non ascoltare l’altro.

CANI RANDAGI

Il pezzo, pubblicato nel 2024, propone una profonda riflessione sull’umanità e l’empatia. Il brano è ispirato dalle tragiche vicende di cronaca dell’estate 2023, in cui alcuni clochard sono stati vittime di violenze assurde e gratuite; questo brano si trasforma in una denuncia potente sul disagio umano e sociale. Il singolo porta alla luce una realtà spesso ignorata e sottolinea l’importanza di non voltare lo sguardo di fronte alle ingiustizie e al dolore degli altri esseri umani. “Cani Randagi” non è solo una canzone, ma un messaggio di solidarietà e compassione per coloro che sono ai margini. Gli Anima Nera ci invitano a guardare oltre le apparenze e a tendere una mano a chi è meno fortunato di noi.

 

PER TE

“Per te” propone il significato di amore per sempre, di amore eterno, secondo il personale pensiero della band.

Il brano è una melodiosa ballata in cui vengono riaperti vecchi ricordi e lontane memorie e lascia capire che quello che sembrava un sentimento dimenticato, in realtà era solo “messo in pausa”, assopito tra le lenzuola del tempo.

Nasce così un brano spontaneo e dai sentimenti forti che racconta di come certe relazioni, pur non sapendolo, restano eterne, perché certe cose passano, mentre una canzone è per sempre.

 

DEA

In questa traccia gli Anima Nera  esplorano il lato più crudo e viscerale dell’amore. Un amore totalizzante, quasi tossico, che si consuma in fretta, al buio, come un rituale sacro che sfiora la follia. “Dea” racconta una relazione in cui i protagonisti si perdono l’uno nell’altra, fino ad ammalarsi di emozione e dipendenza reciproca. Una passione che brucia come un sacrificio divino, capace di trasfigurare corpo e mente, regalando attimi di paradiso e abissi di tormento. Il sound rock della band si fa veicolo perfetto per questo viaggio emotivo, cupo e potente, tra desiderio e redenzione.

BAMBINA

Uscito come singolo nel 2024 il pezzo celebra la semplicità e la magia di un gesto quotidiano come un sorriso. La band usa l’immagine di una “bambina” per trasmettere un messaggio universale sull’amore e la gioia che derivano dai momenti semplici della vita. Musicalmente, “Bambina” combina energia e ritmi vivaci con testi diretti, in perfetto equilibrio tra rock e cantautorato italiano, caratteristica distintiva della band.

 

OMBRE ROSSE

A chiudere il lavoro è il secondo inedito di questo album. La canzone porta in nuove sonorità e in uno stile nuovo. Il testo racconta di un percorso tra due persone che finisce improvvisamente e lascia dentro domande e dubbi. Musicalmente è un ritorno alle rock-ballad degli anni 70 con tinte prog. Musica e testo si uniscono in una mix che crea un atmosfera malinconica.

 

Gli Anima Nera nascono ufficialmente nel 2013, formati da Massimiliano De Angeli (voce e chitarra), Stefano Speranza (chitarra solista), Lorenzo Piva (batteria e cori) e Fabio Lanaro (basso e cori). Fin dall’inizio, la band sceglie di dedicarsi esclusivamente alla musica originale, con l’intento di creare un suono autentico, che fosse frutto delle loro esperienze personali e collettive.

Il progetto fonde il rock con la canzone d’autore italiana, dando vita a uno stile inconfondibile dove poesia urbana, testi sinceri e arrangiamenti diretti si incontrano in un sound energico e coinvolgente. Gli Anima Nera puntano sull’insieme, evitando virtuosismi e mettendo al centro la band e il messaggio emotivo dei brani.

Nel 2017 pubblicano “Terzo Incomodo”, concept album che racconta la nascita e la trasformazione di un amore, mentre l’anno successivo esce “Amantide”, un viaggio introspettivo nell’emotività umana.

Nel 2022 arriva il singolo “Musica”, un funky rock sensuale e ritmato dedicato alla femminilità, seguito da Dorian Gray (Sony, 2023), una riflessione moderna su apparenza, invecchiamento e immagine social.

Il 2024 si conferma un anno prolifico con l’uscita di tre singoli per Universal Music Italia: “Cani Randagi”, un’intensa denuncia sociale contro l’emarginazione dei clochard; “Per Te”, ballata malinconica che racconta di un amore che torna nei ricordi; e “Bambina”, inno delicato all’importanza dei gesti semplici e dei sorrisi autentici.

Nel 2025 pubblicano invece il singolo “Dea”.

Nel 2026 esce il disco “LA MONOTONIA DEI GIORNI COMUNI” un progetto che unisce il percorso artistico più recente del gruppo a nuove produzioni inedite.

Il disco è composto da sei singoli già pubblicati negli ultimi anni, che hanno contribuito a definire e consolidare l’identità sonora della band, affiancati da due brani completamente inediti, pensati per offrire al pubblico uno sguardo nuovo e più intimo sull’evoluzione musicale di Anima Nera.

 

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ANIMA NERA

“La monotonia dei giorni comuni” 

SEI SINGOLI E DUE INEDITI PER RACCONTARE UN NUOVO PERCORSO

https://benext.lnk.to/monotonia

Il nuovo album degli Anima Nera, intitolato “La monotonia dei giorni comuni”, rappresenta un punto di arrivo e, al tempo stesso, un nuovo inizio per la band.

Il disco raccoglie sei singoli pubblicati negli ultimi anni, brani che hanno contribuito a definire e consolidare l’identità sonora del gruppo, affiancati da due tracce completamente inedite. Questi nuovi brani offrono uno sguardo più intimo sull’evoluzione artistica della band, ampliandone il percorso musicale senza tradirne l’essenza.

Questo lavoro segna una tappa importante: da un lato riassume un periodo di intensa attività creativa, dall’altro apre la strada a nuove sonorità e prospettive, mantenendo intatto il carattere distintivo degli Anima Nera, fatto di atmosfere evocative, energia rock e influenze contemporanee.

“La monotonia dei giorni comuni” si presenta così come un’opera che unisce passato e presente, offrendo un’esperienza d’ascolto coerente e completa: un album pensato sia per chi segue gli Anima Nera fin dagli esordi, sia per chi si avvicina per la prima volta al loro universo musicale.

TRACKLIST

MUSICA

Uscito nel 2022 come singolo, la band ha scelto come brano di apertura questa versione radiofonica caratterizzata da un mixaggio diverso e più breve. Il brano si ispira a due delle gioie della vita: la musica e la femminilità. L’eclettismo distintivo degli Anima Nera appare anche in questo brano combinando sonorità genuinamente rock e istinti ritmici funk con accenni legati alla disco, con l’obiettivo di cantare tutta la sensualità che la musica sa regalare.

 

DORIAN GRAY

Uscito nel 2023, il pezzo  si pone come critica ad una tendenza ormai consolidata in questo secolo: la ricerca spasmodica di un ideale di bellezza che si rivela spesso irreale e soprattutto irraggiungibile. Come Dorian Gray nel capolavoro di Oscar Wilde che non voleva invecchiare, così l’uomo contemporaneo non solo cerca di combattere i segni del tempo sul proprio volto, ma anche e soprattutto sui social, luogo in cui la bellezza è imperativa. Filtri, trucchi e posizioni azzeccate cercano di nascondere chi siamo veramente, ma chi siamo dentro non cambierà mai.

SE NON ADESSO QUANDO

Inedito della band, il pezzo esce come accompagnamento all’uscita del disco. E’ una pop ballad con un ritornello che ci invita a non aspettare troppo nel prendere delle decisioni perché il tempo passa ed è necessario cogliere l’attimo. Nata pensando all’idea di “persona di cuore o di testa”,  il testo gioca su una discussione che non da frutti e rimanda le decisioni per la testardaggine di non ascoltare l’altro.

CANI RANDAGI

Il pezzo, pubblicato nel 2024, propone una profonda riflessione sull’umanità e l’empatia. Il brano è ispirato dalle tragiche vicende di cronaca dell’estate 2023, in cui alcuni clochard sono stati vittime di violenze assurde e gratuite; questo brano si trasforma in una denuncia potente sul disagio umano e sociale. Il singolo porta alla luce una realtà spesso ignorata e sottolinea l’importanza di non voltare lo sguardo di fronte alle ingiustizie e al dolore degli altri esseri umani. “Cani Randagi” non è solo una canzone, ma un messaggio di solidarietà e compassione per coloro che sono ai margini. Gli Anima Nera ci invitano a guardare oltre le apparenze e a tendere una mano a chi è meno fortunato di noi.

 

PER TE

“Per te” propone il significato di amore per sempre, di amore eterno, secondo il personale pensiero della band.

Il brano è una melodiosa ballata in cui vengono riaperti vecchi ricordi e lontane memorie e lascia capire che quello che sembrava un sentimento dimenticato, in realtà era solo “messo in pausa”, assopito tra le lenzuola del tempo.

Nasce così un brano spontaneo e dai sentimenti forti che racconta di come certe relazioni, pur non sapendolo, restano eterne, perché certe cose passano, mentre una canzone è per sempre.

 

DEA

In questa traccia gli Anima Nera  esplorano il lato più crudo e viscerale dell’amore. Un amore totalizzante, quasi tossico, che si consuma in fretta, al buio, come un rituale sacro che sfiora la follia. “Dea” racconta una relazione in cui i protagonisti si perdono l’uno nell’altra, fino ad ammalarsi di emozione e dipendenza reciproca. Una passione che brucia come un sacrificio divino, capace di trasfigurare corpo e mente, regalando attimi di paradiso e abissi di tormento. Il sound rock della band si fa veicolo perfetto per questo viaggio emotivo, cupo e potente, tra desiderio e redenzione.

BAMBINA

Uscito come singolo nel 2024 il pezzo celebra la semplicità e la magia di un gesto quotidiano come un sorriso. La band usa l’immagine di una “bambina” per trasmettere un messaggio universale sull’amore e la gioia che derivano dai momenti semplici della vita. Musicalmente, “Bambina” combina energia e ritmi vivaci con testi diretti, in perfetto equilibrio tra rock e cantautorato italiano, caratteristica distintiva della band.

 

OMBRE ROSSE

A chiudere il lavoro è il secondo inedito di questo album. La canzone porta in nuove sonorità e in uno stile nuovo. Il testo racconta di un percorso tra due persone che finisce improvvisamente e lascia dentro domande e dubbi. Musicalmente è un ritorno alle rock-ballad degli anni 70 con tinte prog. Musica e testo si uniscono in una mix che crea un atmosfera malinconica.

 

Gli Anima Nera nascono ufficialmente nel 2013, formati da Massimiliano De Angeli (voce e chitarra), Stefano Speranza (chitarra solista), Lorenzo Piva (batteria e cori) e Fabio Lanaro (basso e cori). Fin dall’inizio, la band sceglie di dedicarsi esclusivamente alla musica originale, con l’intento di creare un suono autentico, che fosse frutto delle loro esperienze personali e collettive.

Il progetto fonde il rock con la canzone d’autore italiana, dando vita a uno stile inconfondibile dove poesia urbana, testi sinceri e arrangiamenti diretti si incontrano in un sound energico e coinvolgente. Gli Anima Nera puntano sull’insieme, evitando virtuosismi e mettendo al centro la band e il messaggio emotivo dei brani.

Nel 2017 pubblicano “Terzo Incomodo”, concept album che racconta la nascita e la trasformazione di un amore, mentre l’anno successivo esce “Amantide”, un viaggio introspettivo nell’emotività umana.

Nel 2022 arriva il singolo “Musica”, un funky rock sensuale e ritmato dedicato alla femminilità, seguito da Dorian Gray (Sony, 2023), una riflessione moderna su apparenza, invecchiamento e immagine social.

Il 2024 si conferma un anno prolifico con l’uscita di tre singoli per Universal Music Italia: “Cani Randagi”, un’intensa denuncia sociale contro l’emarginazione dei clochard; “Per Te”, ballata malinconica che racconta di un amore che torna nei ricordi; e “Bambina”, inno delicato all’importanza dei gesti semplici e dei sorrisi autentici.

Nel 2025 pubblicano invece il singolo “Dea”.

Nel 2026 esce il disco “LA MONOTONIA DEI GIORNI COMUNI” un progetto che unisce il percorso artistico più recente del gruppo a nuove produzioni inedite.

Il disco è composto da sei singoli già pubblicati negli ultimi anni, che hanno contribuito a definire e consolidare l’identità sonora della band, affiancati da due brani completamente inediti, pensati per offrire al pubblico uno sguardo nuovo e più intimo sull’evoluzione musicale di Anima Nera.

Dall’11 settembre 2026 è disponibile sulle piattaforme digitali di streaming e in rotazione radiofonica “GIOVANE HOLDEN”, il nuovo singolo de I Fuori Classe & Alex Fusaro per The Saifam in collaborazione con la nuova società artistica Rock And Love.

“GIOVANE HOLDEN” è un brano che fonde rock e rap, caratterizzato dall’alternanza tra strofe ritmiche rappate e ritornelli melodici, costruiti su un dialogo vocale tra gli studenti Anna Ferrari e Federico Micheloni e il Prof. Alex Fusaro. Ispirata al celebre romanzo di J.D. Salinger, la canzone affronta le tematiche del disagio adolescenziale, del senso di smarrimento e di inadeguatezza, dell’isolamento e della ricerca di una direzione, traducendo queste inquietudini in un’ambientazione urbana e lanciando un esplicito invito a non chiudersi nel silenzio e a chiedere aiuto di fronte alle difficoltà.

Commenta il prof. Alex Fusaro a proposito del nuovo brano: «Ho incontrato tante volte, nel mio percorso di insegnante, ragazzi che si sentivano persi, in difficoltà o semplicemente incapaci di trovare il proprio posto. Il giovane Holden è un personaggio che, a distanza di decenni, continua a parlare proprio a loro. Con questo brano abbiamo voluto raccontare quella fragilità, ma senza fermarci al disagio: il messaggio che vogliamo lasciare è che ogni scelta conta, che si può sbagliare e che, soprattutto, non bisogna avere paura di chiedere aiuto. La musica può diventare un modo diverso per affrontare questi temi e per far sentire i ragazzi meno soli»

Il videoclip di “Giovane Holden”, girato presso l’Istituto Don Bosco di Verona e prodotto da James D. Dawson (Dawson Films) in collaborazione con Rock And Love, ha vissuto un prestigioso debutto in anteprima durante l’83ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia. Cornice dell’evento è stato lo spazio istituzionale della Regione del Veneto dedicato alle scuole, occasione in cui è stata presentata anche la web serie correlata “I Fuori Classe”, percorso a puntate che racconta il dietro le quinte, la genesi e gli sviluppi del progetto.

I Fuori Classe & Alex Fusaro BIOGRAFIA
Testo della canzone Giovane Holden di I Fuori Classe & Alex Fusaro

Dall’11 settembre 2026 è disponibile sulle piattaforme digitali di streaming e rotazione radiofonica “Resto io”, il nuovo singolo di NÙVO.

“Resto io” racconta il momento in cui, dopo la fine di un legame doloroso e un addio non detto, si smette di cercare l’altro e si torna a fare i conti con se stessi. Attraverso la solitudine e il silenzio, le promesse mancate e i ricordi diventano l’occasione per trasformare la fragilità in rinascita, arrivando alla consapevolezza di bastarsi e di ritrovarsi con una pelle nuova intorno al cuore.

Il brano chiude il concept dei “3 BATTITI”, un percorso musicale costruito da Nùvo attraverso tre singoli consecutivi che compongono un’unica storia: “Resto io” ne costituisce il capitolo finale, l’epilogo intimo e liberatorio in cui il cerchio si chiude e ogni ferita trova finalmente il proprio senso e la propria pace.

Dal punto di vista sonoro, il pezzo si muove nei territori di un pop contemporaneo, emotivo e atmosferico, caratterizzato da una produzione in costante crescendo che segue l’evoluzione del testo ed esalta l’intensità vocale e interpretativa di Nùvo.

Commenta l’artista a proposito del brano: “RESTO IO per me rappresenta un passaggio importante all’interno del progetto NÙVO, perché chiude il percorso che ho immaginato come 3 Battiti: tre canzoni, tre momenti differenti che, ascoltati in sequenza, raccontano un’unica storia. Con Tra le mie felpe ho dato inizio a questo racconto, con SALE l’ho portato avanti e con RESTO IO sento di arrivare alla sua naturale conclusione. È probabilmente il brano che più di tutti rappresenta il momento in cui si chiude un cerchio e si prende consapevolezza di ciò che rimane. Allo stesso tempo, però, lo considero anche un punto di passaggio verso quello che sarà il prossimo capitolo di NÙVO. Nei brani che verranno la componente dance avrà un ruolo sempre più centrale, riportandomi anche verso sonorità che hanno fatto parte del mio percorso musicale e che oggi sento il bisogno di reinterpretare con una nuova consapevolezza. Quello che non cambierà sarà il modo di raccontare: continuerò a partire da emozioni, storie e momenti di vita reale, cercando di trasformarli in qualcosa in cui le persone possano riconoscersi. Cambierà il battito, forse l’energia, ma non ciò che voglio far arrivare attraverso la musica. Per questo RESTO IO per me non rappresenta soltanto una fine: è il punto esatto in cui si chiude una storia e comincia a intravedersi la prossima.” 

Il videoclip di “RESTO IO”, diretto da Giovanni Baracchi, è stato girato a Milano nell’arco di poche ore, dal tramonto fino alla notte, trasformando il cambiamento naturale della luce in parte integrante del racconto.

NÙVO attraversa una dimensione urbana fatta di passerelle, architetture contemporanee, luci e spazi aperti, alternando momenti più narrativi a sequenze in cui l’interpretazione dell’artista diventa protagonista. La presenza di una figura femminile introduce il richiamo a un legame e a una storia che sembra appartenere tanto al presente quanto al ricordo.

Con il calare della luce, anche l’atmosfera del videoclip cambia: Milano diventa più notturna, intima e sospesa, accompagnando visivamente il senso di solitudine e consapevolezza che attraversa il brano.

La regia sceglie un linguaggio essenziale e cinematografico, lasciando che siano il movimento, gli sguardi e il rapporto tra NÙVO e la città a sostenere il racconto. Il risultato traduce in immagini il cuore di “RESTO IO”: il passaggio da ciò che è stato alla necessità di ritrovarsi, fino a rimanere di fronte a se stessi.

Guarda il videoclip su YouTube: https://youtu.be/w0pb6vRWOf4

BIOGRAFIA

Il percorso artistico di NÙVO affonda le sue radici nella musica classica: giovanissimo, all’età di 12 anni, inizia a studiare violino per diversi anni e sperimenta un breve approccio al canto lirico, costruendo così una solida formazione tradizionale. Verso i 16 anni si avvicina alla scrittura di brani e allo studio del canto moderno, esplorando l’universo delle sonorità dance e clubbing. Queste esperienze, maturate nel tempo all’interno di diversi progetti, lo conducono progressivamente verso un linguaggio pop contemporaneo e alla nascita della sua attuale identità artistica.

Il suo immaginario sonoro attinge principalmente dal pop, dalla dance e dalla musica club internazionale: figure di riferimento come Lady Gaga, David Guetta e Avicii hanno segnato profondamente il suo approccio al ritmo e all’elettronica, insegnandogli a fondere immediatezza ed emozione pur mantenendo un ascolto sempre aperto a contaminazioni eterogenee.

La musica di NÙVO racconta la vita mentre accade: relazioni, distanze, fragilità e cambiamenti. Senza barriere anagrafiche o di genere, le sue canzoni puntano a raggiungere un pubblico trasversale attraverso una connessione autentica. Alla base di questo ritorno c’è il desiderio di costruire un percorso credibile e duraturo, ma soprattutto una motivazione intima: mantenere una promessa fatta a se stesso molti anni fa.

Dopo un periodo di pausa, il 2026 segna la ripartenza ufficiale del progetto con una nuova fase discografica, sviluppata insieme a un team affiatato composto da arrangiatore, videomaker e ufficio stampa. Il 27 marzo 2026 debutta con il singolo “Tra le mie felpe”, seguito il 12 giugno da “SALE” (poi arricchito a luglio da una versione remix). Il percorso culmina con “RESTO IO”, capitolo conclusivo di “3 Battiti”, un ambizioso concept narrativo in cui tre singoli autonomi, ascoltati in sequenza, si uniscono per raccontare un’unica storia.

“Resto io” è il nuovo singolo di Nùvo disponibile sulle piattaforme digitali di streaming e in rotazione radiofonica dall’11 settembre 2026.

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Dall’11 settembre 2026 sarà disponibile sulle piattaforme digitali di streaming il terzo EP “Un bacio di fortuna”, terzo capitolo del progetto “30 brani per 30 voci”, dal quale è estratto il singolo in radio dal 18 settembre “Sirena” feat. Vanessa Berni. 

“Sirena” è un brano che racconta gli archetipi storici della figura femminile attraverso la mitologia della sirena e della rusálka, figura al contempo desiderata e demonizzata. La canzone mette in luce l’ambivalenza con cui la cultura patriarcale ha spesso interpretato la natura libera e indomabile della donna, trasformandola in una minaccia da additare o confinare in cliché come quelli della “femme fatale” o della “strega”.

Il brano dialoga con una ricca tradizione iconografica, letteraria e musicale — dai dipinti di Klimt e Chagall alle opere di Dvořák e Wagner, fino alle pagine di Andersen e Nabokov. Tuttavia, “Sirena” reinterpreta questo immaginario in chiave contemporanea: al centro non c’è più l’ossessione maschile, ma la consapevolezza femminile e il riscatto della propria narrazione.

Sul piano sonoro, il pezzo prende vita tramite la voce di Vanessa Berni, sorretta dall’arrangiamento di Anastasia e dalla produzione in studio di Fabio Vaccaro. La traccia costruisce un paesaggio sonoro cinematografico e fiabesco, combinando flauti etnici, effetti di ambiente, riverberi e un tocco rituale di arpa celtica.

Un elemento centrale è il sound design plurilingue: l’inserimento di frammenti parlati e sussurrati in diverse lingue (incluso il russo, lingua madre dell’autrice) trasforma “Sirena” in un coro di identità femminili senza confini geografici.

Il risultato è un ibrido musicale sofisticato che fonde ambient elettronico, suggestioni world e scrittura cantautorale. “Sirena” non si limita così a rievocare un mito classico, ma lo decostruisce e lo restituisce con forza dalla prospettiva di una donna che riprende il controllo della propria storia. 

Spiega l’artista a proposito del nuovo singolo: “Sirena non è solo un brano, ma un punto di incontro tra biografia, caso e mito. Al centro c’è la condizione femminile moderna, esplorata attraverso archetipi storici come sirene e streghe. Il processo creativo ha seguito un approccio quasi cinematografico: prima la scrittura, poi la ricerca della voce ideale, trovata in Vanessa Berni. Il nostro primo contatto è stato un segnale del destino: quando Vanessa ha ricevuto la mia mail con la demo e i riferimenti artistici, stava leggendo proprio un libro sulle sirene. Nonostante non ci siamo mai incontrate di persona, tra noi si è creata un’intesa immediata. La produzione, realizzata al Pocketstudio da Fabio Vaccaro, ha mirato a un ambiente sonoro ipnotico. Una fase fondamentale è stata la registrazione delle voci d’ambiente: una sessione impegnativa in cui Vanessa ha inciso sussurri e risate per dare spessore al personaggio. Infine, l’inserimento di frammenti in più lingue, compreso il russo (lingua madre dell’autrice), incarna l’idea di un coro universale di donne. Sirena si rivela così un’opera collettiva e un dialogo a distanza capace di unire sensibilità e culture diverse in un’unica narrazione.” 

Il videoclip di “Sirena” evoca le acque profonde e attinge all’iconografia classica — dal pericolo dei marinai all’astuzia di Odisseo — rileggendola attraverso primi piani emotivi e un linguaggio cinematografico moderno. Sospesa tra intimismo e teatralità, la sirena smette di essere un’ossessione subita per trasformarsi in un personaggio complesso e padrone della propria storia. 

Guarda il videoclip su YouTube: https://youtu.be/EsX5S9x3kiA 

“Un bacio di fortuna” – Volume 3 di Anastasia Anniemore24 prosegue un percorso che utilizza la canzone come linguaggio universale, valorizzando la lingua italiana come veicolo di accoglienza oltre ogni confine geografico.

Al centro del lavoro c’è una scrittura poetica, chiara e accessibile, focalizzata su temi universali come l’attesa, il destino, la trasformazione interiore e il desiderio di luce. I brani, concepiti come piccoli atti autonomi di un mosaico emozionale, adottano sonorità pop ambient e pop cinematografico: atmosfere sospese e ricche di spazio che agiscono come una vera e propria colonna sonora delle vite umane.

Le storie di Anastasia prendono vita attraverso l’incontro tra sensibilità e timbri differenti. Quattro voci italiane provenienti da varie regioni — Cecilia Quad, Bone, Vanessa Berni e Biko — affiancano Arthurium, un giovane studente siriano residente a Milano. La partecipazione di un interprete non madrelingua in un brano dal gusto pop cantautorale classico ma moderno incarna la natura stessa del progetto: dimostrare che l’italiano può diventare una lingua internazionale e condivisa.

In questo dialogo tra tradizione e linguaggi contemporanei, Un bacio di fortuna – Volume 3 supera il dato biografico dell’autrice per offrire uno spazio di risonanza emotiva. Un’opera pensata per costruire ponti, dare voce all’inespresso e unire gli ascoltatori attorno alle fragilità e alle speranze che appartengono a tutti. 

L’artista commenta così il terzo capitolo del suo progetto: “Nel terzo volume di Un bacio di fortuna – 30 inediti per 30 voci porto avanti una scelta precisa: rimettere la lingua italiana al centro, non solo per chi viene da fuori ma anche per chi è nato e cresciuto qui. La partecipazione di interpreti stranieri che cantano i miei brani in italiano, anche senza conoscere ancora bene la lingua, per me è la prova che l’italiano può essere una lingua internazionale, viva e accogliente, capace di parlare davvero a tutti. Allo stesso tempo questo progetto è un invito agli artisti italiani: in un momento in cui tanti usano l’inglese come strumento di ricerca di modernità del suono, io scelgo di sperimentare proprio in italiano. Questo volume è un laboratorio di generi e identità: con Bone, che di solito si muove nel punk, abbiamo esplorato il pop ambient; con Cecilia, che di solito applica l’approccio della scuola classica, abbiamo sperimentato il genere del synth pop. . Attorno a queste esperienze c’è una vera geografia umana: Vanessa Berni, Antonella Bacchini e Bone sono dalla Lombardia, Cecilia Quad dalla Toscana, Giovanni Ferranti dall’Abruzzo, Arthurium dalla Siria. La forza del progetto sta in questo lavoro corale: tante provenienze e caratteri diversi, tenuti insieme da una scrittura comune e da un’idea condivisa di cosa può essere oggi una canzone. Anche se abbiamo lavorato tutti a distanza, mi sono presa la responsabilità di tenere queste energie unite: gestire tempi, imprevisti, situazioni personali e umori è stata la parte più difficile, ma sapevo che il risultato ne valeva la pena. Un bacio di fortuna – Volume 3 per me è la dimostrazione che si può sperimentare con i generi, cercare un sound moderno e cinematografico e, allo stesso tempo, difendere la lingua italiana come luogo d’incontro, di ricerca e di futuro.” 

TRACK-LIST:

QUESTA NOTTE – Feat. Cecilia Quad

IL CREPUSCOLO – Feat. Bone

SIRENA – Feat. Vanessa Berni

MAPPAMONDO – Feat. Biko

IL POSTINO – Feat. Arthurium 

BIO

Anastasia Anniemore24 è un’autrice, produttrice e artista italo-bielorussa che pone al centro del suo lavoro la parola e l’emozione, grazie a una formazione in giornalismo televisivo e a una lunga esperienza tra scrittura, comunicazione e attività commerciale. Dopo gli studi alla Facoltà di Giornalismo dell’Università Statale di Minsk e un inizio di carriera nella redazione musicale televisiva, la situazione politica del suo Paese la spinge a trasferirsi in Italia. Qui ricomincia da zero, lavorando a lungo in altri settori prima di tornare alla sua vera vocazione: la scrittura e l’attività creativa visiva e musicale.

In Italia inizia a scrivere prima poesie in russo e, successivamente, canzoni, costruendo melodie intorno alle parole e scoprendo nel testo il fulcro del suo processo creativo. Lo studio del pianoforte fin dall’infanzia nella scuola di musica, unito a una profonda passione per la lingua italiana, le permette di mettersi alla prova scrivendo direttamente in italiano, convinta che anche i generi musicali più sperimentali – come il pop elettronico, la club music o l’ambient – possano restituire una nuova centralità al significato dei testi, e non solo alla forma. Il suo primo singolo in italiano, “Quest’autunno”, pubblicato sulle piattaforme digitali con passaggi radiofonici in Italia e Svizzera, ha segnato il debutto in questo nuovo percorso autoriale e produttivo.

La sua scrittura nasce dall’incontro tra la tradizione della canzone italiana e un orizzonte sonoro molto ampio. Tra i riferimenti storici cita Mina, Mia Martini, Pino Daniele, Zucchero, Lucio Dalla e i Matia Bazar; accanto a loro convivono Björk, Cher, Freddie Mercury, Jimi Hendrix, Cyndi Lauper, Pink, i Pink Floyd e l’Alan Parsons Project. Il suo ricchissimo bagaglio include il jazz (Miles Davis, Billie Holiday, Duke Ellington, Benny Goodman, Bill Evans, Chet Baker), un amore profondo per la musica classica (da Bach, Beethoven, Mahler, Wagner, Chopin, Mendelssohn e Schubert fino a Čajkovskij, Rachmaninov e Šostakovič) e la classica contemporanea di Federico Albanese, Anna Phoebe, Sofiane Pamart, Dustin O’Halloran, Sebastian Plano e Matteo Myderwyk, fino al suo autore di riferimento, Max Richter.

Dall’esperienza del primo singolo prende vita il progetto “30 inediti per 30 voci / UN BACIO DI FORTUNA”, a cui Anastasia lavora in modo continuativo da febbraio 2025. In poco più di un anno concepisce, scrive e musica 30 brani originali in italiano, dando forma a un’opera che in molti consideravano quasi impossibile da realizzare in così poco tempo. Ogni canzone viene affidata a un solo interprete, in linea con il concept “1 brano – 1 voce”. Il cast coinvolge in gran parte artisti italiani ma anche internazionali; alcuni di loro non avevano mai inciso prima nulla in lingua italiana, inclusi artisti italiani che fino ad allora avevano pubblicato esclusivamente in inglese. Il progetto non vive solo nelle canzoni: i testi dei 30 brani sono raccolti in un libro intitolato “30 inediti per 30 voci – UN BACIO DI FORTUNA”, che riunisce le liriche e le informazioni su tutti gli artisti coinvolti nel percorso.

I cantanti – 27 italiani provenienti da quasi tutte le regioni d’Italia e 3 artisti stranieri – sono stati cercati e scelti online, soprattutto tramite i social, ascoltando, contattando e provando le voci in base al carattere e alla timbrica perfetta per ogni brano. Per la produzione musicale, Anastasia ha coinvolto tre studi differenti che imprimono ciascuno la propria visione sonora: Fabio Vaccaro, Mikor Studio e Giovanni Ferranti Music. Per la parte visiva si affida invece al lavoro di Lucilla Dosa per lo studio della copertina dell’album e a Paolo Stefanelli, grafico e artista che ha creato il suo logo, definendo così anche l’identità estetica del progetto.

Trasformatasi in una vera e propria etichetta indipendente “tutto in uno”, Anastasia segue in prima persona tutte le fasi del processo creativo e produttivo: dalla scrittura dei testi e delle melodie agli arrangiamenti, dal talent scouting sui social al lavoro in studio con musicisti, produttori e cantanti, fino agli aspetti grafici, video e legali. Il progetto discografico prende forma in sei volumi da cinque brani ciascuno, pensati per uscire nell’arco di un anno. Il target della sua musica si rivolge principalmente a un pubblico adulto e giovane, sia femminile sia maschile, orientativamente tra i 25 e i 55 anni, con l’ambizione di parlare a chiunque si riconosca nelle storie raccontate, indipendentemente dall’età.

In queste tracce convivono pop d’autore, elettronica, club music, dance pop, ambient pop, indie pop e atmosfere più intime. L’attenzione è costante verso temi universali come l’amore, la solitudine, le paure, i rapporti umani, la vita nelle grandi città, le crisi del presente, la ricerca di senso e la forza interiore: una sorta di psicologia musicale che invita chi ascolta a rispecchiarsi nei brani. Con la sua musica Anastasia punta a raccontare l’animo umano nel preciso momento storico in cui viviamo, fotografando il senso di smarrimento e di attesa di cambiamento, la fatica e il coraggio di cercare appoggio, la concentrazione delle forze interiori e il bisogno di significato dietro le cose.

Il suo obiettivo professionale è posizionarsi come autrice di brani per altri artisti e, allo stesso tempo, continuare il proprio percorso come artista e produttrice, esplorando l’innovazione e i trend internazionali nella produzione senza perdere il legame con la tradizione della canzone italiana e con il gusto per la sperimentazione. Il suo sogno dichiarato è vedere sempre più brani cantati in italiano sul palcoscenico discografico internazionale, dimostrando con la propria strada che questa lingua può dialogare perfettamente alla pari con le grandi scene del pop mondiale.

A maggio 2026 esce il primo EP del progetto “30 brani per 30 voci” e a luglio esce il secondo EP.

“Un bacio di fortuna (Vol. 3)” è il nuovo EP di Anastasia Anniemore24 disponibile sulle piattaforme digitali di streaming dall’11 settembre dal quale è estratto il nuovo singolo “Sirena” feat. Vanessa Berni in radio dal 18 settembre.

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RED RIVER “Unchain Me” ASCOLTA “UNCHAIN ME”! https://orcd.co/redriver-unchainme UN BRANO SULLA DIPENDENZA E SUL BISOGNO DI SPEZZARE UN LEGAME “Unchain Me”, il nuovo singolo dei Red River, affronta il tema della dipendenza sentimentale e di quei legami dai quali, anche quando diventano fonte di sofferenza, può essere estremamente difficile allontanarsi. Il brano parte dalla dipendenza all’interno di una relazione, ma sceglie volutamente parole capaci di allargare il racconto a forme diverse di dipendenza. Il rapporto descritto nel testo può così diventare la rappresentazione di qualsiasi situazione in cui qualcosa o qualcuno finisce per assumere un controllo sempre maggiore sulla propria vita, fino a rendere complicato immaginare di poterne fare a meno. Un meccanismo che può riguardare una relazione affettiva, ma anche dipendenze come quelle legate all’alcol o alle droghe: situazioni differenti, accomunate dalla difficoltà di interrompere un rapporto che continua a esercitare la propria presa anche quando se ne riconoscono le conseguenze negative. Questa sensazione attraversa anche l’atmosfera di “Unchain Me”, caratterizzata da toni cupi e da una tensione che accompagna le strofe. È nel ritornello, però, che emerge un cambio di prospettiva. La voce narrante non vuole più rimanere prigioniera della propria condizione e manifesta il desiderio di spezzare ciò che la tiene legata. Il titolo stesso, “Unchain Me”, diventa così una richiesta di liberazione. Alla dimensione più oscura delle strofe si contrappone un messaggio di speranza: riconoscere una dipendenza e desiderare di uscirne può rappresentare il primo passo per riprendere il controllo della propria vita. I Red River sono una giovane rock band nata nel 2025 in provincia di Treviso dall’incontro di cinque musicisti accomunati dalla passione per il rock classico e il blues. Nonostante la giovane età, la band ha già definito un sound energico e diretto, in cui la potenza del rock incontra le sfumature più grezze e viscerali del blues. Alla base del progetto c’è soprattutto la voglia di suonare, sperimentare e divertirsi, senza seguire formule prestabilite. L’obiettivo dei Red River è infatti semplice: uscire dagli schemi e fare musica senza porsi limiti, seguendo ciò che li diverte e li rappresenta. https://www.facebook.com/sorrymom.it https://www.instagram.com/sorrymom.it/ https://www.sorrymom.it/