Da venerdì 13 novembre 2026 sarà disponibile in rotazione radiofonica e su tutte le piattaforme di streaming digitale “METAMORFOSI” il nuovo singolo dei CTRL+Z per Red&Blue Music Relations distribuito da ADA Music Italy.
Il brano “Metamorfosi” è un ritorno ai toni più cupi lasciati dalla pubblicazione di “Solo Amore”. Suoni graffianti ed un testo introspettivo riprendono il racconto dell’essere umano tra le sue sfaccettature e sfumature più cupe. Una canzone che guarda in faccia il male per umanizzarlo e lasciarlo nudo.
Spiega la band a proposito del brano:«“Metamorfosi” nasce da un’immagine molto precisa: quella di una persona che si ritrova a fare i conti con le proprie convinzioni, fino a mettere in discussione il confine tra ciò che ritiene giusto e ciò che è disposta a fare. Ci ha sempre affascinato quel tipo di conflitto interiore in cui non è tanto la coscienza a scomparire, quanto il modo in cui impariamo a zittirla e a giustificarci. Il brano ha poi trovato quasi da solo la propria forma, mantenendo quell’atmosfera cupa e quella sensazione di trasformazione che erano al centro dell’idea iniziale».
I CTRL+Z sono un’alt-rock band nata a Bari e attiva dal 2019, frutto della creatività di Claudio Salvucci (voce e testi), Massimiliano Santamato (basso) e Giulio Chirico (chitarra), completata nel 2021 da Fabio Zampetta (batteria) e Claudio Lacalamita (chitarra). In più di quattro anni, la band ha sviluppato un sound unico che fonde alternative rock, hard rock, grunge, hip hop, rap hardcore, indie e rock progressivo.
Le loro influenze spaziano da Incubus, Tool, King Crimson, Yes, A Perfect Circle ed altri ancora, con contaminazioni che vanno dal new-metal all’hip-hop. Tutti i membri hanno formazione musicale e hanno sviluppato e proposto diversi arrangiamenti ricchi e sperimentali per ogni brano concepito.
CTRL+Z lavora con un team di produttori, grafici e consulenti per portare la loro musica e la loro estetica al massimo livello. Il loro pubblico ideale è giovane-adulto (18-40 anni), curioso e aperto a generi diversi.
Con le loro canzoni raccontano esperienze urbane, sfide personali e la ricchezza della diversità musicale. L’obiettivo? Affermarsi nel panorama musicale nazionale nei prossimi due-tre anni, raggiungendo un pubblico sempre più vasto e partecipando a festival e collaborazioni di rilievo.
Il 9 ottobre 2026 è uscito “Crossover”, il primo EP della band, che raccoglie i singoli “Crossover”, “Lorazepam”, “Bugia” e “Solo Amore”.
“Metamorfosi” èil nuovo singolo dei CTRL+Z disponibile sulle piattaforme digitali e in rotazione radiofonica da venerdì 13 novembre.
Dal 13 novembre 2026 sarà disponibile sulle piattaforme digitali di streaming e in rotazione radiofonica «Ad un passo dalla mia follia – Remix», il nuovo singolo di Laura Mà.
A un anno dalla pubblicazione della versione originale, la cantautrice Laura Mà torna con «Ad un passo dalla mia follia – Remix», un progetto artistico che rinnova la veste sonora del brano senza snaturarne la profonda matrice emotiva e sociale.
Al centro della narrazione rimangono le esistenze invisibili che attraversano ogni giorno i margini delle nostre strade: vite segnate da solitudine, perdite e dolore, ma custodi di una dignità e di una speranza che non si spengono. Il brano esplora la linea sottile che divide fragilità e follia, trasformando quel senso di isolamento in una richiesta di ascolto e di riconoscimento umano.
Con questo remix, l’intento di Laura Mà è aprire un canale diretto di dialogo con le nuove generazioni. Trasferendo il messaggio nei luoghi di aggregazione giovanile — dai club alle piste da ballo —, il brano unisce il movimento all’introspezione, dimostrando che l’energia della musica dance può convivere con contenuti di forte impegno civile. Non una ricerca di pietà, ma un invito a fermarsi, ad allenare lo sguardo e a superare l’indifferenza nei confronti delle fragilità altrui.
Unendo ritmo incalzante e consapevolezza, «Ad un passo dalla mia follia – Remix” si pone come un ponte generazionale capace di far convivere la condivisione della pista con una domanda profonda e necessaria: “E se quella persona fossi io?”
Commenta l’artista sul nuovo singolo: “Ad un passo dalla mia follia – Remix nasce da un desiderio preciso: dare a questa canzone una nuova possibilità di arrivare ancora più lontano, per parlare ai giovani. Ho creato questo remix, per portare una storia difficile attraverso un linguaggio capace di parlare ai giovani. Il brano conserva tutta l’anima dell’originale, ma attraverso il remix acquista una nuova energia e un linguaggio capace di entrare anche nei luoghi in cui i ragazzi si incontrano, si divertono e vivono la musica: nei locali, nelle serate, nelle discoteche. Ho scelto di farlo perché credo che un messaggio importante non debba avere confini. Voglio che questa canzone possa far ballare, ma anche far pensare. Che possa arrivare in un momento di festa e, magari, lasciare dentro una domanda, uno sguardo diverso verso chi troppo spesso viene ignorato. I giovani sono il nostro futuro e a loro voglio affidare questo messaggio: dietro ogni persona che vive ai margini c’è una storia, una dignità e un essere umano che merita di essere visto. Il remix è il mio modo di trasformare una ferita in energia, di portare una storia difficile dentro un mondo nuovo e di far arrivare questo messaggio proprio ai giovani, attraverso la musica che amano. La stessa storia, lo stesso cuore, ma una nuova energia per parlare ai giovani.”
Biografia
Laura Mà è una cantautrice abruzzese, psicologa per vocazione, artista per destino e maître per sopravvivenza. La sua è una storia scolpita nella dedizione: c’è chi nasce con il talento e chi sceglie ogni giorno di onorarlo, coltivarlo e sudarselo attraverso il lavoro sul campo.
Cresciuta a Roiano di Campli, un piccolo borgo montano in provincia di Teramo, respira fin dall’infanzia i valori dell’impegno e dell’onestà grazie a una famiglia di insegnanti. Dal padre apprende la determinazione a guardare sempre in grande senza timore di sognare, mentre dalla madre eredita la resilienza e la forza di rialzarsi nei momenti complessi, sostenuta dal legame costante con le tre sorelle e il fratello.
Scegliendo fin da subito una strada autonoma e autentica, Laura finanzia la propria passione lavorando come cameriera nelle strutture alberghiere, portando avanti in parallelo gli studi di pianoforte e canto e il percorso accademico, culminato nel 2024 con la laurea in Scienze e Tecniche Psicologiche. Ogni brano del suo repertorio nasce da questo equilibrio tra sacrificio e disciplina: un vissuto scandito da turni impegnativi, spese da sostenere e lezioni di musica a cui a volte ha dovuto rinunciare per far quadrare i conti, trasformando ogni notte insonne in melodia e scrittura.
Dalla sala alla musica, la sua naturale propensione alla leadership l’ha portata a ricoprire il ruolo di Maître nei migliori hotel a cinque stelle di Roma. Un ambiente in cui si è distinta per energia, solarità ed eleganza discreta: un approccio che si riflette anche nella sua identità artistica, fondata sulla sincerità espressiva e sul rifiuto di qualsiasi compromesso.
Nel corso degli anni ha perfezionato la tecnica vocale e pianistica con docenti di rilievo — tra cui Lello Abate, Fabrizio Zaniol, Maria Grazia Fontana, Raffaella Monza, Clea Cotroneo, Giulia Marinelli, Alessia Munno, Olivia Volpi e Giusy Zaccagnini — arricchendo il proprio bagaglio attraverso prestigiosi concorsi e manifestazioni nazionali come il Premio Lunezia, Musicultura, Castrocaro, Tour Music Fest, il Festival Voci d’Oro, Musica contro le Mafie e Una Voce per l’Europa.
Come autrice, interprete e produttrice indipendente, ha dato forma a un percorso discografico profondamente legato a storie di vita e riscatto. L’esordio arriva nel 2019 con «E Correrò», dedicato alle vittime del sisma dell’Aquila del 2009, a cui segue nel 2020 la ballad electro-pop «Sei Forte Davvero», invito a superare ogni ostacolo. Nel 2021 pubblica «Tu Unico Eroe», omaggio luminoso alla figura paterna, mentre nel 2022 racconta le ferite dei conflitti attraverso la metafora favolistica di «Bambino Ucraino». Nel 2024 firma la ballad intimista «Camminami Accanto», preludio al singolo di forte impatto sociale «Ad un passo dalla mia follia» (2025), dove le vite degli emarginati diventano simbolo universale di fragilità e rinascita.
Laura Mà si conferma una voce diretta, capace di trasformare le prove della vita in canzoni libere da artifici.
«Ad un passo dalla mia follia – Remix» è il singolo di Laura Mà disponibile sulle piattaforme digitali di streaming e in rotazione radiofonica dal 13 novembre 2026.
Da venerdì 13 novembre 2026 sarà disponibile in rotazione radiofonica e su tutte le piattaforme di streaming digitale “Behind the Mask” il nuovo singolo di VINZØ per Red&Blue Music Relations distribuito da ADA Music Italy.
“Behind The Mask” nasce dalla sensazione di non essere mai abbastanza per gli altri, dal sentirsi invisibili anche quando si è circondati da persone e dalla difficoltà di mostrare la propria vera identità. Il brano racconta la scelta di costruire un personaggio, una maschera che, anziché nascondere, diventa paradossalmente l’unico modo per essere davvero se stessi. Dietro quel volto si trovano solitudine, silenzi e incomprensioni che, con il tempo, si trasformano in forza e consapevolezza. Non c’è più il bisogno di essere riconosciuti o accettati, ma soltanto quello di esprimere ciò che si è, senza dover dare spiegazioni. A dare voce a questo racconto sono synth analogici e chitarre distorte, che si incontrano in un sound synth-metal dalle atmosfere intense e oscure, elemento distintivo dell’identità musicale dell’artista.
Spiega l’artista a proposito del brano:«Ho sentito che quello che ero non bastava, non portavo valore aggiunto, almeno, non abbastanza per gli altri, a volte nemmeno per me stesso. È nato non come un modo per nascondermi, ma come l’unico spazio dove potevo finalmente essere completamente me stesso, senza dover essere abbastanza per nessuno».
VINZØ | BIOGRAFIA
VINZØ è un progetto musicale nato alla fine del 2025 dal desiderio di dare finalmente forma a melodie e idee rimaste a lungo nel cassetto. Il percorso musicale dell’artista comincia però molti anni prima, con oltre dieci anni di studio del clarinetto e del sax. In seguito, si avvicina da autodidatta alla tastiera e, più recentemente, anche allo studio del canto. La melodia resta il punto di partenza della sua scrittura.
Tra i suoi riferimenti ci sono synthwave e retrowave, le colonne sonore dei videogame e la musica degli anni Ottanta, dai Van Halen agli Eurythmics fino ai Depeche Mode. A queste influenze si aggiunge il power metal di band come Dynazty e Sabaton.
Nelle sue composizioni preferisce non seguire strutture troppo prevedibili. Cambi di atmosfera e passaggi melodici accompagnano sensazioni diverse, dai ricordi che tornano all’improvviso ai momenti di conflitto interiore, dalla voglia di cambiare alla spensieratezza. C’è anche una forte componente legata al viaggio e a quella musica che, ascoltata in determinati momenti, finisce per rimanere legata a un luogo o a un ricordo.
“Behind the Mask” è il nuovo singolo di VINZØ disponibile sulle piattaforme digitali e in rotazione radiofonica da venerdì 13 novembre.
Ci sono momenti in cui sembra di aver smarrito la propria identità, intrappolati in una quotidianità fatta di imposizioni, falsità e compromessi. Eppure, dentro di noi, continua a bruciare un’energia che chiede soltanto di essere liberata. È da questa tensione che nasce “Lose Yourself”, il nuovo brano dei RockTrain Slaves: un invito a fermarsi, lasciarsi andare e dimenticare tutto, almeno per una notte, per ritrovare se stessi.
Perdersi nel caos, abbandonare le convenzioni e concedersi un momento di autentica libertà. Non una soluzione definitiva ai problemi, né la promessa di un mondo senza conflitti, ma un’occasione per rompere le gabbie della quotidianità e riconnettersi con la propria essenza. Perché, come suggerisce il brano, non esiste arcobaleno senza prima una tempesta.
Dal punto di vista sonoro, “Lose Yourself” affonda le proprie radici nel rock americano degli anni Settanta. L’apertura è affidata a un riff in accordatura aperta che richiama le atmosfere della Bayou, territorio e immaginario profondamente legati alla tradizione musicale statunitense. Le percussioni ipnotiche disegnano il paesaggio sonoro, mentre il basso ne sostiene la struttura con profondità e carattere.
L’invocazione “Give us a band, a rocking land” segna il momento in cui il brano prende definitivamente quota, lasciandosi alle spalle la palude per entrare nel vivo di un’esplosione rock. Gli intrecci delle chitarre rafforzano l’impatto della composizione, mentre il solo di slide guitar accompagna il pezzo verso un finale feroce e viscerale.
Registrato in presa diretta e con un ricorso minimo alle sovraincisioni, “Lose Yourself” restituisce un suono diretto, essenziale e senza artifici. Una scelta precisa, pensata per catturare l’energia e la spontaneità della band, trasportando l’ascoltatore idealmente nel mezzo di un live dei RockTrain Slaves e restituendone tutta l’essenza.
I RockTrain Slaves nascono a Bologna nel 2004 dall’incontro di due amici d’infanzia, accomunati da una visione precisa della musica: fondere le diverse influenze e tradizioni che hanno segnato il loro percorso artistico, dal Delta Blues al rock degli anni Settanta, dando vita a un repertorio originale e scegliendo fin da subito di non affidarsi al classico circuito delle cover band.
Nell’aprile 2008 pubblicano il loro primo album autoprodotto, “The Rain Can Wait”, una raccolta di brani inediti distribuita da Self/Hitland Records nei negozi e sulle principali piattaforme digitali. Il disco apre alla band le porte di importanti palcoscenici italiani, portandola a esibirsi in alcuni dei festival blues più prestigiosi del Paese, tra cui il Pistoia Blues Festival 2008, e ad aprire i concerti di autentiche leggende della scena internazionale come Johnny Winter e Dickey Betts & The Great Southern.
Dopo anni di intensa attività live e l’ingresso di una seconda chitarra, nell’ottobre 2014 arriva il secondo album in studio, “Another Place”, composto interamente da brani originali e accolto positivamente dalle radio locali e dalla stampa specializzata.
Nel corso di circa dieci anni di attività, i RockTrain Slaves superano le 250 esibizioni dal vivo, consolidando un’identità musicale radicata nel rock blues più autentico e viscerale, capace di esprimersi con la stessa energia sul palco e in studio.
Dopo una pausa forzata dovuta alla pandemia, la band torna al lavoro su nuovo materiale e realizza** l’EP “All The Rest”, pubblicato nel 2023.**
**All’inizio del 2026 i RockTrain Slaves rientrano in studio per registrare tre nuovi brani inediti: “Soulshine”, “Lose Yourself” e “Goodmorning Devil”. Un nuovo capitolo del percorso artistico della band, che nel corso dell’anno porterà le nuove produzioni sulle principali radio e piattaforme digitali.**
Non sempre serve capire cosa ci succede per trovare il modo di andare avanti. A volte basta alzare il volume e smettere di trattenersi. È da qui che parte “Balla finché vuoi”, il nuovo singolo degli Officina Blu: un brano che trasforma il movimento in una risposta alle tensioni quotidiane, senza cercare soluzioni facili né impartire lezioni di vita.
“Metti in fila giorni e notti, metti in fila i guai”: la routine prova a imporre il suo ordine, ma qualcosa rompe la sequenza. Le corde vibrano, il ritmo prende spazio e il corpo trova una via d’uscita che la testa, da sola, non riesce a indicare.
Il sound mescola anima southern rock, sfumature blues e ritmiche country, con un passo trascinante che invita a muoversi senza troppi calcoli. La musica non cancella i problemi, ma cambia per un momento il modo di stare dentro le cose.
“Dentro quelle rotte scarpe sai soltanto tu come si sta” è il passaggio che restituisce al brano la sua dimensione più personale. Ognuno conosce la propria strada, comprese le deviazioni e le fatiche che non si vedono da fuori.
Gli Officina Blu scelgono così di lasciare spazio all’istinto, alla voglia di ridere e a quella libertà imperfetta che non ha bisogno dell’approvazione di nessuno.“Balla finché vuoi” non promette che domani sarà tutto più semplice: invita a non aspettare che lo diventi per concedersi il presente.
Alzare il volume, trovare il proprio passo, ripartire. Per una volta, senza dover spiegare perché.
Officina Blu è una rock blues band italiana che fonde il sound classico del rock con un’impronta moderna e personale. Le influenze blues, il rock d’autore e un’attitudine diretta danno vita a brani intensi, costruiti su chitarre incisive, una sezione ritmica solida e testi che raccontano storie, emozioni e frammenti di vita.
La band è composta da Matteo Favretto (MisterMat) alla voce e chitarra, Mattia Fattoretto al basso e Davide Piovesan alla batteria. Insieme portano sul palco uno spettacolo energico e autentico, dove ogni canzone nasce dalla passione per la musica suonata senza compromessi.
Con un’identità sonora riconoscibile e uno sguardo rivolto al futuro, Officina Blu continua il proprio percorso artistico attraverso la scrittura di musica originale e l’attività live, affermandosi come una realtà capace di parlare sia agli amanti del rock più classico sia a chi cerca un sound contemporaneo e genuino.
Con “Scusa”, i Sogno di Lenia raccontano la fine di un’amicizia e quel momento in cui un rapporto, consumato dall’indifferenza e dal silenzio, arriva al punto di rottura. Un brano rock intenso e viscerale, che mette al centro la difficoltà di lasciarsi alle spalle una persona con cui si è condiviso molto.
La storia è narrata dal punto di vista di una protagonista ormai logorata dalla distanza emotiva dell’altra persona. «Non sopportavo più l’indifferenza» è la frase che segna la svolta e accompagna la decisione di lasciare la casa condivisa. Ma all’orgoglio ferito si alterna il ricordo di una complicità che continua a riaffiorare, soprattutto di notte: «Ti penso la notte ancora in quella via, ridere scherzare insieme a te». È il contrasto tra la necessità di allontanarsi e la nostalgia per ciò che è stato a dare al brano la sua tensione emotiva.
Anche sul piano musicale, “Scusa” si sviluppa attraverso contrasti. Le strofe, più intime e raccolte, sono sostenute da un basso corposo e da arpeggi puliti, mentre le chitarre graffianti e una ritmica solida accompagnano l’apertura verso ritornelli potenti. A guidare il racconto è una voce femminile versatile, calda e confidenziale nei passaggi più delicati, capace di farsi grintosa e carica di pathos nei momenti di maggiore intensità.
Nel finale, la rabbia lascia spazio a una vulnerabilità inattesa. Il rapporto non si è ricomposto, la distanza resta, eppure la protagonista trova la forza di abbattere le proprie difese e pronunciare quella parola rimasta in sospeso: «Scusa».
Non una promessa di riconciliazione, ma un gesto liberatorio e doloroso, che chiude il racconto lasciando emergere tutta la fragilità di chi, nonostante tutto, non ha dimenticato.
I Sogno di Lenia nascono a Bologna nell’estate del 2024 dall’incontro tra la cantante Elena Masera e il chitarrista Davide Buzzoni. Quella che inizialmente si presenta come una sfida si trasforma presto in un’esigenza artistica: dare forma a frammenti di vita attraverso parole e musica, muovendosi tra sonorità alt-rock, suggestioni nostalgiche e influenze contemporanee.
La sintonia tra i due è immediata e prende forma in brani in italiano che raccontano contrasti, fragilità e stati d’animo profondi, alternando il peso delle esperienze vissute alla ricerca di momenti di felicità.
Elemento centrale del progetto è la voce di Elena Masera, potente, calda ed espressiva, capace di passare da interpretazioni intime e raccolte a momenti di grande intensità. A dialogare con la sua vocalità sono i riff graffianti e gli assoli energici della chitarra di Davide Buzzoni.
Nel 2025 la formazione si completa con l’ingresso di Fabio Fruci al basso e Sandro Sparano alla batteria. Con una sezione ritmica solida e dinamica, i Sogno di Lenia definiscono ulteriormente la propria identità sonora, dando vita a un rock energico, attraversato da tensioni emotive e contrasti.
In un mondo in cui ogni pensiero sembra dover circolare, essere riconoscibili non significa necessariamente essere compresi. Da questa distanza tra ciò che mostriamo e ciò che siamo nasce “Solo me stesso”, il nuovo singolo dei Flussi Inversi: una riflessione sull’identità, sui compromessi e sulla difficoltà di trovare la propria voce dentro il rumore del presente.
“Vorrei trovare il mio posto senza mai accettare un compromesso”: il desiderio espresso nel testo non è quello di isolarsi, ma di non dover rinunciare a una parte di sé per essere accettati. La dimensione personale si confronta così con un mondo definito “virale”, dove la velocità della comunicazione non garantisce la profondità dell’ascolto.
Musicalmente, il brano sviluppa questa tensione attraverso un impianto New Prog dinamico, costruito come un flusso di coscienza. Le sonorità eteree che aprono e chiudono il pezzo delimitano una struttura circolare, mentre la parte centrale concentra pensieri e contraddizioni in una progressione che rinuncia alla consueta alternanza tra strofa e ritornello. La forma segue il movimento della mente, con le sue accelerazioni e i suoi ritorni.
Ma il punto d’arrivo non è la difesa ostinata dell’io. “Ed ora che ho spento quella parte di orgoglio che sento” introduce un passaggio decisivo: abbassare le proprie difese non significa tradire la propria identità, ma rendere possibile un incontro. È qui che la fragilità smette di essere un limite e diventa disponibilità verso l’altro.
“Solo me stesso” tiene insieme due esigenze che spesso sembrano inconciliabili: restare fedeli a ciò che si è e riuscire a raggiungere chi ci sta intorno. Perché parlare a milioni di persone ha senso soltanto se, nel tentativo di farsi ascoltare, non si perde la propria voce.
I Flussi Inversi sono un progetto musicale nato dall’incontro tra il compositore e pianista Orazio Saracino, il producer e sound engineer Alex Grasso e il cantante e paroliere Flavio Paternesi, entrato nella formazione nel 2022.
La loro musica unisce ricerca sonora, tecnica strumentale e una forte componente narrativa.
L’esordio discografico, “Terra e Anima”, intreccia progressive rock, jazz, elettronica, musica per film e influenze gypsy, con la partecipazione di musicisti ospiti di rilievo.
Con il secondo album, “Noi”, composto da undici tracce, la band sviluppa una direzione più compatta e contemporanea.
Il trio definisce il proprio linguaggio come New Prog, una rilettura moderna del progressive rock italiano, distante dalle sonorità vintage degli anni Settanta.
Strutture fluide e accessibili convivono con ritmi articolati, passaggi strumentali complessi e il superamento dei tradizionali schemi della canzone.
La scelta di scrivere in italiano è centrale nella ricerca espressiva del gruppo.
Al centro di “Noi” c’è l’essere umano, raccontato attraverso fragilità, paure e desiderio di riscatto in una società precaria.
Grazie a influenze trasversali e a una cura meticolosa della produzione, i Flussi Inversi costruiscono un’identità musicale in cui sperimentazione e intensità emotiva procedono insieme.
Di giorno le storie sembrano scorrere inosservate, confuse nel rumore della quotidianità. È quando tutto si fa più silenzioso, soprattutto di notte, che acquistano contorni più nitidi e rivelano dettagli inaspettati. **Da questa prospettiva nasce “A caccia di storie”, il nuovo singolo dei Fiori nei Giardini Chiusi, un brano che racconta il desiderio di osservare ciò che ci circonda, lasciarsi sorprendere dagli incontri e trovare significati anche nei particolari apparentemente più insignificanti.**
Una ricerca senza una destinazione prestabilita, guidata dalla curiosità e dalla voglia di continuare a scoprire. Ogni incontro diventa l’occasione per entrare in una nuova dimensione, ogni storia che si conclude lascia spazio alla possibilità di trovarne un’altra. È un movimento continuo, fatto di osservazione, ascolto e desiderio di rimettersi in cammino.
Anche musicalmente, “A caccia di storie” segue questo percorso, costruendo un crescendo progressivo che accompagna lo sviluppo del racconto. Il brano si apre con il passo misurato di una ballata, attraversando atmosfere intime e raccolte che, poco alla volta, acquistano corpo e intensità. La tensione cresce fino a lasciare spazio a un finale più energico e decisamente rock, in cui la musica amplifica l’impulso a lasciarsi alle spalle ciò che è conosciuto per andare incontro a nuove esperienze.
**Con “A caccia di storie”, i Fiori nei Giardini Chiusi raccontano la curiosità come una forma di movimento e di apertura verso il mondo**: la spinta a non smettere di cercare, osservare e lasciarsi attraversare dalle storie degli altri, perché, in fondo, ogni risposta può diventare l’inizio di una nuova ricerca.
Fiori Nei Giardini Chiusi è un progetto musicale veronese che si muove nel territorio del rock d’autore italiano, intrecciando una scrittura attenta, sensibilità melodica e ricerca sonora.
Al centro del progetto ci sono canzoni che esplorano le relazioni umane, le contraddizioni della quotidianità e le dimensioni più intime dell’esperienza personale. Testi e musica si incontrano in un sound costruito su chitarre, basso e batteria, capace di alternare energia e tensione a momenti più introspettivi e atmosfere raccolte.
**La band ha pubblicato quattro singoli: “Ancora un’altra settimana”, “Muoviti tutto intorno”, “Fiori nei giardini chiusi” e “A caccia di storie”**, portando parallelamente avanti un percorso live attraverso festival, rassegne e concerti.
Fiori Nei Giardini Chiusi prosegue così la propria ricerca artistica, dando forma a un’identità musicale in cui la forza del racconto incontra le diverse sfumature del rock.
Per oltre vent’anni ha lavorato sui set cinematografici e televisivi, collaborando con registi come Ermanno Olmi, Riccardo Milani e Vincenzo Salemme. Ha scritto sceneggiature, raggiunto la finale del Premio Franco Solinas e diretto documentari, tra cui quello dedicato alla storia di Fiumara d’Arte e del suo fondatore, Antonio Presti. Oggi, a 54 anni, Luca Di Molfetta arriva al suo primo singolo da cantautore. Si intitola “Giovanna” e racconta una relazione attraverso i ricordi di una giovinezza trascorsa tra Firenze, l’università, la musica e le discussioni su una società che sembrava già offrire poche certezze. Un esordio discografico che arriva dopo decenni di scrittura per il cinema e una passione per la musica coltivata fin dall’adolescenza.
“Giovanna” prende forma attorno al ricordo di una figura femminile, evocata attraverso luoghi, parole e piccoli episodi di vita condivisa. La canzone non chiarisce le ragioni della sua assenza né quale sia oggi il rapporto tra i due. A emergere sono soprattutto i pomeriggi di settembre, una chitarra, le discussioni fino a sera, l’entusiasmo e le disillusioni di un’età in cui il futuro occupava buona parte delle conversazioni.
A Firenze, dove è ambientata la storia, l’amore convive con il precariato e la sfiducia nelle istituzioni. Nelle discussioni universitarie si parla dello Stato, delle condizioni economiche e di una società osservata con insofferenza. Sono argomenti che fanno parte della loro quotidianità quanto la musica e i momenti trascorsi insieme.
Di Molfetta recupera così un aspetto spesso trascurato quando si raccontano gli amori giovanili: una relazione è fatta anche delle idee che si condividono, delle discussioni che si affrontano e del modo in cui due persone imparano a osservare la realtà. Nel testo, infatti, il precariato, la sfiducia nello Stato e perfino le questioni ambientali vengono richiamati per essere subito ridimensionati davanti all’assenza di Giovanna. I problemi sono rimasti, ma è cambiato il coinvolgimento di chi li affrontava: quelle discussioni, un tempo così importanti, appartengono ormai a un periodo della vita che il protagonista continua a ricordare attraverso di lei.
«Giovanna mi ricordi la vita, quella vera senza soldi» è il verso con cui Di Molfetta introduce il rapporto tra sentimenti e condizioni materiali.
La mancanza di denaro compare senza essere nascosta dietro l’immagine idealizzata di una giovinezza spensierata. C’è il ricordo di un periodo segnato da difficoltà e incertezze, nel quale, tuttavia, la possibilità di condividere esperienze e aspettative rendeva le giornate ricche di significato.
Quella vita comprendeva i pomeriggi trascorsi insieme, la musica, le conversazioni sull’università e sulla politica. Il denaro era poco, il futuro incerto, eppure nel ricordo conservano valore proprio quelle esperienze che non richiedevano disponibilità economiche: il tempo condiviso, le passioni, le idee sostenute anche a costo di discutere per ore. La precarietà rimane una condizione concreta, capace di influenzare le scelte e le prospettive, senza esaurire tutto ciò che rendeva importante quel periodo.
Nel ritratto di “Giovanna” trova spazio anche una frase che sembra contraddire lo slancio tipicamente associato alla giovinezza: «è meglio stare senza sogni».
Una considerazione che riaffiora senza che ne vengano chiarite le ragioni. Solo successivamente, ripensando a lei, il protagonista riconosce di non aver compreso alcuni aspetti del suo modo di essere. Nei versi tornano allora l’onestà, le illusioni e la felicità, fino a quel diritto alla felicità che convive con l’invito iniziale a rinunciare ai sogni.
Il contrasto tra queste parole è uno degli aspetti più interessanti della canzone. Giovanna sosteneva che fosse meglio non avere sogni, eppure il ricordo che ne conserva chi le è stato accanto comprende proprio la capacità di credere nelle illusioni e nella possibilità di essere felici. Di Molfetta lascia che siano le parole attribuite alla ragazza e quelle pronunciate successivamente dal protagonista a restituire la complessità di quel rapporto, senza chiarire fino in fondo ciò che allora li divideva o li avvicinava.
Anche per questo “Giovanna” può essere letta come il racconto di una giovinezza osservata dall’età adulta, quando alcune certezze hanno perso consistenza e frasi ascoltate molti anni prima tornano alla memoria con un significato diverso.
A cambiare bruscamente il tono della narrazione è però il ritorno al presente.
Dopo i ricordi di Firenze, il protagonista annuncia di aver stretto un patto con il proprio rancore. È arrivato il momento di uscire di casa, affrontare le giornate con un atteggiamento diverso e provare a modificare alcune abitudini.
L’elenco dei buoni propositi è disarmante nella sua ordinarietà: smettere di bere, smettere di fumare, tornare a giocare a tennis, ricominciare a cucinare.
Di Molfetta li inserisce in una sequenza dal tono quasi ironico, nella quale l’ottimismo diventa un cappello da indossare e il sorriso qualcosa da portare in tasca. Due immagini che alleggeriscono la malinconia del brano e restituiscono l’incertezza di chi prova a convincersi che sia arrivato il momento di stare meglio.
Dopo le discussioni sul mondo, le grandi questioni sociali e le aspettative di un’intera giovinezza, la ripartenza viene affidata a gesti comuni: prepararsi un pasto, praticare uno sport, prendersi cura di sé. Un programma modesto, domestico, che racconta quanto possa essere impegnativo anche soltanto recuperare una routine quando qualcosa nella propria vita è cambiato.
Il programma, tuttavia, si interrompe quasi subito in quell’«E poi… e poi…». La ripetizione lascia incompiuto l’elenco e precede il ritorno al ricordo di Giovanna. Di Molfetta affida a un’esitazione ciò che avrebbe potuto trasformare in una dichiarazione esplicita: i propositi ci sono, eppure qualcosa continua a trattenerlo nel passato.
È una scelta narrativa che richiama l’esperienza cinematografica dell’autore. In “Giovanna” bastano alcune scene per delineare una storia: una ragazza che suona la chitarra, due persone che discutono fino a sera, un uomo che cerca di riorganizzare la propria giornata. La successione delle immagini e il passaggio dai ricordi ai buoni propositi costruiscono il racconto senza spiegare ogni avvenimento o fornire tutte le risposte.
Per Luca Di Molfetta, la scrittura musicale rappresenta un nuovo approdo di un percorso narrativo iniziato molti anni prima.
Nato a Roma il 14 aprile 1972, dopo gli studi in Lettere e Filosofia intraprende la carriera di aiuto regista, lavorando per circa vent’anni al fianco di alcuni nomi del cinema e della televisione italiana. Oltre a Ermanno Olmi, Riccardo Milani e Vincenzo Salemme, il suo percorso comprende collaborazioni con Giacomo Battiato, Leone Pompucci, Renzo Martinelli, Claudio Norza e Francesco Pavolini.
Nel 2017 decide di concentrarsi sulla scrittura e sulla regia, sviluppando progetti cinematografici propri.
Nel 2018 il suo cortometraggio “Di cosa parliamo” riceve un Award of Merit agli IndieFEST Film Awards e una menzione speciale al London-Worldwide Comedy Short Film Festival. Nello stesso anno Di Molfetta è finalista al Premio Franco Solinas con “La piazza degli schiavi”, sceneggiatura scritta insieme a Paolo Piccirillo e precedentemente intitolata “Masslo”.
Tra le altre opere figura il cortometraggio “La dolce morte”, presentato in diversi festival internazionali.
Nel 2023 firma la regia del documentario “L’eresia della bellezza – Storia di Fiumara d’Arte”, scritto insieme a Claudio Sorace e prodotto da Twister Film.
Il film racconta la vicenda di Antonio Presti, mecenate siciliano che, a partire dagli anni Ottanta, ha coinvolto artisti contemporanei nella realizzazione di un museo a cielo aperto nella valle della Fiumara, in Sicilia. Un progetto culturale nato con l’intenzione di portare l’arte in un territorio lontano dai principali circuiti espositivi, ma segnato anche da una lunga controversia giudiziaria relativa alla realizzazione delle opere nello spazio pubblico.
Attraverso questa storia, Di Molfetta affronta il rapporto tra creazione artistica, istituzioni e territorio, documentando le difficoltà incontrate da un’iniziativa culturale nel tentativo di modificare concretamente un luogo.
La familiarità con la creazione delle storie e con la scrittura per immagini accompagna anche il nuovo percorso discografico, che affonda però le radici in una passione coltivata molto prima dell’esordio ufficiale.
Di Molfetta comincia a studiare pianoforte a quattordici anni, avvicinandosi successivamente al jazz e al pop, e approfondisce nel tempo anche lo studio della chitarra. Per anni la musica procede parallelamente alla professione cinematografica, fino alla decisione di trasformare in canzoni una parte dei testi accumulati nel corso della vita.
Il progetto discografico nasce circa due anni fa dal desiderio di recuperare poesie già scritte e appunti conservati per possibili soggetti cinematografici, dando loro una forma musicale attraverso melodie riconoscibili e una scrittura legata alla tradizione cantautorale italiana.
Un processo creativo che consente a Di Molfetta di recuperare materiali rimasti a lungo sulla pagina e di svilupparli attraverso parole, musica e interpretazione vocale. “Giovanna” inaugura questo percorso, portando nella canzone una vicenda costruita attraverso ricordi e situazioni quotidiane, con un linguaggio colloquiale che alterna malinconia e ironia.
Il singolo è scritto e composto da Luca Di Molfetta ed è realizzato in autoproduzione, con la collaborazione di Andamento Analogico di Pippo Grassi, coinvolto nel progetto anche come fonico e batterista, e gli arrangiamenti del polistrumentista Alessandro Recanati.
Lo stesso ha ideato e co-diretto il videoclip ufficiale insieme a Fabrizio Bravi, affiancando al debutto discografico il lavoro per immagini che caratterizza la sua carriera. La pubblicazione della canzone e del video è stata concepita come parte di un unico lancio artistico, nel quale Di Molfetta segue personalmente tanto la composizione quanto la realizzazione audiovisiva.
Il singolo ha inoltre conquistato l’accesso alle finali del Tour Music Fest, dopo aver superato le Live Auditions di Roma.
“Giovanna” anticipa “La vita senza soldi”, primo album di Luca Di Molfetta, composto da otto brani e previsto entro la fine del 2026. Il progetto nasce dall’incontro tra il cantautorato italiano e sonorità indie pop rock contemporanee, con influenze dichiarate che spaziano da Rino Gaetano a Daniele Silvestri, da Franco Battiato ai Baustelle, fino a Calcutta.
Il titolo del disco riprende l’espressione che apre il singolo e richiama il valore delle esperienze, del tempo e degli affetti in una società che tende a misurare buona parte dell’esistenza attraverso parametri economici.
Dopo vent’anni trascorsi a contribuire alla creazione delle storie sullo schermo, Luca Di Molfetta sceglie di affidare alla musica il racconto di un’assenza. E lo fa attraverso una domanda che rimane sottesa ai versi di “Giovanna”: quanto di ciò che siamo stati continua a dipendere dalle persone con cui abbiamo condiviso una parte della nostra vita?
Violenza e sentimento nasce dall’incontro tra due forze opposte e inseparabili.
Il titolo non vuole raccontare semplicemente il contenuto del disco, ma rappresentarne la tensione centrale: da una parte la violenza, intesa come ciò che distrugge, ferisce e altera la vita delle persone; dall’altra il sentimento, inteso come la risposta più profonda e umana a ciò che accade.
La violenza attraversa quasi tutte le canzoni del disco, assumendo forme diverse: è fisica,psicologica, sociale, silenziosa. È quella di un abuso, di un’ossessione, dell’ansia, della perdita, dell’indifferenza, della rabbia o del sentirsi fuori posto. Non sempre ha un volto preciso, ma lascia sempre una traccia.
Il sentimento è ciò che nasce da quella traccia. Non una semplice consolazione, ma una forza altrettanto intensa: paura, amore, lutto, empatia, rabbia, desiderio di reagire, bisogno di essere visti.
Ogni brano racconta il modo in cui le persone affrontano ciò che le ferisce e ciò che rimane dentro di loro.
Le dieci canzoni non seguono una storia unica e non vogliono offrire risposte.
Sono immagini, persone e frammenti di vita che condividono la stessa intensità emotiva.
Alcune storie nascono da esperienze personali, altre dall’osservazione della realtà quotidiana, altre ancora dal bisogno di dare una forma a emozioni difficili da esprimere.
Anche la musica vive dello stesso contrasto: la potenza dello stoner rock incontra momenti di fragilità e introspezione, alternando peso e leggerezza, rabbia e vulnerabilità.
Violenza e sentimento non vuole spiegare il dolore né giudicarlo. Vuole raccontare ciò che succede agli esseri umani quando vengono messi davanti alle proprie ferite e alle proprie contraddizioni.
Perché la violenza non è il vero tema del disco. Il vero tema è ciò che la violenza lascia nelle persone. E il sentimento è quello che rimane quando, nonostante tutto, si continua a sentire.
Alberto Atzori
I Temporali nascono nel 2023 a Sassari dall’incontro tra Alberto Atzori, Sergio Serra e Levin Muzzu, uniti dalla passione per il rock, il metal e le sonorità stoner. L’idea dei primi brani nasce da Alberto già nel 2020, durante il periodo della pandemia, ma è solo con la formazione della band nel 2023 che prendono realmente forma.
Dopo mesi di prove e concerti in Sardegna, alla fine del 2025 la band avvia la pre-produzione del primo album.
Nel 2026 entra nel roster della Roble Factory di Alghero, con cui pubblica già due singoli: Le ossa in volo (1 maggio 2026) e Slinky (19 giugno 2026), e registra il disco d’esordio Violenza e sentimento, in uscita il 25 settembre 2026.
Le parti di batteria presenti nel disco sono state registrate da Alberto Atzori. Al termine delle registrazioni entra a far parte della band Gabriele Luzzu, che assume il ruolo di batterista per l’attività live e i progetti futuri.
Il progetto mescola metal, alternative e stoner rock con testi in italiano, ispirandosi a band come Metallica, Verdena e Queens of the Stone Age.
I Temporali sono attivi dal vivo tra la Sardegna e il resto d’Italia.
