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ASCOLTA “SOLO ME STESSO”!

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In un mondo in cui ogni pensiero sembra dover circolare, essere riconoscibili non significa necessariamente essere compresi. Da questa distanza tra ciò che mostriamo e ciò che siamo nasce “Solo me stesso”, il nuovo singolo dei Flussi Inversi: una riflessione sull’identità, sui compromessi e sulla difficoltà di trovare la propria voce dentro il rumore del presente.

“Vorrei trovare il mio posto senza mai accettare un compromesso”: il desiderio espresso nel testo non è quello di isolarsi, ma di non dover rinunciare a una parte di sé per essere accettati. La dimensione personale si confronta così con un mondo definito “virale”, dove la velocità della comunicazione non garantisce la profondità dell’ascolto.

Musicalmente, il brano sviluppa questa tensione attraverso un impianto New Prog dinamico, costruito come un flusso di coscienza. Le sonorità eteree che aprono e chiudono il pezzo delimitano una struttura circolare, mentre la parte centrale concentra pensieri e contraddizioni in una progressione che rinuncia alla consueta alternanza tra strofa e ritornello. La forma segue il movimento della mente, con le sue accelerazioni e i suoi ritorni.

Ma il punto d’arrivo non è la difesa ostinata dell’io. “Ed ora che ho spento quella parte di orgoglio che sento” introduce un passaggio decisivo: abbassare le proprie difese non significa tradire la propria identità, ma rendere possibile un incontro. È qui che la fragilità smette di essere un limite e diventa disponibilità verso l’altro.

“Solo me stesso” tiene insieme due esigenze che spesso sembrano inconciliabili: restare fedeli a ciò che si è e riuscire a raggiungere chi ci sta intorno. Perché parlare a milioni di persone ha senso soltanto se, nel tentativo di farsi ascoltare, non si perde la propria voce.

I Flussi Inversi sono un progetto musicale nato dall’incontro tra il compositore e pianista Orazio Saracino, il producer e sound engineer Alex Grasso e il cantante e paroliere Flavio Paternesi, entrato nella formazione nel 2022.

La loro musica unisce ricerca sonora, tecnica strumentale e una forte componente narrativa.

L’esordio discografico, “Terra e Anima”, intreccia progressive rock, jazz, elettronica, musica per film e influenze gypsy, con la partecipazione di musicisti ospiti di rilievo.

Con il secondo album, “Noi”, composto da undici tracce, la band sviluppa una direzione più compatta e contemporanea.

Il trio definisce il proprio linguaggio come New Prog, una rilettura moderna del progressive rock italiano, distante dalle sonorità vintage degli anni Settanta.

Strutture fluide e accessibili convivono con ritmi articolati, passaggi strumentali complessi e il superamento dei tradizionali schemi della canzone.

La scelta di scrivere in italiano è centrale nella ricerca espressiva del gruppo.

Al centro di “Noi” c’è l’essere umano, raccontato attraverso fragilità, paure e desiderio di riscatto in una società precaria.

Grazie a influenze trasversali e a una cura meticolosa della produzione, i Flussi Inversi costruiscono un’identità musicale in cui sperimentazione e intensità emotiva procedono insieme.

Sabato 14 novembre alle ore 18.30 la pianista catanese Guendalina Consoli si esibirà in un recital pianistico dedicato al suo progetto discografico “Gocce di Romanticismo”, pubblicato da TRP Music, nella suggestiva cornice della Chiesa dell’Itria di Termini Imerese (PA).

 

Il concerto rientra nel cartellone della 51ª Stagione Concertistica 2026, organizzata dall’associazione Amici della Musica “Giuseppe Mulè”, fondata da Rosario Quattrocchi, con il patrocinio dell’Assessorato Regionale Turismo, Sport e Spettacolo della Regione Siciliana e Città di Termini Imerese.

 

«”Siamo l’Arte che amiamo”: sono fermamente convinta di ciò così come sono certa di amare la creatura artistica ‘”Gocce di Romanticismo’” ed il programma che porta lo stesso titolo del progetto discografico. Un programma che propongo per la prima volta a Termini Imerese per l’associazione musicale “Amici della Musica Giuseppe Mule’” fondata da Rosario Quattrocchi ed il cui direttore artistico è Salvatore Scinaldi.

Per citare Madre Teresa di Calcutta “Quello che facciamo è solo una goccia nell’oceano ma se non lo facessimo l’oceano avrebbe una goccia in meno” ed io come ognuno di noi sono una goccia che è lieta di esibirsi in questa circostanza per trasmettere le emozioni, le sensazioni che solo la Musica è in grado di donare alle nostre Anime, al nostro Spirito così da sentirci più vicini ed esprimerci senza alcun filtro e con assoluta umiltà e sincerità», commenta Guendalina Consoli.

 

“Gocce di Romanticismo” pubblicato da TRP MUSIC è un progetto discografico che la pianista siciliana ha focalizzato seguendo una scelta emozionale di miniature musicali del periodo romantico. L’itinerario artistico selezionato comprende brani in “piccola forma” di Liszt, Chopin, Abelardo, Glinka, Massenet, Debussy e Fanny Mendelssohn: gocce in grado di concentrare in poco tempo la vasta concezione poetica e musicale dello specifico artista, dando la possibilità all’interprete e all’ascoltatore di “viaggiare” senza mai rimanere vincolato ad un unico “luogo”, concedendosi e concedendo libertà.

“Come scriveva Marcel Proust – afferma Guendalina Consoli – ‘L’unico vero viaggio sarebbe non andare verso nuovi paesaggi, ma avere altri occhi, vedere l’universo con gli occhi di un altro, di cento altri, vedere i cento universi che ciascuno vede, che ciascuno è.’ Mi sono dunque ispirata concettualmente a questo principio di “non località” per esprimere in sintesi un’idea astratta di tragitto musicale che potesse richiamare le emozioni più brevi ed intense vissute dai compositori nella creazione di queste piccole grandi opere e per comunicarle alla nostra anima percettiva in maniera istintiva e sentimentale, senza alcun cenno di interpretazione razionale. Per questo, ogni compositore è per me una goccia, ovvero una piccola entità funzionale che contribuisce, attraverso la propria personalità artistica e tramite la composizione prescelta, a formare un grande progetto d’insieme.”

All’interno dell’album, già disponibile sulle piattaforme digitali e nei negozi musicali, sono presenti i generi romantici più popolari, dal Notturno, “esplorato” in tutte le sue declinazioni – malinconia, amore, bellezza, drammaticità… – all’Intermezzo, dall’Arabesque alle forme di danza del Valzer e del Tango. Un mélange di poliedriche sonorità che riflettono sensualità e misticismo, redenzione e peccato, passione ed abbandono per un disco che riflette grinta, sentimento, determinazione.

La copertina dell’album, inserita nella serie “Copertina d’Autore”, è stata realizzata nel 2006 dall’artista Francesco Rinzivillo (www.francescorinzivillo.com): l’opera, un Olio su cartoncino di cm 16×16, si intitola “Confine”.

Tracklist di “Gocce di Romanticismo”:

1 Nocturne in G Minor, H. 337 Fanny Mendelssohn

2 Nocturne in B-Flat Minor, Op. 9, No. 1 Frédéric Chopin

3 Nocturne in E-Flat Major, Op. 9, No. 2 Frédéric Chopin

4 Nocturne in F Minor “La Séparation” Mikhail Glinka

5 First Nocturne in C-Sharp Minor Nicanor Abelardo

6 Consolations, S. 172: III. Lento Placido in D-flat Major Franz Liszt

7 Intermezzo in A Major, Op. 118, No. 2 Johannes Brahms

8 “Méditation” from Thaïs (arr. for piano solo) Jules Massenet

9 Suite Bergamasque, L. 75: III. Clair de Lune Claude Debussy

10 Rêverie, L. 68 Claude Debussy

11 Deux Arabesques, L. 66: Arabesque No. 1 Claude Debussy

12 España, Op. 165: II. Tango Isaac Albéniz

13 Waltzes, Op. 64: II. Tempo Giusto Frédéric Chopin

TRP MUSIC

Direzione artistica e Produzione esecutiva: Riccardo Samperi

Direzione editoriale e product manager: Alberto Fidone

GUENDALINA CONSOLI | BIOGRAFIA

Pianista, ha conseguito la laurea di primo livello presso il Conservatorio di musica “G.Martini” di Bologna, sotto la guida di Agata Catania. Si è perfezionata in seguito con insigni maestri fra i quali Boris Petrushansky, Andrej Jasinski (Accademia Internazionale Mozarteum di Salisburgo), Joaquim Achucarro (Accademia Chigiana di Siena), Aquiles Delle Vigne (Festival internazionale pianistico di Spoleto e Mozarteum di Salisburgo), Paul Badura- Skoda (Associazione Amici della musica di Firenze), Francois-Joel Thiollier (Scuola Superiore Internazionale di Musica da Camera del Trio di Trieste), Alexander Lonquich (Campus Internazionale di Musica di Sermoneta), Alexey Orlovetsky (Ferenc Liszt Society in Polonia),Bruno Canino,  Sergio Perticaroli ed Aldo Ciccolini. Ha conseguito il diploma di alto perfezionamento pianistico presso l’Accademia Internazionale Superiore di Musica “Lorenzo Perosi” di Biella sotto la guida di Annamaria Cigoli.  Vincitrice di numerosi concorsi nazionali ed internazionali si esibisce frequentemente in recital, riscuotendo sempre grandi consensi di pubblico e di critica, in Italia ed all’estero. Ha suonato in Polonia presso la Chopin Manor-House a Duszniki Zdroy, al Music and Literature Club di Wrozclaw, il Castle di Brzeg, in Austria presso la Marmor Saal, la Wiener Saal ed il Karl Orff Institute, in Svizzera (Lugano), in Croazia, in Slovenia, in Germania a Kitzingen Am Main (Festival Seiler, per una serata dedicata ai vincitori del Premio Internazionale “Seiler”). Ed ancora ospite di numerose associazioni musicali in varie città italiane fra le quali Milano, Bologna, Trieste, Torino, Pistoia, Como, Lecce, Fregene. Si è esibita da solista con l’Orchestra Sinfonica d’Ivrea, nel Concerto KV238 di Mozart. Ha inciso la Sonata n°3 in fa maggiore (Hob XVI/23) di F.J.Haydn ed ha partecipato alle celebrazioni del 150° della morte di F.Chopin per la Società Nazionale “Dante Alighieri” di Catania e per l’Università degli studi di Catania. Ha conseguito la laurea abilitante per l’insegnamento del pianoforte presso l’Istituto Superiore di Musica “Claudio Monteverdi” di Cremona e la laurea di secondo livello in Discipline Musicali presso l’Istituto Musicale “V.Bellini” (CT) con 110 e lode. Attualmente insegna pianoforte presso l’I. C. Campanella-Sturzo di Catania. Nel 2023 ha inciso il cd “Gocce di Romanticismo” pubblicato dalla TRP Music.

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Il palcoscenico è vuoto, le luci si sono spente e il velluto delle poltrone è ormai freddo. Gli applausi sono finiti, così come le parole pronunciate davanti agli altri. Fuori, il vento d’inverno raggiunge la porta di una casa in cui un’ultima candela continua a bruciare. Sono le immagini con cui Max De Lorenzis racconta il suo Natale in “The Last Candle”, il nuovo singolo disponibile da venerdì 13 novembre, scritto dal cantautore pugliese e composto da Nicola Bruno.

Un brano che prende forma proprio quando i festeggiamenti sono terminati, gli ospiti sono tornati alle proprie abitazioni e il silenzio permette finalmente di ascoltare i propri pensieri. La festa lascia spazio a un bilancio personale, fatto di ricordi, perdite e conquiste che il trascorrere degli anni ha insegnato a riconoscere.

«No more applause, no more to prove», canta Max De Lorenzis. Niente più applausi, niente più da dimostrare. Parole che acquistano un significato particolare per un cantautore che ha cominciato a esibirsi a sedici anni e ha dedicato una parte significativa della propria produzione discografica alla ricerca della propria identità e al tentativo di sottrarsi alle aspettative altrui.

In “The Last Candle”, però, la scena è già conclusa. Rimane la possibilità di tornare a casa, chiudere la porta e riconoscere il valore di quanto si è realizzato, senza sentire il bisogno di ottenere un’ulteriore conferma.

Il Natale diventa così l’occasione per raccontare una conquista della vita adulta: imparare a essere soddisfatti di ciò che si ha, senza continuare a misurare la propria esistenza attraverso quello che ancora manca.

La canzone nasce proprio dall’esigenza di mettere a confronto la frenesia del mondo esterno con la quiete che arriva al termine di una lunga giornata o di una fase importante della propria vita. De Lorenzis sceglie l’atmosfera raccolta delle festività invernali e dà vita a un racconto nel quale le immagini tradizionalmente associate al Natale – il freddo, la casa, il fuoco, la luce – si legano inevitabilmente all’esperienza personale.

Il rapporto con il tempo che passa emerge anche dalle parole «I’ve found the gold in growing old», «Ho trovato l’oro nell’invecchiare». Una riflessione sulla maturità e sulla capacità di riconoscere il valore delle esperienze vissute, comprese quelle più difficili.

A trentun anni, il cantautore utilizza un’espressione generalmente associata a un’età più avanzata per raccontare ciò che l’esperienza gli ha insegnato. Crescere significa anche fare i conti con quello che è andato perduto, riconoscere i propri cambiamenti e comprendere quali aspetti della vita meritino ancora attenzione. Il tempo, spesso vissuto come qualcosa da rincorrere, diventa nella canzone ciò che permette di attribuire un valore diverso alle esperienze.

Il riferimento all’oro ritorna anche nella seconda strofa, questa volta associato ai pini invernali. Dopo aver interpretato la propria parte e pronunciato tutte le battute, il protagonista sembra trovare nella natura e nella tranquillità domestica ciò che aveva cercato altrove.

Lo stesso paesaggio, tuttavia, conserva tracce di malinconia. Le stelle sospese nel gelo accompagnano il ricordo delle cose perdute, mentre il vento continua a soffiare all’esterno. Il silenzio della notte offre il tempo per ripensare al passato, senza che il desiderio di tornare indietro impedisca di apprezzare il presente.

È una scelta narrativa che distingue “The Last Candle” da buona parte dell’immaginario natalizio più convenzionale. La canzone arriva dopo il momento collettivo della festa, quando l’attenzione torna sulle persone, sulle abitudini e sui piccoli gesti che compongono la vita privata. Il Natale viene osservato dalla prospettiva di chi, conclusi gli impegni e le celebrazioni, può finalmente concedersi una pausa.

A rappresentare questa condizione è l’ultima candela, una fiamma che continua a illuminare la casa durante la notte. Nel ritornello, la sua luce accompagna uno spazio condiviso, protetto dal freddo e dal buio esterni.

La casa, il movimento di due persone al suo interno, una sola fiammella contro l’oscurità. Pochi elementi attraverso i quali De Lorenzis ricostruisce il senso di una felicità domestica, lontana dalla necessità di essere mostrata o raccontata agli altri.

Una prospettiva che trova continuità anche nel percorso discografico dell’artista.

Nato a Brindisi il 23 maggio 1995, Max De Lorenzis ha iniziato a cantare nei locali pugliesi durante l’adolescenza, avviando successivamente una produzione indipendente in lingua inglese. Nel 2020 ha pubblicato “River in the Sky”, seguito da “Something Beautiful” e “Whole Lot of Love”, tre singoli che avevano raggiunto complessivamente oltre 400.000 ascolti su Spotify. Il passaggio all’italiano, avvenuto nel febbraio 2024 con “Ci sarò”, aveva segnato l’inizio di una fase maggiormente autobiografica. In quella canzone, De Lorenzis affrontava il peso del giudizio e delle imposizioni esterne, immaginando un dialogo con sé stesso nel quale prometteva di non abbandonare la propria identità per compiacere gli altri. Il brano aveva anticipato “La 5ª Casa”, album d’esordio pubblicato il 15 marzo 2024, seguito da altri due singoli attraverso i quali il cantautore aveva ripercorso differenti momenti della propria crescita.

Con “Ciao come stai?”, dedicato alla memoria di un primo amore perduto, aveva raccontato la difficoltà di accettare un’assenza e il modo in cui alcuni legami continuano ad accompagnare la vita anche dopo la loro conclusione. In “Sogno solo il sole”, invece, il racconto si era spostato sulla necessità di interrompere una relazione diventata opprimente, recuperando la libertà di scegliere per se stesso. Il brano concludeva una trilogia che l’artista aveva associato simbolicamente all’infanzia, all’adolescenza e all’ingresso nell’età adulta. Anche i videoclip avevano contribuito a sviluppare questo percorso narrativo. Quello di “Ciao come stai?”, diretto da Francesco Sardano e presentato in anteprima su Sky TG24, si concludeva con la scritta To Be Continued, mentre “Sogno solo il sole”, realizzato dallo stesso De Lorenzis insieme a Sardano, terminava con The End, a indicare la chiusura di una fase personale.

Con “The Last Candle”, il racconto prosegue attraverso una prospettiva differente. Dopo aver dedicato diverse canzoni alla necessità di affrontare il passato e recuperare la propria autonomia, Max descrive una condizione di pace già raggiunta, nella quale la gratitudine convive con la consapevolezza delle esperienze attraversate. Il singolo rappresenta anche uno spartiacque nel suo percorso discografico: chiude idealmente il capitolo legato a “La 5ª Casa” e anticipa una nuova fase artistica, che prenderà forma con il secondo album di inediti, interamente in italiano, previsto per la metà del 2027. Il ritorno all’inglese assume così un significato particolare, riallacciandosi alla prima fase della sua carriera prima di una nuova stagione discografica nella sua lingua madre.

La collaborazione con Nicola Bruno, già al suo fianco nei precedenti progetti, accompagna questa nuova pubblicazione, concepita come una ballata invernale dal carattere intimo e atmosferico. La scrittura privilegia immagini essenziali e un linguaggio diretto, affidando alla ripetizione del ritornello il compito di riportare l’attenzione su ciò che rimane quando il rumore della giornata si esaurisce.

L’uscita anticipa la stagione natalizia e propone una lettura delle festività che può trovare spazio anche al di fuori del repertorio tradizionalmente associato al periodo. Le atmosfere raccolte della canzone, infatti, accompagnano una riflessione che riguarda la fine di un anno, il passaggio del tempo e il bisogno di riconoscere ciò che ha resistito ai cambiamenti.

“The Last Candle” è accompagnato dal videoclip ufficiale, diretto dal fotografo e videomaker Francesco Sardano e presentato in anteprima nazionale su Sky TG24, che affianca alla pubblicazione discografica un ulteriore capitolo del percorso audiovisivo del cantautore.

La scelta di concludere il racconto attorno a una candela accesa sottolinea il significato più personale del brano: dopo aver cercato, perso, ricominciato e imparato a lasciar andare, il protagonista può concedersi di restare.

Fuori, il vento continua a soffiare. Dentro, la casa è ancora illuminata. Gli applausi sono finiti da tempo. E per una volta, Max De Lorenzis sente che non gli manca nulla.

ASCOLTA “BETWEEN THE BLUES AND THE RISING SUN”!

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Un viaggio circolare tra suoni e colori che segue il ritmo di una giornata, dal primo respiro dell’alba fino al dissolversi della luce. L’album attraversa la complessità emotiva dell’esperienza umana, sospesa tra profonda malinconia e luminosa gioia, nel continuo fluire delle emozioni.

Il sound affonda le proprie radici nell’epoca d’oro delle grandi band tra la fine degli anni Sessanta e l’inizio degli anni Settanta, come Allman Brothers Band, Pink Floyd e Grateful Dead, reinterpretandone l’eredità attraverso una sensibilità contemporanea e una produzione dal suono nitido e moderno.

In un mondo che corre sempre più veloce, concedersi il tempo di ascoltare con attenzione diventa un atto di resistenza e una forma di riconnessione con l’essenza stessa della musica.

Between the Blues and the Rising Sun, l’album di debutto dei GREEN FUDGE, incarna questa filosofia, offrendo un’esperienza da vivere senza fretta.

TRACKLIST

BE FREE

Una suite di 18 minuti che introduce l’intero universo del disco, racchiudendo temi e sonorità che verranno sviluppati nei brani successivi. Dal timido risveglio psichedelico iniziale fino a riff potenti, il brano rappresenta una vera e propria dichiarazione d’intenti.

FLY HIGH

Un classico rock ‘n’ roll dal sapore old school che rivela immediatamente l’anima spensierata e festosa della band, sia nella musica che nel testo. Con la sua energia trascinante, accompagna l’ascoltatore verso una dimensione di leggerezza, invitandolo a lasciarsi alle spalle le preoccupazioni quotidiane.

RISE

Una ballad cantautorale dai toni limpidi e leggeri che porta con sé un messaggio chiaro che rappresenta al meglio la filosofia della band: “Every time you hate, you waste your love”.

Rise è una canzone che sceglie la luce al posto dell’oscurità, invitando l’ascoltatore a riflettere sul valore della positività. Il sound brillante, caratterizzato dal pianoforte e dalla chitarra acustica, sfocia in una jam finale che, dal vivo, può prendere ogni volta direzioni differenti.

ELDER SEERS

Elder Seers affronta il tema del cambiamento climatico, una realtà che riguarda tutti e che ci chiama a confrontarci con il futuro del pianeta.

Attraverso una trama sonora onirica, il narratore intraprende un viaggio interiore illuminante, esprimendo la propria ammirazione per Madre Natura e, al tempo stesso, la responsabilità di preservarla e proteggerla.

ELDORADO

Un brano dalle atmosfere oscure, costruito principalmente attorno al pianoforte e al sintetizzatore. Quest’ultimo prende progressivamente il comando fino a dominare il finale con un timbro tagliente e aggressivo.

L’anima noir della poesia di Edgar Allan Poe trova qui una naturale trasposizione musicale, dando vita a un paesaggio sonoro inquieto e suggestivo.

MARY JANE

Primo singolo pubblicato dalla band, Mary Jane è stato riarrangiato per il disco d’esordio, assumendo un carattere ancora più onirico e psichedelico. Determinante in questo senso è l’aggiunta della sezione centrale, dove le due batterie si fondono in un groove solido e ipnotico.

Il brano parla d’amore in modo diretto e sincero, toccando un tema che, in fondo, rappresenta il cuore dell’intero album.

GATES OF DAWN

Il disco si chiude in un paesaggio immaginario freddo e ostile, dove melodie cupe e solitarie accompagnano un popolo nordico in fuga da una tempesta senza fine.

Nel corso del viaggio, la richiesta di aiuto trova finalmente risposta e la musica si apre gradualmente alla luce, evolvendo verso una dimensione sonora quasi celestiale. La conclusione del brano non rappresenta una fine, ma l’inizio di una nuova vita, pronta a riprendere il proprio corso.

I GREEN FUDGE sono una jam band blues-rock psichedelica con base nella soleggiata e ventosa baia di Trieste, nati da una solida amicizia e da una passione condivisa per la musica.

Il loro sound si colloca al crocevia tra l’energia del blues, il cantautorato americano e le atmosfere psichedeliche degli anni ’60 e ’70, reinterpretate attraverso un approccio personale che pone grande attenzione al suono, alle dinamiche e alla dimensione live. La band trae ispirazione da artisti come The Grateful Dead, The Allman Brothers Band, The Doors e The Beatles, fondendo groove blues, texture psichedeliche e ampi spazi di improvvisazione ai loro brani.

Nella primavera del 2025 i GREEN FUDGE pubblicano il loro singolo d’esordio, “Mary Jane”. All’inizio dell’estate è seguito il secondo singolo, “Fly High”.

Il 29 Maggio 2026, dopo l’uscita del loro terzo singolo “Elder Seers”, i GREEN FUDGE presentano live il loro album di debutto “Between the Blues and the Rising Sun”, uscito il 10 luglio sotto l’agenzia SorryMom!.

ASCOLTA “SCARABOCCHI”!

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Ci sono incontri in cui le parole arrivano dopo gli sguardi, e basta poco per sentirsi esposti più di quanto si vorrebbe. “Scarabocchi”, il nuovo singolo di V!KTORIA, racconta proprio quel momento in cui qualcuno sembra attraversare le nostre difese e intravedere ciò che ancora fatichiamo a mettere a fuoco.

Il disordine interiore diventa una tela da riempire, senza la pretesa di renderla perfetta o comprensibile a tutti.

«Sembra che tu legga quello che ho dentro / Mi fa paura e mi eccita un po’»: il testo restituisce l’ambivalenza di chi desidera essere visto, ma non sa quanto sia pronto a lasciarsi scoprire. L’intimità non viene idealizzata, è fatta di esitazioni, pensieri che si accavallano e una disponibilità a rischiare qualcosa di sé.

«Non voglio che sia tutto quanto perfetto / Mi basta solo che ci credi davvero» sposta il focus della storia: non servono risposte definitive, ma la volontà di esserci, anche quando il quadro è incompleto.

Tra il bisogno di controllo e il desiderio di abbandonarsi, “Scarabocchi” sceglie l’imprevisto, guardando alla la vulnerabilità come possibilità di incontro.

Non c’è un ordine da ristabilire, né un’immagine da difendere: ci si può scoprire insieme, anche attraverso ciò che non si riesce ancora a dire.

Il brano racconta così un’intimità che prende forma nel caos, quando smettere di cercare la perfezione diventa il primo passo verso qualcosa di autentico.

V!KTORIA, all’anagrafe Greta Sannino, è una cantautrice e songwriter torinese che dal 2022 porta avanti un progetto personale in cui l’immediatezza del pop incontra l’energia e l’attitudine punk. Parallelamente alla propria produzione, scrive brani per altri artisti, esplorando linguaggi e sonorità differenti. Con 17 brani pubblicati, ha delineato un’identità musicale riconoscibile, che trova sul palco la sua espressione più diretta: accompagnata da una band composta da batteria, basso e due chitarre, dà vita a un live intenso, viscerale e senza filtri.

Nel 2024 entra nel roster management di Sorry Mom! e, l’anno successivo, il videoclip di “Le cose che non so” viene presentato sulla pagina ufficiale di SkyTG24.

Il 2025 segna anche la sua presenza nella settimana del Festival di Sanremo, con interviste radiofoniche e partecipazioni a Casa Sanremo e Casa Bontempi. A giugno pubblica “Cocktail Bar”, seguito a settembre dal remix ufficiale, entrambi per Elisir Records e distribuiti da Visory Records. Nel febbraio 2026 torna a Sanremo durante la settimana del Festival con “Le Sei”, proseguendo un percorso in cui scrittura, ricerca sonora e dimensione live restano elementi centrali. La sua musica conserva una cifra personale e spontanea, lontana da formule predefinite, in cui la contaminazione tra generi accompagna una scrittura diretta e autentica.

Claudio Calcagno cucina da quando aveva sedici anni. Ha lavorato in brigate professionali, tra cui quella di Villa Crespi, il ristorante di Antonino Cannavacciuolo a Orta San Giulio. La cucina gli ha dato un mestiere, un’identità professionale e la possibilità di esprimersi. Conosce la soddisfazione di preparare un piatto, la disciplina necessaria per far funzionare una cucina, l’orgoglio di un servizio riuscito. Conosce anche la stanchezza, i turni impegnativi, le rinunce e quella particolare forma di frustrazione che nasce quando qualcosa a cui tieni profondamente finisce per occupare quasi tutto il tuo tempo.

Dopo oltre venticinque anni trascorsi tra i fornelli, è proprio questo rapporto complicato con il lavoro a diventare il punto di partenza di “La Fossa”, il nuovo singolo che pubblica con il nome soloclaudio, prodotto da James & Kleeve e distribuito da Believe Digital.

Un brano nato dalla rabbia di chi lavora, costruisce, si impegna e continua ad amare ciò che fa, pur avendo la sensazione di vivere dentro un meccanismo che pretende sempre qualcosa in più. Claudio affida questa insofferenza al rap, senza cedere al vittimismo o a facili dichiarazioni di rivalsa e senza risparmiare sé stesso. Perché il conflitto che racconta riguarda anche le sue scelte, le aspettative che ha coltivato negli anni e il prezzo che è disposto a pagare per continuare a inseguirle.

«Faccio piatti da quando ho 16 anni, mi piace trasmettere quello che provo», rappa, prima di arrivare a un’affermazione che racchiude perfettamente il rovescio di quella passione: «Sta vita è una galera che apre alle 9».

Nello spazio tra questi due passaggi si concentra una parte importante del significato de “La Fossa”. La cucina è il luogo in cui Claudio ha imparato a esprimersi, a misurarsi con le proprie capacità, a trasformare un’intuizione in qualcosa di concreto. Ma è anche un ambiente in cui la dedizione può diventare logoramento e in cui il confine tra l’impegno necessario per fare bene il proprio lavoro e il sacrificio richiesto per continuare a farlo rischia di assottigliarsi.

Non è una questione che riguarda soltanto la sua esperienza. Secondo il Rapporto Ristorazione 2026 di FIPE-Confcommercio, nel 2025 il settore ha registrato una diminuzione del 10,3% dei lavoratori dipendenti, pari a oltre 114.000 unità. Un’impresa su due dichiara difficoltà nel reperimento del personale, mentre tra i titolari di pubblici esercizi otto su dieci lavorano più di quaranta ore alla settimana e uno su due supera le sessanta.

I numeri descrivono un comparto economicamente tra i più rilevanti del Paese, attraversato però da difficoltà occupazionali e organizzative. Non spiegano da soli le condizioni vissute da ogni lavoratore, ma fotografano bene il contesto nel quale si inserisce la riflessione di soloclaudio: quanto può chiedere un mestiere a chi lo ha scelto per passione? E quando la dedizione smette di essere una scelta e diventa un obbligo al quale è difficile sottrarsi?

Ma il lavoro è soltanto una parte del problema. Fuori dalla cucina, Claudio ritrova una società che corre senza sosta, nella quale si parla continuamente di guerre, si rincorrono visualizzazioni e si passa da una tragedia all’altra con una rapidità che lascia poco spazio persino all’indignazione. Il tutto mentre milioni di persone continuano a lavorare, cercare stabilità e immaginare un futuro diverso da quello che stanno vivendo.

In “La Fossa” questa insofferenza entra nei versi, nelle barre in cui l’artista-chef se la prende con la politica, con chi segue la massa senza interrogarsi sulle proprie scelte, con la ricerca esasperata di visibilità e con un’informazione che rischia di trasformare qualsiasi avvenimento, anche il più drammatico, nell’ennesimo contenuto da consumare. E non risparmia sé stesso, perché sa di appartenere a quella stessa società che critica.

Una società in cui «tutto passa, tutto corre, sì, ma non c’è news»; in cui le immagini delle guerre si alternano alle notizie di cronaca, le tragedie finiscono accanto ai contenuti di intrattenimento e persino gli avvenimenti più drammatici rischiano di diventare parte di una quotidianità alla quale ci stiamo abituando. Ci indigniamo, commentiamo, condividiamo. Poi arriva un’altra notizia, un’altra polemica, un altro video. L’indignazione dura il tempo di uno scroll sul telefono e ciò che fino a pochi minuti prima sembrava impossibile da ignorare finisce rapidamente nel dimenticatoio. Ma le conseguenze di quelle tragedie, per chi le vive, rimangono. Anche quando noi abbiamo già smesso di parlarne.

soloclaudio affronta tutto questo con il linguaggio diretto e provocatorio tipico del rap, alternando sarcasmo, immagini violente, allusioni sessuali e riferimenti all’attualità, senza nascondere le proprie contraddizioni e senza pretendere di avere risposte a problemi che vanno ben oltre la sua esperienza.

Sa che fuori dalla cucina esistono guerre, tragedie e persone costrette ad affrontare situazioni ben più drammatiche della sua. Ne parla, le osserva, ne riconosce la gravità. Ma questo non rende meno faticosi i suoi turni, meno pesanti le rinunce o meno legittima la frustrazione che prova.

La sofferenza degli altri, del resto, non rende automaticamente sostenibile la propria esistenza.

Anche per questo, la fossa del titolo non ha un unico significato. È il punto più basso, dove si accumulano la stanchezza, la rabbia e le aspettative disattese. Richiama una società in cui qualcuno continua a salire mentre altri rimangono in fondo, costretti ad accontentarsi di ciò che resta. Ma è anche il luogo dal quale l’artista, lo chef, e soprattutto la persona dietro questi ruoli vuole continuare a farsi sentire, persino quando sembra non avere più niente a disposizione.

«E allora apritemi la fossa, che ci suoniamo con le ossa», canta nel ritornello, affidando a un’immagine macabra la volontà di continuare ad esprimersi, anche nelle condizioni peggiori, come lui stesso dichiara:

«La fossa non è soltanto il luogo dove finisce tutto, ma quello da cui fare ancora rumore.»

Con questo brano, il rapper apre anche una nuova fase del proprio percorso discografico. Attivo nella scena dai primi anni Duemila e già autore di tre album e un EP pubblicati con lo pseudonimo Cloude, dopo le esperienze con Lato Oscuro e Saniasi sceglie oggi il nome soloclaudio, riunendo in un unico progetto artistico la propria esperienza musicale e quella maturata nella ristorazione. Uno pseudonimo che racchiude il senso di questa scelta: dopo anni trascorsi a dividersi tra cucina e musica, senza rinunciare a nessuna delle due, oggi Claudio si presenta semplicemente per quello che è. Solo Claudio, con tutte le esperienze, le ambizioni e le contraddizioni che fanno parte della sua storia.

Da questa volontà nasce “Piano 83”, il nuovo EP realizzato insieme ai produttori James e Kleeve. Tra i riferimenti che hanno ispirato il progetto figura anche “Il buco”, il film spagnolo di Galder Gaztelu-Urrutia che, attraverso una prigione organizzata su diversi livelli, affronta il tema delle disuguaglianze sociali, dell’egoismo e della distribuzione delle risorse. Al piano più alto, una cucina prepara ogni giorno un banchetto che viene fatto scendere attraverso la struttura: chi si trova sopra può scegliere cosa e quanto mangiare, mentre ai piani inferiori arrivano soltanto gli avanzi, quando arriva qualcosa. Una rappresentazione feroce delle gerarchie sociali, nella quale il privilegio di alcuni si traduce nella privazione di altri e la possibilità di sopravvivere dipende anche dalla disponibilità a condividere ciò che si possiede.

Un immaginario che soloclaudio riprende e rielabora, dandone una lettura in cui la fame diventa anche quella di chi lavora, investe anni nella propria professione e continua a inseguire un miglioramento che sembra spostarsi ogni volta un po’ più avanti. Il desiderio di guadagnare di più, di ottenere riconoscimento, di raggiungere una posizione diversa. Aspirazioni legittime, che possono però trasformarsi in una rincorsa continua, nella quale ogni traguardo raggiunto finisce per diventare il punto di partenza di quello successivo.

“La Fossa” è il primo capitolo di questo percorso. Claudio ne racconta la parte più rabbiosa, quella in cui la stanchezza accumulata, le aspettative e il confronto con ciò che accade intorno a lui diventano difficili da tenere separati. E mentre continua a lavorare in cucina e a cercare nella musica uno spazio per esprimersi, lascia affiorare una domanda che attraverserà anche “Piano 83”: quanto della vita che stiamo vivendo siamo disposti a sacrificare per raggiungere quella che immaginiamo di meritare?

ASCOLTA “LOSE YOURSELF”!

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Ci sono momenti in cui sembra di aver smarrito la propria identità, intrappolati in una quotidianità fatta di imposizioni, falsità e compromessi. Eppure, dentro di noi, continua a bruciare un’energia che chiede soltanto di essere liberata. È da questa tensione che nasce “Lose Yourself”, il nuovo brano dei RockTrain Slaves: un invito a fermarsi, lasciarsi andare e dimenticare tutto, almeno per una notte, per ritrovare se stessi.

Perdersi nel caos, abbandonare le convenzioni e concedersi un momento di autentica libertà. Non una soluzione definitiva ai problemi, né la promessa di un mondo senza conflitti, ma un’occasione per rompere le gabbie della quotidianità e riconnettersi con la propria essenza. Perché, come suggerisce il brano, non esiste arcobaleno senza prima una tempesta.

Dal punto di vista sonoro, “Lose Yourself” affonda le proprie radici nel rock americano degli anni Settanta. L’apertura è affidata a un riff in accordatura aperta che richiama le atmosfere della Bayou, territorio e immaginario profondamente legati alla tradizione musicale statunitense. Le percussioni ipnotiche disegnano il paesaggio sonoro, mentre il basso ne sostiene la struttura con profondità e carattere.

L’invocazione “Give us a band, a rocking land” segna il momento in cui il brano prende definitivamente quota, lasciandosi alle spalle la palude per entrare nel vivo di un’esplosione rock. Gli intrecci delle chitarre rafforzano l’impatto della composizione, mentre il solo di slide guitar accompagna il pezzo verso un finale feroce e viscerale.

Registrato in presa diretta e con un ricorso minimo alle sovraincisioni, “Lose Yourself” restituisce un suono diretto, essenziale e senza artifici. Una scelta precisa, pensata per catturare l’energia e la spontaneità della band, trasportando l’ascoltatore idealmente nel mezzo di un live dei RockTrain Slaves e restituendone tutta l’essenza.

I RockTrain Slaves nascono a Bologna nel 2004 dall’incontro di due amici d’infanzia, accomunati da una visione precisa della musica: fondere le diverse influenze e tradizioni che hanno segnato il loro percorso artistico, dal Delta Blues al rock degli anni Settanta, dando vita a un repertorio originale e scegliendo fin da subito di non affidarsi al classico circuito delle cover band.

Nell’aprile 2008 pubblicano il loro primo album autoprodotto, “The Rain Can Wait”, una raccolta di brani inediti distribuita da Self/Hitland Records nei negozi e sulle principali piattaforme digitali. Il disco apre alla band le porte di importanti palcoscenici italiani, portandola a esibirsi in alcuni dei festival blues più prestigiosi del Paese, tra cui il Pistoia Blues Festival 2008, e ad aprire i concerti di autentiche leggende della scena internazionale come Johnny Winter e Dickey Betts & The Great Southern.

Dopo anni di intensa attività live e l’ingresso di una seconda chitarra, nell’ottobre 2014 arriva il secondo album in studio, “Another Place”, composto interamente da brani originali e accolto positivamente dalle radio locali e dalla stampa specializzata.

Nel corso di circa dieci anni di attività, i RockTrain Slaves superano le 250 esibizioni dal vivo, consolidando un’identità musicale radicata nel rock blues più autentico e viscerale, capace di esprimersi con la stessa energia sul palco e in studio.

Dopo una pausa forzata dovuta alla pandemia, la band torna al lavoro su nuovo materiale e realizza** l’EP “All The Rest”, pubblicato nel 2023.**

**All’inizio del 2026 i RockTrain Slaves rientrano in studio per registrare tre nuovi brani inediti: “Soulshine”, “Lose Yourself” e “Goodmorning Devil”. Un nuovo capitolo del percorso artistico della band, che nel corso dell’anno porterà le nuove produzioni sulle principali radio e piattaforme digitali.**

Dal 13 novembre 2026 sarà disponibile sulle piattaforme digitali di streaming e in rotazione radiofonica “A ruota libera”, il nuovo singolo di Titta per Red&Blue Music Relations distribuito da ADA Music Italy.

“A ruota libera” è un brano pop-rock dal forte valore sociale che affronta il tema della disabilità con uno sguardo autentico, diretto e lontano da ogni retorica.

Ispirata all’amicizia con Elisa, protagonista anche del videoclip ufficiale, la canzone nasce da una consapevolezza chiara: la vera barriera non è la sedia a rotelle, ma il modo in cui scegliamo di guardare gli altri e noi stessi. Un invito a cambiare prospettiva per riconoscere in ogni persona una storia prima ancora di un’etichetta, mettendo al centro la libertà, la dignità e l’unicità di ciascuno.

Spiega l’artista a proposito del brano: “A RUOTA LIBERA è una delle canzoni più importanti che abbia mai scritto. L’ho scritta per Elisa, è una mia amica, grazie ai suoi racconti. Parla di lei ma credo che parlerà a molti. Stando accanto a lei, mi sono resa conto di quante volte siamo portati a pensare che il limite appartenga solo a chi vive una disabilità, quando invece appartiene al mondo che abbiamo costruito intorno a quella persona. Questa canzone non vuole parlare della carrozzina. Vuole parlare dello sguardo. Perché una rampa, una pedana, un marciapiede accessibile non sono gesti straordinari: dovrebbero essere la normalità. Eppure, troppo spesso, continuiamo a progettare città che escludono invece di accogliere.

Il videoclip racconta proprio questo: le barriere architettoniche non sono un destino. Sono una scelta progettuale. E se sono una scelta, allora possono essere cambiate da un’altra scelta.

Credo che A RUOTA LIBERA sia il brano che forse più rappresenta lo spirito di FUORI ASSE. Perché ci ricorda che le persone non hanno bisogno della nostra pietà. Hanno bisogno di un mondo che smetta di essere progettato solo per alcuni e inizi, finalmente, a essere pensato per tutti.” 

Il videoclip di “A ruota libera”, diretto da Armando Di Lillo, si sviluppa attraverso due narrazioni parallele che si intrecciano e si completano a vicenda.

Da una parte, Titta interpreta il brano in uno studio di registrazione, il luogo in cui la musica prende vita. Dall’altra, Elisa, protagonista del video e persona in sedia a rotelle, affronta la quotidianità di una città troppo spesso progettata senza considerare chi si muove diversamente: scalini, barriere architettoniche e auto parcheggiate sulle strisce pedonali diventano il simbolo di un ostacolo che non appartiene all’individuo, ma agli spazi condivisi.

I due percorsi convergono nel finale, quando Elisa raggiunge lo studio. Uno scalino sembra sbarrarle la strada, ma una rampa le consente di andare oltre. A volte basta poco per oltrepassare un dislivello, ma prima ancora dell’infrastruttura serve qualcuno che abbia deciso che quel gradino non dovesse più rappresentare un confine.

“A ruota libera” non racconta la disabilità come un limite personale, bensì invita a riflettere su quanto siano i condizionamenti fisici e culturali a restringere la libertà delle persone con disabilità. Perché rendere gli spazi accessibili non semplifica soltanto la vita di chi si muove in carrozzina: costruisce un mondo migliore per tutti. 

Guarda il videoclip: https://youtu.be/_RF9gr6qtZI

Biografia

Titta, nome d’arte di Letizia Tassi, è una cantautrice, attrice, autrice e formatrice teatrale romana. La sua ricerca artistica nasce e si sviluppa con naturalezza dall’incontro tra musica e teatro, dando vita a un linguaggio profondamente narrativo in cui ogni canzone diventa una storia da abitare prima ancora che da ascoltare. Vincitrice del Premio Mogol e del Roma Music Festival, Titta mette al centro del proprio percorso temi cruciali della contemporaneità come salute mentale, identità, corpo, inclusione, relazioni e desiderio di appartenenza, alternando intensità emotiva, ironia, rabbia, introspezione e una forte dimensione teatrale.

Forte di una solida formazione multidisciplinare teatrale e vocale, affianca alla carriera sul palco un profondo interesse per le artiterapie espressive. Ha collaborato attivamente in contesti educativi e performativi, portando la propria testimonianza fino alla Camera dei Deputati, dove è intervenuta più volte come relatrice con speech dedicati al potere terapeutico dell’arte, completando parallelamente il proprio percorso didattico con il Diploma in Canto Moderno. Il suo sound risente di influenze eterogenee che spaziano dal cantautorato contemporaneo e il teatro-canzone fino a sonorità alternative pop, arricchite dall’impronta del musical anglo-americano. Tra le tappe significative del suo percorso spiccano la traccia d’esordio “Ostaggi”, l’intimo ritratto familiare di “Mimma” e “Perfetta”, inno all’unicità e all’imperfezione.

Con il concept album “FUORI ASSE – carta celeste per stelle inclinate”, Titta inaugura un viaggio artistico che invita a cambiare punto di vista, riconoscendo il valore delle fragilità e celebrandole come parte fondamentale della nostra unicità, della nostra resistenza e del riscatto personale.

Il cammino discografico del progetto prende avvio a giugno 2026 con il singolo d’esordio “Cronika” — brano che fotografa il momento di rottura tra corpo, mente e ritmi imposti dalla società, accompagnato da un videoclip diretto da Armando Di Lillo, editato da Ilaria Tonali e interpretato dalla performer Anna Bucci —, proseguito poi a luglio con “Right here, right now”, a settembre con “A metà strada” e a ottobre con “Neurodivertente”.

“A ruota libera” è il nuovo singolo di Titta per Red&Blue Music Relations, distribuito da ADA Music Italy e disponibile su tutte le piattaforme digitali di streaming e in rotazione radiofonica dal 13 novembre 2026.

INSTAGRAM https://www.instagram.com/____letiziatittatassi____/

Nell’ambito della 40^a edizione di “Futuro Remoto”, iniziativa organizzata dalla Città della Scienza e dedicata quest’anno all’immaginazione dei futuri, si è svolta oggi nel capoluogo campano, la presentazione del “Manifesto dei Musei dei Futuri”, promosso da Città della Scienza, Ecosistema Futuro, ASviS, ICOM Italia e Ministero della Cultura, nell’ambito del Festival Futuro Remoto 2026. 

Napoli – Come possono i musei contribuire a esplorare i futuri possibili e a orientare le scelte del presente? E come possono integrare questa prospettiva nelle proprie attività, mettendo in relazione il patrimonio culturale con le trasformazioni della società? Per rispondere a queste domande, è nato il “Manifesto dei Musei dei Futuri”, promosso da Ecosistema Futuro, ASviS e ICOM Italia con la partnership istituzionale del Ministero della Cultura, presentato oggi al Museo della Scienza di Napoli.

Il Manifesto illustra i valori, le riflessioni e le prospettive emerse dal percorso compiuto dai 45 musei del “Network dei Musei dei Futuri”, riunitisi all’interno del progetto Ecosistema Futuro (www.ecosistemafuturo.it), e propone una visione condivisa del ruolo che i musei possono svolgere nell’esplorazione dei futuri possibili. La firma simbolica del Manifesto è avvenuta oggi nel corso dell’evento “Musei al futuro plurale. Dialoghi per il lancio del Manifesto dei Musei dei Futuri”, organizzato da Città della Scienza e dai promotori del Network, nell’ambito della 40ª edizione di “Futuro Remoto”, il festival dedicato dal museo campano alla divulgazione scientifica.

“Ecosistema Futuro è un progetto nato per portare il futuro (meglio, i futuri) e il pensiero di lungo periodo al centro del dibattito culturale, politico, economico e sociale del nostro Paese, per migliorare le scelte che esso è chiamato a compiere in un’epoca di grande incertezza”, commenta il direttore scientifico dell’ASviS, Enrico Giovannini. “I musei hanno un ruolo determinante in tale processo perché mettono in dialogo passato, presente e futuro e possono aiutare le persone, specialmente le giovani generazioni, a comprendere le trasformazioni in corso e a partecipare alle decisioni che riguardano il loro domani, come ha recentemente invitato a fare il Presidente della Repubblica Sergio Mattarella”.

“Come ricorda la nuova definizione di museo approvata da ICOM nel 2022, i musei non sono solo depositi di memorie ma offrono anche esperienze di riflessione e di condivisione di conoscenze: aspirano quindi anche a fornire uno sguardo critico sul presente e i futuri. L’interesse dimostrato da molti musei associati a ICOM Italia per il Network e l’adesione crescente alle attività dell’Ecosistema dimostrano la vitalità di un mondo in grado di stare al passo con le sfide della contemporaneità”, aggiunge Antonella Pinna, Presidente di ICOM Italia

“Dal cambiamento climatico alla biodiversità, dall’intelligenza artificiale al futuro del lavoro e dell’apprendimento, i musei offrono spazi di confronto su questioni decisive per le società contemporanee – aggiunge Michela Rota di Ecosistema Futuro. Il Manifesto li invita a affrontare questi ed altri temi chiave con una postura di alfabetizzazione ai futuri e di pensiero anticipante, portandoli nelle mostre e nelle attività educative, coinvolgendo le comunità nell’esplorazione di scenari futuri”, sottolinea Michela Rota, coordinatrice dell’area Musei dei Futuri del progetto Ecosistema Futuro.

L’iniziativa si inserisce nell’ambito della 40^a edizione di “Futuro Remoto”, organizzata da Città della Scienza e dedicata proprio a “L’immaginazione di futuri”. “Celebrare questa ricorrenza non significa volgersi indietro con nostalgia, ma rinnovare con fermezza una promessa civile: fare della scienza un bene comune, vivo e condiviso –dichiara Giovanni Covone, presidente di Città della Scienza- “Il Manifesto dei Musei dei Futuri sarà una sfida per trasformare le istituzioni culturali in vere e proprie antenne di innovazione e laboratori di sostenibilità capaci di orientare le scelte del presente”.

L’evento è stato dedicato alla memoria di Michele Lanzinger, storico direttore del MUSE e figura di riferimento della museologia europea, per ricordare il suo contributo alla nascita del Network e alla riflessione sul ruolo dei musei e sulla loro capacità di confrontarsi con le sfide del presente e del futuro. All’incontro sono intervenuti Giovanni Covone, presidente di Fondazione Idis – Città della Scienza; Enrico Giovannini, direttore scientifico dell’ASviS; Antonella Pinna, presidente di ICOM Italia; Anna Flavia Cimmino, dirigente del Servizio II (Coordinamento tecnico e monitoraggio del DiVA) del Ministero della Cultura; Luca Miggiano e Michela Rota di Ecosistema Futuro.

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Focus di approfondimento– Gli eventi in programma nei Musei del Network

Da Napoli a Trento, da Torino a Trinitapoli in provincia di Barletta: proseguono le iniziative promosse dal Network dei Musei dei Futuri, iniziativa realizzata attraverso la collaborazione tra Ecosistema Futuro e ICOM Italia. L’elenco dei musei aderenti al Network dei Musei dei Futuri – Ecosistema Futuro e le loro iniziative sono consultabili qui: Public Programme del Network Musei dei Futuri.

Il Festival “Futuro Remoto” si svolge dal 10 al 15 novembre alla Città della Scienza a Napoli. Dedicato quest’anno a “L’immaginazione di futuri” il Festival prevede l’ingresso gratuito a tutte le attività del Science Centre. Si apre il 10 novembre con la lectio magistralis del Premio Nobel per la Medicina 2026 Georg Nagel; tra gli ospiti Silvia Bencivelli, Massimo Polidoro, Roberto Mercadini e il Presidente dell’INAF Roberto Ragazzoni. Da novembre il cuore di Città della Scienza e l’intero territorio regionale si trasformano in un grande laboratorio diffuso, pronto a generare nuove visioni per il futuro. Dopo la tappa inaugurale di Napoli, “Futuro remoto” proseguirà il suo viaggio in Campania a Salerno, Caserta, Benevento e Avellino con un ricco programma di incontri, laboratori e attività dedicate alla scienza, alla conoscenza e immaginazione del futuro. Foto Città della Scienza:

https://drive.google.com/drive/folders/1Y7aP7QvPo7fUVFgW2wHZUCjcdh-yEPwL?usp=drive_link

Al MUSE – Museo delle Scienze di Trento il “Parlamento della Biodiversità”, aperto fino al 6 giugno 2027, è allestito come un’aula parlamentare in cui al posto degli Stati siedono i biomi: i visitatori possono prendere la parola a nome di una specie. “Non abbiamo risposte pronte: abbiamo costruito uno spazio in cui riscoprire la bellezza e la complessità della rete della vita e immaginare insieme nuovi modi di abitare il pianeta”, spiega il team curatoriale, composto da Elisabetta Filosi, Lucilla Galatà, Osvaldo Negra e Laura Scillitani. Sempre al MUSE, “Messaggi dal domani” adatta il gioco narrativo Alice is Missing: i partecipanti indagano la scomparsa di Alice in una cittadina immaginaria del 2031, comunicando solo con messaggi scritti. Foto MUSE:

https://drive.google.com/drive/folders/1aGAnwZd70nhkKJwZbEQPWkODyRBTyP7Y?usp=sharing

Al MART – Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto il progetto “Io, l’arte e i futuri” e i laboratori per le scuole “Crononauta e Futuri in prima persona partono dalle opere d’arte del museo, in collaborazione con l’Italian Institute for the Future e l’ALAF – Associação Latina de Futuros. “Occuparsi dei futuri, come ci ha insegnato Federica Moscatelli, ha un significato profondo: l’idea di co-spirare. Organizzarci, cioè, per respirare insieme”, afferma Carlo Tamanini, responsabile dell’Area Educazione e Mediazione del Mart. Foto MART:

https://drive.google.com/drive/folders/1nq5aDN9kRtFqrbJUDDS2fhxi14rSRGw-?usp=drive_link

Al MAUTO – Museo Nazionale dell’Automobile di Torino, giovedì 26 novembre, “Play the Future” dedica una giornata alla Gen Z, ai linguaggi e alle competenze del futuro, esplorando il rapporto tra automobile, innovazione tecnologica, creatività e cultura digitale. Studenti e giovani creativi saranno coinvolti in prima persona tra workshop di progettazione digitale, sperimentazioni su Roblox, sfide di progettazione automobilistica e attività sulle competenze STEM, fino a un Live Gaming Show aperto al pubblico: un programma che intreccia cultura automobilistica, gaming e nuove forme di comunicazione per dare ai giovani un ruolo da protagonisti nell’immaginare la mobilità del futuro. Foto MAUTO:

https://drive.google.com/drive/folders/11ZOJtTdTa_YKYNIHaPhHAf4X9hnpbVFM?usp=sharing

Al Museo e Parco Archeologico degli Ipogei di Trinitapoli, dal 21 novembre 2026 al 21 febbraio 2027, la mostra “Materia e algoritmo. Il patrimonio tra archeologia e codice di Gabriele Strada”, a cura di Davide Russo, propone otto installazioni multimediali e interattive che mettono in dialogo patrimonio archeologico e linguaggi digitali, tra intelligenza artificiale, luce e sound design. Il programma, ideato dalla direttrice Mariangela Lo Zupone con la Rete Museale AltApulia – Puglia Culture, comprende anche un workshop per operatori museali, laboratori per le scuole e una tavola rotonda sul museo di domani. “Il percorso avviato un anno fa con ICOM Italia e ASviS ha proiettato la nostra realtà museale in un’ottica innovativa e mai sperimentata finora, di cui sono particolarmente felice”, afferma il sindaco di Trinitapoli Francesco Di Feo. Foto Trinitapoli:

https://drive.google.com/drive/folders/1MgjxSn4r_80RoQE2ZHNDuwR4tPdLf_uK?usp=drive_link

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Ecosistema Futuro è una partnership nata a maggio 2025 per mettere il futuro – o meglio, i futuri – e il pensiero a lungo termine al centro della riflessione culturale, politica, economica e sociale del Paese. In questo momento più di 100 soggetti partecipano attivamente all’iniziativa, con quattro aree di lavoro, dedicate alla Ricerca, alla Divulgazione, all’ Educazione e alla Cultura e alla Partecipazione. Ecosistema Futuro www.ecosistemafuturo.it è promosso dall’Alleanza Italiana per lo Sviluppo Sostenibile ETS (ASviS), la più grande rete di organizzazioni della società civile italiana nata per diffondere la cultura della sostenibilità e far crescere nella società, nei soggetti economici e nelle istituzioni la consapevolezza dell’importanza degli Obiettivi di sviluppo sostenibile dell’Agenda 2030. www.asvis.it

Ecosistema Futuro ringrazia il Ministero della Cultura in qualità di partner istituzionale di questo progetto. Si ringraziano, inoltre: i partner strategici Entopan, IntesaSanpaolo, IREN, Gruppo RANDSTAD, Terravision Electric e TOYOTA Material Handling per il sostegno all’iniziativa; Strategic Partners per il supporto strategico; il partner d’area Fondazione Ericsson per il sostegno alle attività dell’area Musei dei Futuri. 

Lo scrittore e giornalista Davide Buzzi torna in libreria dal 28 ottobre con “La vera storia della morta sbagliata” (96, Rue de-La-Fontaine Edizioni per la collana La Rue Morgue), una commedia corale di paese dal sapore paradossale, costruita su dialoghi vivaci, ironia, umorismo nero e una galleria di personaggi irresistibilmente umani.

Ci troviamo nel piccolo Comune di Ronco, in Valle di Blenio, dove la chiusura della squadra di calcio locale lascia inutilizzato lo storico campo della Boscerina, di proprietà della parrocchia. La decisione di mettere a concorso il sedime per scopi agricoli o industriali attira subito l’interesse di diversi candidati, ognuno portatore di un progetto diverso e con ottime ragioni per voler mettere le mani su quel terreno.

Mentre il paese discute, prende posizione e si divide tra ambizioni imprenditoriali, interessi personali e inevitabili pettegolezzi, un fatto del tutto imprevisto sconvolge la tranquilla quotidianità della comunità. Quello che dovrebbe essere un normale funerale si trasforma infatti nell’inizio di una vicenda tanto assurda quanto difficile da rimediare.

Tra parroci, impresari di pompe funebri, commercianti, parenti indignati e personaggi di paese, una concatenazione di equivoci porta tutti a confrontarsi con una situazione sempre più paradossale, nella quale il confine tra tragedia e commedia diventa sottilissimo.

«Questo libro è nato un po’ da una domanda semplice: cosa succede quando, in un posto dove tutti si conoscono e tutti hanno qualcosa da dire, una piccola cosa va storta? Da lì ho cominciato a immaginare persone, situazioni, voci, caratteri; e più andavo avanti, più mi accorgevo che la storia parlava sì della morte, ma soprattutto dei vivi, delle loro paure, delle fissazioni, dell’orgoglio, delle incomprensioni e di quella strana capacità che abbiamo di complicare anche le cose più semplici – ha dichiarato Davide Buzzi.

Per farlo, volevo un paese credibile, abbastanza vero da sembrare esistito da sempre, ma abbastanza libero da permettermi di inventare persone, dinamiche e situazioni senza dover rendere conto a nessuno.

In posti così una storia non appartiene mai a una sola persona, passa continuamente di mano in mano, viene commentata, deformata, ingigantita. E a me interessava proprio questo, il modo in cui una comunità trasforma un fatto in un racconto. Alla fine credo che il libro parli anche di memoria, di appartenenza e di quel bisogno molto umano di sentirsi parte di qualcosa, persino quando quel qualcosa ci fa arrabbiare.

La scrittura è stata molto istintiva, spesso divertente, a volte quasi come stare ad ascoltare una conversazione al tavolo accanto; cercavo soprattutto il tono giusto, quello in cui si può sorridere anche di qualcosa di serio senza mancare di rispetto. Non volevo dare una morale precisa, preferivo lasciare il lettore libero di riconoscere qualcosa di sé o degli altri in questi personaggi. In fondo, credo che il romanzo dica una cosa abbastanza semplice: siamo tutti un po’ ridicoli, un po’ fragili e molto più umani di quanto ci piaccia ammettere.»

«“La vera storia della morta sbagliata” è un’opera che sa coniugare la freschezza del racconto corale con una raffinata satira di costume – ha commentato la casa editrice. Radicato nell’atmosfera autentica della Valle di Blenio, il romanzo trasforma la quotidianità di un piccolo paese in un teatro universale dell’assurdo. Tra equivoci crescenti e personaggi indimenticabili, Davide Buzzi firma una commedia umana moderna, capace di far sorridere e, al tempo stesso, far riflettere sul senso di comunità e sull’inevitabilità del tempo che passa.»

Con “La vera storia della morta sbagliata”, il viaggio letterario di Davide Buzzi non si esaurirà peraltro con l’ultima pagina, ma lascia aperta la strada a nuovi sviluppi e rivelazioni. Il paese, i suoi personaggi e le loro vicende torneranno, infatti, a intrecciarsi nel secondo romanzo della dilogia, perché per un autore, quando inventa un posto e comincia davvero ad abitarlo con i personaggi, non è poi così facile chiudere la porta e andarsene.

DATI TECNICI

Autore: Davide Buzzi

Titolo: La vera storia della morta sbagliata

Casa editrice: 96, Rue de-La-Fontaine Edizioni

Uscita: 28 ottobre 2026

Collana: La Rue Morgue

Numero pagine: 210

Prezzo: 19,00 Euro

EAN: 9788893990561

ISBN: 978-88-9399-056-1

Davide Buzzi è cantautore, scrittore, fotografo e autore svizzero con oltre trent’anni di attività artistica. Ha pubblicato cinque album e quattro libri, esibendosi in diversi paesi europei. Ha ottenuto riconoscimenti internazionali, tra cui la Targa Città di Milano, il Premio Città di San Bonifacio, una nomination agli ISMA Award di Milwaukee (USA), tre nomination ai NAMMY Award di Niagara Falls (USA), il NAMMY Award 2025 per il videoclip animato The She Wolf e il RED Movie Award, ottenuto nel 2023 a Reims (Francia) per il booktrailer del romanzo Memoriale di un anomalo omicida seriale (96, Rue de-La-Fontaine Edizioni). Il suo romanzo L’estate di Achille (Morellini Editore) è stato segnalato al Premio Strega 2023. Giornalista attivo nel campo della cronaca locale e della musica, ha collaborato con la Radio svizzera di lingua italiana e con Radio Ticino. Nel 2021 ha ricevuto il Premio di Giornalismo della Svizzera italiana.