Da venerdì 18 settembre 2026 sarà disponibile su tutte le piattaforme digitali di streaming “Face to face”, il nuovo album dei musicisti torinesi Ivano Icardi & Davide Liberti (© & ℗ 2026 Machiavelli Music per la label Machiavelli Music Artist Series).

“Face to Face” è l’incontro diretto tra due voci strumentali che scelgono di mettersi a nudo senza filtri. La chitarra elettrica di Ivano Icardi — nota per l’identità timbrica definita e un linguaggio che unisce ricerca sonora, profondità melodica e sensibilità narrativa — incrocia il contrabbasso di Davide Liberti, musicista di grande maturità espressiva e straordinaria padronanza tecnica.

Due strumenti apparentemente distanti trovano una profonda sintonia attraverso un dialogo continuo fatto di ascolto, dinamica e interplay. Più che un semplice duo, il progetto rappresenta un vero confronto d’identità musicali. L’album raccoglie dieci brani — nove composizioni originali e un’intensa rilettura di “Time After Time” — registrati e prodotti allo Skyline Studio di Torino.

L’intesa artistica nasce da un equilibrio naturale tra composizione, improvvisazione e ricerca timbrica. Le atmosfere cinematiche e i momenti di maggiore tensione emotiva ruotano attorno a melodie forti, dando vita a brani strumentali che conservano la struttura e il respiro tipici della canzone.

Al centro di tutto c’è la cura per il suono. Il timbro caldo e rotondo della chitarra di Icardi dialoga con il contrabbasso di Liberti, che si impone come voce protagonista tra virtuismo, precisione e una rara sensibilità melodica. La qualità di registrazione valorizza ogni singola sfumatura dell’interazione live.

Pur inserendosi nel jazz contemporaneo, “Face to Face” ne valica i confini grazie a una scrittura melodica incisiva e a un’esplorazione sonora che richiama maestri come Pat Metheny e Bill Frisell. La tecnica non è mai fine a se stessa, ma rimane sempre al servizio dell’espressione e della narrazione.

“Face to Face” è un album che trasforma la musica in un racconto condiviso, guidato da due personalità musicali uniche e da un linguaggio comune.

TRACK-LIST:

• Sunrays

• Blue Essence

• Path Of Life

• Kid Savage

• You Never Speak

• Enery

• Odessa

• Sankarà

• First Breath

1. Time After Time

Spiega Ivano Icardi a proposito del nuovo progetto discografico: “Questo progetto nasce da un bisogno di autenticità. Sentivo che la musica, per tornare a essere davvero mia, doveva liberarsi da ciò che è pensato, costruito, previsto. Avevo bisogno di ritrovare il gesto puro: il suono che nasce mentre lo stai cercando, la nota che arriva perché la stai ascoltando, non perché l’hai immaginata prima. Da questa urgenza ha preso forma il disco.

Ho scelto di condividere questo percorso con Davide perché in lui riconosco una sensibilità umana e musicale rara. È un musicista capace di unire una tecnica eccelsa a una libertà improvvisativa fuori dal comune, una profondità di ascolto e una capacità di trasformare ogni istante in musica. La sua grandezza non è soltanto nello strumento, ma nel modo in cui riesce a dare significato a ogni nota. Con Davide la musica non si prepara: accade. Tra noi c’è un ascolto profondo, una fiducia che permette alla musica di muoversi da sola. Bastano pochi secondi, un’idea appena accennata, e tutto prende forma con naturalezza. Ricordo quando abbiamo affrontato First Breath: non avevamo nulla, solo una tonalità suggerita a mezza voce. Abbiamo iniziato a suonare e il brano è nato come un respiro condiviso, qualcosa che senti emergere e capisci subito che non devi controllare, ma soltanto accompagnare.

Anche gli altri brani sono cresciuti così: da intuizioni, silenzi, piccoli frammenti diventati musica. È un disco che non nasce dal desiderio di impressionare, ma dalla necessità di essere autentico. Due strumenti che si incontrano, si ascoltano, si influenzano e scoprono insieme la direzione da prendere.

Per me rappresenta una forma di libertà: la musica che torna a essere un atto vivo, presente, necessario. Un momento irripetibile in cui il suono non viene semplicemente eseguito, ma prende forma davanti a te.”

Aggiunge Davide Liberti: “Questo progetto per me è stato un incontro raro. Con Ivano ho trovato una sintonia che non si costruisce: nasce. Durante i concerti dedicati a Unconventional ho percepito un dialogo naturale, un ascolto profondo, un modo di suonare insieme che andava oltre la musica. Da quella sensazione è nata l’idea di registrare un disco in duo, senza piani, senza strutture, lasciando che tutto accadesse nel momento.

In studio abbiamo seguito la stessa filosofia. Alcuni brani sono nati da improvvisazioni pure, da gesti spontanei che si sono trasformati in musica senza essere cercati. Altri appartengono al nostro repertorio personale, brani che portiamo dentro da tempo e che qui hanno trovato una nuova forma, più intima e più essenziale. Questa combinazione ha dato al disco un equilibrio naturale: la libertà dell’istante e la profondità della nostra storia musicale.

È stato sorprendente vedere come tutto si muovesse con fluidità. Bastava un accenno, un colore, e la musica prendeva forma da sola, senza forzature. Lavorare con Ivano significa condividere una visione della musica che mette al centro la sincerità: ogni nota ha un peso, ogni gesto un significato. La sua sensibilità artistica e umana rende questo dialogo qualcosa di prezioso.

Questo disco non è stato progettato: è accaduto. È la testimonianza di due strumenti che si ascoltano, si fidano, si influenzano e trovano una direzione comune. Per me rappresenta un momento di verità: la musica che nasce libera, senza maschere, senza sovrastrutture. Un’esperienza rara, che sono felice di aver potuto vivere e fissare in queste registrazioni.”

Ascolta qui l’album

Biografie

IVANO ICARDI

Ivano Icardi è una delle voci più personali e riconoscibili della chitarra moderna italiana. Nato a Torino nel 1975, cresce circondato dalla musica e sviluppa fin da giovanissimo un linguaggio che unisce tecnica, sensibilità melodica e una profonda ricerca del suono.

Dopo una lunga esperienza come produttore, autore e compositore per alcune tra le principali realtà discografiche e televisive — Warner, Sony, Universal, RAI, Mediaset, Sky e Walt Disney —, sceglie di riportare la chitarra al centro del proprio percorso creativo, intraprendendo una ricerca che lo conduce a definire un’identità musicale distintiva, sospesa tra jazz contemporaneo, narrativa sonora, rock e modern guitar.

Il debutto solista arriva nel 2013 con Walking With The Giants, pubblicato dall’etichetta americana Favored Nations di Steve Vai. Negli anni successivi collabora con musicisti di fama internazionale come Gregg Bissonette, Bryan Beller, Fabrizio Grossi, John Giblin e Kenny Aronoff, consolidando una poetica in cui virtuosimo, melodia e ricerca timbrica convivono in perfetto equilibrio.

Con So Far Away (2016), Live at Umbria Blues Festival (2019) e soprattutto Unconventional (2023), Icardi afferma una cifra stilistica matura, approfondita anche nel volume Unconventional – Un viaggio nell’arte della chitarra moderna (Volontè & Co.), dedicato alla sua visione artistica e al suo approccio allo strumento.

Accanto all’attività discografica, porta avanti un’intensa attività concertistica con il proprio trio, esibendosi in festival e rassegne in tutta Italia e collaborando con alcuni dei più apprezzati musicisti della scena nazionale. Dal 2019 è fondatore e proprietario dello Skyline Studio di Vinovo, uno spazio creativo dedicato alla produzione discografica, alle colonne sonore e allo sviluppo di progetti artistici, dove competenze tecniche, sensibilità musicale e qualità sonora convergono in un’unica visione.

Artista ufficiale Ibanez, produttore pluripremiato, compositore e docente con oltre trent’anni di esperienza, Ivano Icardi rappresenta oggi una figura di riferimento della chitarra contemporanea italiana. Il suo stile, caratterizzato da una forte riconoscibilità timbrica, unisce eleganza espressiva, profondità melodica e continua ricerca del suono, mettendo sempre la tecnica al servizio della musica e dell’emozione.

INSTAGRAM  https://www.instagram.com/ivano_icardi

DAVIDE LIBERTI

Davide Liberti (Torino, 2 ottobre 1980) è un contrabbassista e bassista elettrico attivo nella scena jazz italiana, riconosciuto per la versatilità timbrica e per un linguaggio personale sviluppato sul contrabbasso a 5 corde. Inizia lo studio del basso elettrico a quattordici anni, per poi avvicinarsi al jazz e intraprendere da autodidatta il percorso sul contrabbasso, ispirato dall’ascolto di Scott LaFaro.

Si forma al Conservatorio “Giuseppe Verdi” di Torino nel triennio jazzistico, consolidando una visione musicale aperta e contemporanea. Nel corso della sua carriera si esibisce in numerosi festival e rassegne nazionali e internazionali, tra cui Clusone, Iseo Jazz, Piacenza Jazz Festival, Cagliari Jazz Meeting, Trieste Love Jazz, Torino Jazz Festival, Bologna Jazz Festival, Jazz Piano Festival Praga, European Jazz Festival, Bucarest, Festival Voci Pigna.

Ha collaborato con artisti di rilievo come Billy Cobham, Chad LB, Randy Brecker, Tineke Postma, Christian Escoudé, George Garzone, Maurizio Giammarco, Flavio Boltro, Fabrizio Bosso, Giovanni Falzone, Fabio Giachino, Emanuele Cisi, Furio Di Castri, Gianni Virone, Mattia Barbieri e molti altri, costruendo un percorso ricco di esperienze e progetti trasversali.

È membro stabile del trio di Fabio Giachino e partecipa a diverse produzioni discografiche.

Parallelamente all’attività concertistica, Liberti insegna contrabbasso e basso elettrico presso la Jazz School Torino e ha collaborato con la Scuola di Alto Perfezionamento Musicale di Saluzzo, contribuendo alla formazione di nuove generazioni di musicisti.

La sua cifra stilistica unisce profondità espressiva, rigore ritmico e una sensibilità melodica che rende il suo suono immediatamente riconoscibile. Negli anni ha sviluppato un approccio che fonde tradizione jazzistica, modernità e una forte attenzione alla dimensione timbrica, qualità che lo rendono una presenza autorevole e ricercata nella scena contemporanea.

INSTAGRAM  https://www.instagram.com/davideddie80

Da venerdì 18 settembre è disponibile la nuova stagione di “Roast in Peace” su Prime Video: Filadelfo Castro firma la colonna sonora originale e la consulenza musicale della serie, portando sul set un inedito commento comico tra coro Gospel e organo dal vivo, realizzato con arrangiamenti polifonici innovativi e originali.

Filadelfo Castro firma la colonna sonora originale e la consulenza musicale della seconda stagione di Roast in Peace, il celebre comedy show in arrivo il 18 settembre 2026 su Prime Video. Il compositore e produttore rinnova così la collaborazione con uno dei format di punta della piattaforma, alzando l’asticella della sperimentazione sonora televisiva.

È anche nell’impronta musicale voluta da Filadelfo Castro e Francesco Lancia che risiede il cuore creativo di questa nuova stagione. Ispirandosi al Gospel tradizionale e contemporaneo, arricchito da influenze soul, R&B e hip hop, il compositore ha dato vita a un esperimento raro sul piccolo schermo: portare direttamente sul set un coro Gospel e un organista per eseguire dal vivo ogni stacco, jingle e commento musicale. Una presenza scenica e sonora attiva, dove le partiture scritte si fondono con momenti di pura improvvisazione che dialogano in tempo reale con i comici e con lo storytelling dello show.

Tutti i brani strumentali originali sono composti da Filadelfo Castro che ha co-scritto anche le canzoni presenti nello show insieme a Stefano Paviani e Francesco Lancia.  I brani sono stati interamente prodotti, registrati e mixati dallo stesso Castro presso i suoi studi Beatfactory di Como. Tra gli ospiti musicali ci sarà anche un cameo di Francesca Michielin.

Il soundscape ritma e amplifica così il meccanismo dissacrante del programma condotto da Michela Giraud, prodotto da Stand by me con la regia di Alessio Pollacci e il team autorale guidato da Francesco Lancia. In ogni episodio una celebrità assiste al proprio surreale “funerale”, tra battute al vetriolo e omaggi spietati. I “roastati” di quest’anno sono Alessandro Borghese, Giuseppe Cruciani, Fedez, Simona Ventura e Asia Argento, arrostiti in scena dai comici Max Angioni, Eleazaro Rossi, Stefano Rapone e Martina Catuzzi.

“Un esperimento unico: unire composizioni complesse, testi comici e la sfida di un ensemble vocale dal vivo basato sulla polifonia. Ne sono molto orgoglioso.” (Filadelfo Castro)

Biografia

Filadelfo Castro è uno dei produttori più attivi della scena musicale italiana e tra i compositori televisivi più richiesti del Paese. Come produttore e arrangiatore firma o co-firma oltre 150 tra singoli e album per Universal, Sony, Warner, BMG e molte altre etichette, lavorando al fianco di alcuni dei nomi più importanti della musica italiana — tra cui Tiziano Ferro, LDA, Pooh, Max Pezzali, Rita Pavone, Dodi Battaglia, Riccardo Fogli, Amedeo Minghi, Shel Shapiro, Gatto Panceri, Valerio Scanu, Daniele Battaglia, Claudio Cecchetto, Maurizio Vandelli, Tony Esposito e Orietta Berti — e la sua attività varca i confini nazionali collaborando con artisti internazionali come Paolo Nutini, Chris Joyce (Simply Red), Ronn Moss, Tommy Emmanuel, Lola Ponce, Marie Claire D’Ubaldo, Al Di Meola, Miró e Pepe Lopez.

Nel 2020 dirige l’orchestra al Festival di Sanremo per Rita Pavone, un traguardo che ne consacra la statura di direttore d’orchestra. Nel 2024 vince l’Emmy Award come compositore della serie TV americana Italy Made with Love, nella categoria Outstanding Educational & Informational Program, confermandosi tra i compositori di musica per le immagini — cinema, TV e pubblicità — più richiesti in Italia.

La sua musica accompagna alcune tra le produzioni più seguite della televisione e dello streaming italiano e internazionale: firma colonne sonore e sigle di serie e film come Sara e Marti (Disney), Apri e vinci (Rai 2), L’Aquila 3:32 (Rai 2, prima serata), Dottori in corsia (Rai 3, prima serata), Ambrosoli – Il prezzo del coraggio (Rai 1, prima serata), Nuovi Eroi (Rai 3, prima serata), Jams (Rai Gulp) e I Cavalieri di Castelcorvo (Disney Italia). Compone inoltre per FERRO, il documentario di Prime Video sulla vita di Tiziano Ferro, e per la serie Netflix Di4ri. Il suo lavoro di compositore e consulente musicale attraversa show e docu-serie di grande richiamo come Dinner Club (stagioni 1, 2 e 3 – Prime Video), Unica (Netflix), The Ferragnez (Prime Video), Summer Job (Netflix), Ilary (Netflix), Roast in Peace (Prime Video) e molti altri titoli per Rai, LA7, TV8 e Real Time, tra cui Lingo, FarWest, Il forno delle meraviglie, Primo appuntamento, 100% Italia, In & Out e Facci ridere.

Con base al Beatfactory Recording Studio di Como, Filadelfo Castro continua oggi a comporre, produrre e arrangiare, muovendosi con naturalezza tra musica applicata alle immagini e produzione discografica.

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Dal 18 settembre 2026 sarà disponibile sulle piattaforme digitali di streaming e in rotazione radiofonica “Il primo ballo”, il nuovo singolo di Call me Laura per Rosso al tramonto.

“Il primo ballo” è un brano pop dal sapore cantautorale che unisce un sound caldo, moderno e coinvolgente a una scrittura intima e cinematografica. Il tema centrale della canzone è l’amore vissuto nella sua dimensione più vera: quello che cresce lontano dai riflettori, tra le piccole abitudini, le imperfezioni e i momenti condivisi. Le immagini del testo, come la televisione guardata insieme, un tiramisù senza glutine condiviso, le scarpe lasciate all’ingresso, un bacio al semaforo rosso o un ballo improvvisato davanti alla luce di un frigorifero aperto, diventano fotografie di una relazione autentica. Il “primo ballo” diventa così la metafora del brano: non la celebrazione tradizionale, ma la capacità di continuare a scegliersi ogni giorno, invitando a riscoprire la bellezza nascosta nella quotidianità.

Spiega l’artista a proposito del nuovo singolo: “Sentivo il bisogno di raccontare un amore diverso da quello che spesso ascoltiamo nelle canzoni. Non un amore che dice ‘senza di te muoio’, ma un amore in cui due persone scelgono di camminare insieme senza smettere di essere sé stesse. Un amore che non nasce dalla mancanza, ma dalla condivisione. Anche il verso ‘noi che mangiamo un tiramisù senza glutine senza un pretesto’ racconta proprio questo. Essendo celiaca, quel dettaglio parla di me, ma soprattutto parla di un gesto d’amore. Credo che l’amore vero sia fatto di attenzioni così: silenziose, quotidiane, quasi invisibili, ma capaci di farti sentire profondamente visto e accolto“.

Il videoclip di “Il primo ballo” nasce dall’idea di raccontare l’amore attraverso la sua dimensione più vera e spontanea: la quotidianità. In un ambiente intimo e familiare, privo di grandi scenografie, la luce di una casa e i piccoli rituali di ogni giorno diventano il linguaggio visivo della canzone, restituendo l’idea di un sentimento imperfetto, spontaneo e fatto di profonda complicità.

Guarda il videoclip su YouTube: https://youtu.be/mNtz4qKoJmw

BIO

Call me Laura, progetto della cantautrice Laura Frigau (classe 1994), fa della quotidianità il luogo in cui prendono forma le emozioni più profonde. Il suo percorso inizia da bambina sognando la batteria, per poi deviare verso la chitarra e successivamente la viola in Conservatorio. Dopo anni in cui il canto rimane uno spazio strettamente personale, un periodo di silenzio si trasforma nella spinta per ricominciare: nell’ottobre 2024 firma il suo primo contratto discografico con Up Music. Il suo racconto musicale inizia con “La vita è una danza” (sull’accettazione del cambiamento) e “Dietro le nuvole” (sulla resilienza), per poi aprirsi, con “Il primo ballo“, alla bellezza delle piccole abitudini condivise in amore. Musicalmente, si muove in un pop contemporaneo dal respiro cantautorale, trasformando la normalità in emozione per permettere a chi ascolta di ritrovarsi nelle sue storie.

“Il primo ballo” è il nuovo singolo di Call me Laura per Rosso al tramonto, disponibile sulle piattaforme digitali e in rotazione radiofonica dal 18 settembre 2026.

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Il digitale ha cancellato l’oblio, ma non l’abbandono. Le fotografie non scoloriscono più nei cassetti, le conversazioni rimangono archiviate nei telefoni e i volti che vorremmo dimenticare possono ricomparire sullo schermo in qualsiasi momento. Di chi se ne va continuiamo a sapere dove si trova, che cosa pubblica, perfino quando è online, ma quasi mai sappiamo perché abbia smesso di esserci.

“Sono spariti tutti”, il nuovo singolo del cantautore rock Luca Salmaso per Bravehop Records/The Orchard, racconta ciò che rimane di un legame, che si tratti di un amore o di un’amicizia, quando le tracce sono ancora tutte lì, ma non è mai arrivata una parola capace di chiuderlo.

Perché essere lasciati fa male, ma non sapere se quel rapporto sia davvero finito può essere ancora più doloroso.

È quanto emerge anche da una ricerca pubblicata nel 2025 su Computers in Human Behavior, nella quale le reazioni al ghosting sono state seguite per diversi giorni e confrontate con quelle provocate da un rifiuto esplicito. Il rifiuto dichiarato produceva una sofferenza più immediata e circoscritta; quando ogni comunicazione veniva interrotta senza spiegazioni, invece, la sensazione di smarrimento durava più a lungo. Non essendoci una chiusura esplicita con cui fare i conti, diventa più difficile riconoscerla.

Un’indagine ancora più recente, pubblicata il 31 agosto 2026 sul Personality and Social Psychology Bulletin, ha inoltre osservato la stessa dinamica dalla parte di chi smette di rispondere. Nei tre studi condotti su 1.146 partecipanti, chi subiva il ghosting tendeva a sottovalutare il disagio provato dall’altra persona per aver interrotto la comunicazione. Il dato non rende meno doloroso il silenzio e non lo giustifica, ma rivela quanto facilmente, quando le parole vengono meno, entrambe le persone possano fraintendere ciò che sta accadendo dall’altra parte.

Chi rimane non sa perché l’altro sia sparito; chi sparisce può non sapere fino in fondo che cosa abbia provocato. Nel mezzo resta un rapporto che nessuno ha dichiarato concluso.

“Sono spariti tutti” s’infila in questo gap, nella distanza tra ciò che una persona prova e ciò che l’altra può sapere.

«Sono spariti tutti, dalle foto nei cassetti alle frasi nei biglietti», canta Luca. Nelle fotografie ci sono persone che non fanno più parte della nostra vita; nei biglietti rimangono parole, frasi e sentimenti che oggi, forse, non sapremmo più a chi rivolgere. Poco dopo, però, il brano prende una direzione inattesa: «lo spazio vuoto tra noi non è nemmeno così male».

Luca non cerca chi se n’è andato e non gli chiede di tornare. Fuori piove, l’odore della pelle bagnata copre ogni altro profumo e nel buio si vedono soltanto le sigarette accese. Poi, quel «se ho bisogno, in fondo so dove trovarti», rimanda inevitabilmente al nostro tempo: oggi, per ritrovare qualcuno, spesso basta aprire un social. Da una parte consola sapere che quella persona è ancora lì; dall’altra, continuare a vederla può impedire alla fine di diventare davvero tale. Se non si sceglie di interrompere anche quel contatto, si può continuare a guardare la vita dell’altro mentre si cerca ancora di capire che posto abbia nella propria.

In quel “tutti” del titolo Luca non mette soltanto chi se n’è andato, ma una società ossessionata dall’immagine, dove la presenza sembra dipendere da quanto ci mostriamo. E se, una volta tolte le fotografie, i post e tutto quello che esibiamo, sotto non rimanesse niente?

Accompagnato dal videoclip ufficiale diretto da Alex Ciuffreda, “Sono spariti tutti” anticipa “Quello che resta”, il quarto album dell’artista brianzolo, la cui uscita è prevista per gennaio 2027. Il cantautore sta lavorando al disco nel proprio studio, dove negli anni ha registrato decine di provini.

«Ho scritto “Sono spariti tutti” – dichiara Salmaso – perché avevo bisogno di raccontare il mio mondo e quello che vedo fuori, dal mio punto di vista. Pubblico musica da anni e sento di avere raggiunto una maturità che oggi mi permette di dire ciò che penso, ciò che voglio e ciò che vorrei. Nel tempo ho perso qualcosa lungo la strada; il resto l’ho trasformato in canzoni.»

Da “Zero”, pubblicato nel 2018, ai due album usciti nel 2024, “Draghi fama e fango” e “Discoverdrive”, fino ai singoli che hanno segnato gli ultimi anni della sua produzione, Luca Salmaso ha continuato a scrivere e registrare senza interrompere un percorso che oggi arriva al suo quarto disco. “Sono spariti tutti” ne è il primo capitolo e fissa l’incipit di un progetto che sceglie la concretezza delle chitarre per raccontare quanto riescano ancora a mantenersi i rapporti, in un tempo in cui sparire non significa più diventare irreperibili.

Dal 18 settembre 2026 sarà disponibile sulle piattaforme digitali di streaming “Hold me”, il singolo d’esordio di L!O. Il progetto, distribuito da Warner Music Italia, vede il management a cura di AltaVibe Music, le edizioni a cura di CHIESA & Partners e il supporto di G-Box.

“Hold Me” racconta la storia di chi vede allontanarsi la persona amata, rendendosi conto solo troppo tardi del valore immenso di quel legame. Attraverso una narrazione intima, il brano esplora il peso dei ricordi che restano, il rimpianto per le parole mai pronunciate e l’eterna speranza di un ricongiungimento, condensata nel verso-chiave “All I want is you to hold me”. Una traccia intensa che parla di amore, assenza e del disperato desiderio di una seconda possibilità.

Spiega l’artista a proposito del brano: “Il mio nuovo singolo racconta una storia fatta di ricordi e parole rimaste in sospeso. Questo brano nasce dal profondo desiderio di esprimere quel senso di smarrimento che si prova quando una persona speciale si allontana e si vorrebbe fare di tutto per trattenerla. Attraverso il verso ‘All I want is you to hold me’, ho voluto trasformare la mancanza in musica. Spero che questa canzone possa toccarvi il cuore e che ognuno di voi riesca a ritrovarci un pezzo della propria storia.”

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Biografia

L!O è un cantautore e musicista emergente. La sua musica unisce la sensibilità cantautorale alle sonorità del pop inglese contemporaneo, ispirandosi ad artisti del calibro di Justin Bieber e Sam Smith. Attraverso il pianoforte, suo strumento principale, esprime un linguaggio emotivo e autentico, in cui melodia e introspezione si fondono per raccontare dinamiche ed esperienze personali.

Attualmente sta lavorando al suo primo progetto discografico in uscita nel 2027, affiancato dal management di AltaVibe Music, dall’editore CHIESA & Partners e con il supporto di G-Box.

Molto attivo anche sui social media, L!O sta costruendo la propria identità artistica condividendo contenuti musicali, momenti creativi e aggiornamenti sul suo percorso. La recente pubblicazione di una cover su YouTube e sui suoi canali digitali ha dato il via a un progetto di comunicazione e crescita che accompagnerà passo dopo passo l’uscita della sua musica originale nei prossimi mesi.

“Hold me” è il nuovo singolo di L!O, disponibile sulle piattaforme digitali di streaming dal 18 settembre 2026.

Dal 18 settembre 2026 sarà in rotazione radiofonica “Lanterna di fuoco”, il nuovo singolo di Massimo De Simone, disponibile sulle piattaforme digitali di streaming dall’11 settembre.

“Lanterna di fuoco” è un brano che si sviluppa come un viaggio onirico e sospeso, guidato dall’immagine simbolica di un’altalena che oscilla senza sosta tra passato e futuro. La canzone esplora la memoria e il desiderio di trasformazione, invitando l’ascoltatore a cambiare prospettiva sulla propria vita attraverso la forza della fantasia e dell’immaginazione intese come autentici strumenti di libertà.

L’intreccio lirico attraversa immagini suggestive — lanterne nel cielo notturno, caroselli e ricordi d’infanzia ricchi di dettagli — fino a raggiungere un messaggio di profonda accettazione e leggerezza. Il pezzo, intimo e sognante, ricorda come l’arte e la musica possano restituire la vertigine e la libertà di volare alto anche quando il tempo sembra rallentare o perdersi.

L’apertura è affidata a un arpeggio delicato e a un ritmo cullante che evoca l’oscillazione ipnotica dell’altalena, accogliendo una voce dal timbro confidenziale. Con il procedere del brano l’andamento si fa più ampio e incalzante: la struttura musicale cresce in intensità e dinamica, culminando nel picco emotivo della sezione centrale sostenuto dall’immagine del volo e del distacco dalla terraferma.

Dopo una pausa riflessiva e nostalgica scandita dal quadro del carosello, la traccia scivola verso un finale avvolgente e rassicurante, dove il tempo pare fermarsi in un’atmosfera calda, riconciliata e fiabesca.

Spiega l’artista a proposito del brano: “Quando ho scritto Lanterna di fuoco, cercavo uno spazio sonoro e visivo che potesse accogliere l’introspezione più profonda senza perdere la leggerezza del sogno. Questo brano è nato proprio dai giochi d’infanzia condivisi con mia sorella Katia, in un tempo in cui ogni fantasia diventava possibile, ma soprattutto reale. Ho capito che il vero inganno non era allora — perché i sogni prendevano davvero forma —, ma risiede nell’oggi, nel non credere più che sia possibile.”

Il videoclip di “Lanterna di fuoco” è concepito come una vera e propria immersione in un bosco incantato dove la realtà si tinge di magia, sogno e poesia visiva. Diretto e prodotto da Marco Resovaglio — che ne firma la co-produzione insieme allo stesso De Simone —, il video si presenta come un cortometraggio d’autore, capace di intrecciare la forza evocativa della canzone a una narrazione dal profondo impatto simbolico.

Le riprese, realizzate tra il borgo di Ostia Antica con la sua pineta e il parco di Marino, incastonano il racconto in una dimensione atemporale tra boschi secolari, un antico arco in pietra, corsi d’acqua, laghetti di ninfee e cavalli al pascolo: uno scenario naturale che fa da cornice a una fiaba contemporanea incentrata su libertà, introspezione e connessione viscerale con la terra.

Protagonisti sullo schermo sono lo stesso Massimo De Simone, nei panni di un poetico spaventapasseri anticonvenzionale con occhiali adornati da girasoli (simbolo di solarità e ricerca di luce), e Katia De Simone, eterea figura silvestre dalle ali fatate in costante dialogo con gli elementi naturali. A impreziosire l’estetica visiva contribuiscono le suggestive sculture lignee del Maestro Giuseppe Faella, i cui volti e dettagli intagliati emergono tra le sequenze, saldando arte plastica e racconto cinematografico.

Sospeso tra il giorno e la notte, il video traccia un cammino di guarigione e liberazione dalle paure attraverso il potere dell’immaginazione. Il percorso fantastico culmina infine in una nota di toccante nostalgia: l’apparizione di una fotografia d’infanzia, sigillo sul tempo che scorre e sull’incanto dei sogni mai sopiti. “Lanterna di fuoco” si trasforma così in un invito a rallentare il passo, ad ascoltare la voce della natura e a riabbracciare lo stupore fanciullesco che vive dentro ognuno di noi.

Guarda il videoclip: https://youtu.be/wps3arQb5aI

Biografia

Massimo De Simone è un poliedrico cantautore romano la cui identità artistica si muove con naturalezza tra le sfumature del pop-rock, del musical e della musica per immagini. Il suo legame con l’universo sonoro ha radici precoci: lo studio del pianoforte, iniziato a soli sei anni, ha trasformato lo strumento nel fulcro della sua intera produzione. Definito un autore dal talento cristallino, De Simone si distingue per la capacità di intrecciare suono e parola in un costante dialogo tra musica e poesia, scienza e fantasia, elevando il vissuto quotidiano a forma d’arte attraverso una rara sensibilità emotiva.

La visione di De Simone abbraccia lo spettacolo a 360 gradi, superando i confini della classica forma-canzone. Come autore e produttore teatrale, unisce la composizione alla forza della messinscena, dando vita a esperienze sceniche immersive. Radicato nel panorama culturale romano e attivo con diversi studi di registrazione, vanta una gavetta autentica che spazia dal pianobar fino ai palchi dei teatri del Centro Italia, forte di un’attività live ultraventennale e di numerosi piazzamenti in finali di prestigiosi concorsi musicali nazionali. Tra le sue opere teatrali più rappresentative spiccano il musical a sfondo spirituale Sui passi suoi e Uomo senz’anima, rilettura ispirata al Frankenstein di Mary Shelley.

La cifra stilistica dell’artista unisce raffinatezza melodica e forte impegno tematico: ne è un chiaro esempio il singolo Il Soave Assolo (2022), scritto per spiegare la guerra ai più piccoli contrapponendo la violenza del conflitto all’innocenza del canto infantile. Un tratto distintivo della sua poetica risiede inoltre nella fascinazione per l’astrofisica e le leggi dell’infinito, tradotte in partiture evocative come Antimateria, Danza Aliena, Stringhe di energia, La canzone dei pianeti, Quasar viola, Linea di Kármán e Valzer onirico, a cui si affiancano brani incentrati sulle sfumature dell’animo umano come Laila (2021), Natale è qua e Sogni e voglie.

Nel 2026 pubblica i brani “Nonostante tutto e tutti” e “Terrastronave”, consolidando la sua voce di autore indipendente capace di fondere rigore compositivo e autentico slancio lirico.

“Lanterna di fuoco” è il nuovo singolo di Massimo De Simone disponibile sulle piattaforme digitali di streaming dall’11 settembre 2026 e in rotazione radiofonica dal 18 settembre. 

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Dal 18 settembre 2026 sarà in rotazione radiofonica  “Ti racconto”, il nuovo singolo di Livia Gloria De Angelis disponibile sulle piattaforme digitali di streaming dal 1° giugno.

“Ti racconto” è una composizione strumentale dal carattere intimo ed evocativo, costruita su sonorità delicate e atmosfere rarefatte. Il brano si muove con eleganza in uno spazio sonoro sospeso, dove ogni sfumatura timbrica è dosata con cura e sensibilità.

La sua spiccata componente cinematica dona alla traccia una forte potenza visiva: un invito all’ascolto immersivo capace di lasciar emergere immagini, suggestioni ed emozioni profonde senza il bisogno della parola, affidando alla purezza della melodia il compito di guidare la mente e l’immaginazione dell’ascoltatore.

Commenta l’artista sul nuovo singolo: “In questo brano mi rivolgo a me stessa. Riaffiorano ricordi lontani e momenti che hanno Lasciato una traccia. L’intenzione è di generare in chi ascolta, l’atmosfera lieve ma un po’ nostalgica che lo ha ispirato.”

Il videoclip di “Ti racconto” accompagna con le sue immagini l’atmosfera evocativa e intima delle note del brano, suscitando sensazioni profonde e risvegliando suggestivi frammenti di memoria.

Guarda il videoclip su YouTube:  https://youtu.be/1tivIOwl_pc?si=69loNOVnOOQF0lpm

Biografia

Livia Gloria De Angelis è una compositrice profondamente legata alla natura in tutte le sue espressioni. La sua passione per il pianoforte sboccia nei primi anni Duemila grazie all’ascolto delle opere di Ludovico Einaudi: nel 2006 riceve in dono il suo primo strumento e avvia un percorso di studio che si trasforma presto in una precisa esigenza espressiva, orientata verso la scrittura di brani originali.

La sua produzione discografica conta già all’attivo due album e un singolo, tra cui spiccano pubblicazioni come Senza tempo, C’era una volta e Sognando Olivia. La cifra stilistica della compositrice si distingue per una scrittura essenziale ed estremamente pulita, capace di tradurre in note stati d’animo, memorie e frammenti di vita con un approccio immediato e sincero. Lontana da etichette generazionali o target predefiniti, la sua musica punta a una comunicazione trasversale, offrendo all’ascoltatore una dimensione intima e libera da sovrastrutture.

Supportata da un team di professionisti esperti del settore che ne curano la preproduzione e gli arrangiamenti, Livia Gloria De Angelis sviluppa una poetica sonora a forte vocazione visiva, con l’obiettivo e l’aspirazione di approdare a sincronizzazioni cinematografiche e colonne sonore per documentari d’autore.

“Ti racconto” è il nuovo singolo di Livia Gloria De Angelis disponibile sulle piattaforme digitali di streaming dal 1° giugno 2026 e in rotazione radiofonica dal 18 settembre.

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Da venerdì 18 settembre 2026 sarà disponibile in rotazione radiofonica e su tutte le piattaforme di streaming digitale “Lorazepam” il nuovo singolo dei CTRL+Z per Red&Blue Music Relations distribuito da ADA Music Italy.

“Lorazepam” segna un ritorno alle sonorità più cupe e, a tratti, taglienti del primo singolo. L’andamento del brano riflette l’instabilità emotiva che accompagna i momenti più difficili dell’esistenza, mentre il testo racconta una quotidianità segnata da attacchi di panico, solitudine e farmaci.

Spiega la band a proposito del brano: “Lorazepam nasce come il racconto privato del trascorso di uno dei membri della band. Durante la lavorazione, tuttavia, questo racconto si è progressivamente fuso con altri. Alcune persone che hanno assistito al percorso creativo hanno iniziato a condividere proprie esperienze simili e questo ha plasmato la storia raccontata nella canzone andando a cercare e cantare quei dettagli e quei momenti che ritornavano sempre. Pian piano è diventato un racconto collettivo, ad esorcizzare momenti bui molto più comuni di quanto si pensi”.

Guarda il lyric video su YouTube: https://www.youtube.com/watch?v=vYKQ4D2vzus

CTRL+Z | BIOGRAFIA

I CTRL+Z sono un’alternativa rock band nata a Bari e attiva dal 2019, frutto della creatività di Claudio Salvucci (voce e testi), Massimiliano Santamato (basso) e Giulio Chirico (chitarra), completata nel 2021 da Fabio Zampetta (batteria) e Claudio Lacalamita (chitarra). In più di quattro anni, la band ha sviluppato un sound unico che fonde alternative rock, hard rock, grunge, hip hop, rap hardcore, indie e rock progressivo.

Le loro influenze spaziano da Incubus, Tool, King Crimson, Yes, A Perfect Circle ed altri ancora, con contaminazioni che vanno dal new-metal all’hip-hop. Tutti i membri hanno formazione musicale e hanno sviluppato e proposto diversi arrangiamenti ricchi e sperimentali per ogni brano concepito.

CTRL+Z lavora con un team di produttori, grafici e consulenti per portare la loro musica e la loro estetica al massimo livello. Il loro pubblico ideale è giovane-adulto (18-40 anni), curioso e aperto a generi diversi.

Con le loro canzoni raccontano esperienze urbane, sfide personali e la ricchezza della diversità musicale. L’obiettivo? Affermarsi nel panorama musicale nazionale nei prossimi due-tre anni, raggiungendo un pubblico sempre più vasto e partecipando a festival e collaborazioni di rilievo.

Dopo “Solo amore” e “Bugia”, “Lorazepam” è il nuovo singolo dei CTRL+Z disponibile sulle piattaforme digitali e in rotazione radiofonica da venerdì 18 settembre.

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Da venerdì 18 settembre 2026 sarà in rotazione radiofonica “La danza umana” il nuovo singolo di Manuela Dia, già disponibile sulle piattaforme digitali di streaming dal 12 giugno.

Il brano “La Danza Umana”, registrato tra Piacenza e i celebri Abbey Road Studios di Londra, nasce da una riflessione sulla condizione umana. Nell’antica Grecia, tanto nella commedia quanto nella tragedia, la danza accompagnava lo spettacolo, che continuava nonostante tutto. Una metafora ancora attuale: ogni giorno l’essere umano sale sul palcoscenico della vita, improvvisa nuovi passi, indossa maschere diverse, inciampa, cade e si rialza. La canzone affronta questo continuo alternarsi di leggerezza e dolore attraverso sonorità latinoamericane e un tono ironico, serio ma mai eccessivamente drammatico.

Spiega l’artista a proposito del brano: “Registrato tra Piacenza e Londra nei celebri Abbey Road Studios, il brano ha finito per coinvolgere tutti in sala. Facevamo fatica anche noi a stare fermi mentre lo si suonava e registrava, perché nonostante il testo un po’ critico e riflessivo, il ritmo aumentava i battiti e ci trascinava con sé. In questi tempi imperfetti e spietati, restare umani, resistere e danzare è quasi una rivoluzione. In un’alba di sopravvivenza c’è ancora tempo per arrivare alla notte”. 

Il videoclip de “La Danza Umana” accompagna il brano con una sequenza di passi di danza e immagini dal carattere surreale. I movimenti dei protagonisti si susseguono tra ambienti, oggetti e prospettive insolite, seguendo l’andamento della musica e creando un’atmosfera a tratti straniante. La danza rimane al centro del racconto e fa da collegamento tra le diverse scene, mentre situazioni quotidiane assumono progressivamente una dimensione meno reale, quasi a sfidare le normali coordinate del tempo e dello spazio. 

Guarda il videoclip su YouTube: https://www.youtube.com/watch?v=pdaaJtK4oEg

MANUELA DIA | BIOGRAFIA

Manula Dia è una cantante, autrice e compositrice piacentina. Artista poliedrica e prolifica che sfugge ad ogni cliché. Nata come vocalist, ha collaborato con alcuni tra i più famosi artisti italiani, tra cui Celentano, Jovanotti, Dalla, Toto Cutugno e Pino Donaggio. Ha poi intrapreso un suo cammino creativo con grande determinazione, studiando chitarra classica, canto, armonia jazz, improvvisazione e composizione. Canta e scrive in quattro lingue, si definisce un’artigiana prestata alla musica. Scrive inseguendo memorie e silenzi armata di matita e pentagramma, tra una pausa e l’altra. Ha vinto il Premio Tenco e il Premio Recanati per la musica d’autore, ma l’incontro con il jazz cambiò il suo modo di scrivere e di rapportarsi con la musica. Musicista schiva e poco incline alle ribalte, adora Tom Waits, Chet Baker, la poetica di Leonard Cohen, David Bowie, Erik Satie, David Sylvian, Paolo Conte, Enzo Jannacci, Serge Gainsbourg e Jobim. Appassionata di cinema, poesia, letteratura e pittura, si divide tra arte e famiglia. Ha lavorato per la pubblicità, per il teatro, passando dal blues al pop, dalla bossa nova alla dance e dal soul al latin-jazz, perché la musica è un linguaggio universale che non ha confini territoriali, mentali o creativi. Lavora da sempre con Massimo Braghieri Paramour amico e musicista eclettico che ha curato gli arrangiamenti e le produzioni di gran parte dei brani facenti parte dell’album “La Danza Umana”, registrati tra l’Elfo Studio di Tavernago, l’Intonoise Studio di Londra e infine masterizzati da Geoff Pesche agli Abbey Road di Londra. Hanno partecipato al progetto, scritto e cantato interamente da Manuela: Massimo Paramour al pianoforte, Renato Podestà alle chitarre, Roberto Lupo alla batteria, Federico Malaman al basso, Mauro Ottolini al trombone, Giovanni Guerretti alle tastiere, Davide Ghidoni alla tromba e Matteo Pescarolo al sax. Nelle sue canzoni c’è sempre una vena d’ironia, parole sospese tra leggerezza e malinconia. Manuela Dia cerca di raccontare il suo tempo, con tutte le sfumature e le contraddizioni che questo tempo ha.

“La danza umana” è il nuovo singolo di Manuela Dia disponibile sulle piattaforme digitali di streaming dal 12 giugno e in rotazione radiofonica da venerdì 18 settembre. 

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